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Michael Kichka: Zweite Generation

Ein Comic über einen Sohn dessen Jugend davon überschattet wurde, dass sein Vater ein Holocaust-Überlebender ist, steht zweifelsohne im Schatten von Art Spiegelmans Meisterwerk Maus. Doch Michael Kichka geht die Sache offensiv an. Er lässt Spiegelmans mit dem Pulitzerpreis prämierten Comic gleich zweimal innerhalb seiner autobiographischen Geschichte auftauchen und benennt das Werk auch eindeutig als Inspiration.

Michael Kichka: Zweite Generation

Zudem setzt Kichka andere Akzente als Spiegelman. Zweite Generation ist kein Comic über den Holocaust, was auch daran liegt, dass Kichkas Vater Henri so gut wie nie mit seinen Kindern über seine Zeit in Auschwitz und Buchenwald gesprochen hat. Kichka erzählt wie das Thema Holocaust dennoch die Kindheit von ihm und seinen drei Geschwistern überschattet hat. Dies führte schließlich dazu, dass Kichkas jüngerer Bruder Charly Selbstmord beging. Die wohl ergreifendste Szene ist, wenn Michael Kichka beschreibt, wie er nach dem völlig unerwarteten Tode von Charly zunächst völlig ratlos ist, dann jedoch mit einer Verspätung von einem Monat doch noch einen Abschiedsbrief erhält. Charly schreibt darin, dass er sich unfähig fühlte seine geliebten Kinder im Leben anzuleiten, denn “das Vorbild des Lebens von Papa und Mama hat letztlich nicht ausgereicht“.

Michael Kichka: Zweite Generation

Kichka schildert wie er sich danach weiterhin davor drückt seinen Vater, der mittlerweile ein prominenter und viel beschäftigter Zeitzeuge geworden ist, auf eine seiner zahlreichen Bildungsreisen nach Auschwitz zu begleiten und auch wie es im Laufe der Zeit dennoch gelingt etwas Normalität ins Familienleben zu bringen. Kichkas schwarzweißer Zeichenstil – irgendwo zwischen Robert Crumb und André Franquin – passt durchaus zum sperrigen Thema, das er mit großer Offenheit und menschlich sehr anrührend erzählt hat. Gut dazu passt auch der Epilog, in dem Kichka schildert, dass es ihm nicht eben leicht fiel mit der Arbeit an Zweite Generation zu beginnen, doch nachdem er einmal damit angefangen hatte, spürte er “in dem Masse in dem die Seiten Gestalt annahmen“ das Leben in ihm aufsteigen.

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Beziehungsweise New York

Der 2002 in die Kinos gekommene französische Film L´Auberge Espagnole – Barcelona für ein Jahr hat sich zu einem erstaunlichen Langzeit-Experiment entwickelt. Cédric Klapisch (So ist Paris, Mein Stück vom Kuchen) erzählte seinerzeit wie der 25-jährige Wirtschafts-Student Xavier (Romain Duris) seine letzten beiden Semester (aber vor allem etliche amouröse Verwicklungen) als Auslandsstudent in Barcelona innitten einer buntgemischten WG mit Bewohnern aus England, Dänemark, Belgien und Deutschland erlebte. Vor allem in der vielsprachigen Originalfassung, aber auch durch einige unaufdringlich verspielte inszenatorische Einlagen, geriet der Film zu einem einzigen Vergnügen voller sympathischer und unvergesslicher Figuren.

Beziehungsweise New York

Umso größer war schließlich die Freude als es drei Jahre später zu einem Wiedersehen in St. Petersburg kam. Der Film spielte zwar großteils in Paris, doch es waren vor allem die lebendig eingefangenen Szenen in Russland und London, die die Wiederbegegnung mit Xavier und seinen internationalen Freunden zu einem so großen Vergnügen machten. Als kaum noch damit zu rechnen war, schob Cédric Klapisch – über ein Jahrzehnt nach Barcelona für ein Jahr – noch einen Film mit den selben Hauptfiguren nach. Xavier verschlägt es jetzt nach New York, denn dort leben seine beiden Kinder bei seiner geschiedenen Frau Wendy (Kelly Reilly), aber auch seine lesbische Freundin Isabelle (Cécile de France). Um eine Aufenthaltsgenehmigung zu erhalten heiratet Xavier eine junge Asiatin, doch richtig kompliziert wird es, als auch noch seine alte Flamme Martine (Audrey Tautou) auftaucht…

Beziehungsweise New York

Zwar sind nur noch vier Ensemble-Mitglieder aus dem Erstling dabei, doch Klapisch fängt mitreißend die New Yorker Atmosphäre ein. Als Xavier dort schließlich einen Job als Fahrrad-Kurier gefunden hat, zeigt der Film die Vielfältigkeit der Stadt mit ihren zernarbten Straßen-Landschaften und den bewachten hochpreisigen Wohnanlagen in Manhattan. Wenn Xavier verzweifelt versucht, sich mit dem neuen Lebensgefährten seiner Ex-Frau auf englisch verständigt, schneidet Klapisch zum Spaß einfach mal eine Einstellung dazwischen in der der Franzose in mittelalterlicher Bekleidung als Vertreter der “Alten Europas“ zu sehen ist. Sehr sanft wird sich über den American Way of Life amüsiert, doch in erster Linie geht es um Herzensdinge. Wenn zwischendrin Xavier von Wendy, Isabelle und Martine gemeinsam veralbert wird und sich dabei nach einer Kombination dieser drei Frauen sehnt, dann ist das ein großartiger Moment, auch weil der Zuschauer diese Menschen bereits seit über einem Jahrzehnt kennt.

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The Amazing Spider-Man 2

2012 wagte Sony einen Neustart der Spider-Man-Filmreihe, ganz sicher auch, weil Tobey Maguire und Kirsten Dunst mittlerweile zu alt für ihre Teenager-Rollen waren, aber auch weil Sam Raimis Spider-Man 3 2007 zwar an der Kinokasse mit einem Einspielergebnis von knapp 900 Millionen Dollar mächtig abräumte, aber eigentlich niemandem wirklich gefallen hatte. Was für ein guter Film Marc Webb mit dem Reload The Amazing Spider-Man gelang, zeigt die Fortsetzung, die einige Grundideen zwar dankbar aufgreift, aber insgesamt sehr viel weniger homogen ausfiel.

The Amazing Spider-Man 2

Andrew Garfield ist als Peter Parker/Spider-Man diesmal (durchaus vorlagengetreu) ein unermüdlich Sprüche klopfender fröhlicher Superheld, doch dabei nur bedingt witzig und insgesamt eher albern. Noch schwerer zu ertragen ist Jamie Foxx (Project Power), dem es überhaupt nicht gelingt Mitgefühl zu wecken, für den schüchternen einsamen Max Dillon, der durch ganz schön blödsinnige Umstände zum blaugesichtigen Power-Fritzen Electro wird. Schmerzhaft fehlen diesmal interessant ausbalancierte Respektpersonen wie es Martin Sheen als Onkel Ben oder Denis Leary als Polizisten-Vater George Stacy in The Amazing Spider-Man waren. Sally Field als besorgte Tante May kämpft zwar wacker an der Emotionsfront, droht aber oft an ihren klischeehaften Monologen zu ersticken.

The Amazing Spider-Man 2

Ein schlechter Film ist The Amazing Spider-Man 2 deshalb aber keineswegs. Emma Stones großäugigem Charme als Gwen Stacy wird sich kaum ein Zuschauer entziehen können und der hochtalentierte charismatische Jungdarsteller Dane DeHaan (Valerian – Die Stadt der tausend Planeten) hätte als tragischer Konzern-Erbe (Batman, ich höre Dich trapsen) Harry Osborn fast schon einen eigenen Film verdient.

The Amazing Spider-Man 2

Die fast komplett vor Ort in New York City in Szene gesetzte 3D-Action kann sich sehen lassen und das Ende des überlangen Filmes macht mehr als gespannt auf die weitere Ausrichtung der Spider-Man-Reihe.

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Walt Disney: Die Kühe sind los

Die arme Kuh Maggie hat es schon einmal erlebt: Plötzlich über Nacht sind alle ihre Artgenossen von der Farm verschwunden und ihr Viehzüchter kann nur noch Konkurs anmelden. Maggie wird von der Rancherin Pearl gekauft und auf deren Farm scheint alles in bester Ordnung zu sein. Doch plötzlich taucht der Sheriff auf und fordert Pearl auf ihre Schulden von 750 Dollar zu begleichen, sonst droht auch ihrer Farm die Zwangsversteigerung. Maggie stiftet ihre Mitkühe, die etwas einfältige Grace und die würdevolle Mrs. Caloway an, gemeinsam den berüchtigten Viehdieb Alameda Slim zu fangen, denn auf dessen Kopf ist eine Belohnung von 750 Dollar ausgesetzt.

Walt Disney: Die Kühe sind los

Wenn dann herauskommt, was der ruchlose Alameda Slim beim Viehdiebstahl für gemeine Tricks verwendet, so ist dies nicht nur der stärkste Moment des Filmes, sondern möglicherweise sogar die beste Szene in einem nach Walt Disneys Tod entstandenen Disney-Zeichentrickfilm. Alameda Slim ist ein begnadeter Jodel-Sänger und mit seinem Lied Yodel-Adle-Eedle-Idle-Oh hypnotisiert er ganze Viehherden. Die Regisseure Finn und Sanford wollten aus dieser Sequenz “die farbenprächtigste Szene in einem Disney-Film überhaupt“ machen und bei der “Rosa Elefanten-Parade“ aus Dumbo mithalten. Das ist ihnen zweifelsohne gelungen.

Walt Disney: Die Kühe sind los

Auch ansonsten ist der Film sehr viel entspannter als so mancher zuvor entstandener “großer“ Disney-Zeichentrickfilm wie etwa Der Schatzplanet oder Bärenbrüder, in denen entweder optisch überwältigt oder hemmungslos Sentimentalitäten herausgeschunden werden sollte. Somit steht der Film in der Tradition von den etwas leichtfüßigeren Disney Filmen wie Ein Königreich für ein Lama oder Lilo & Stitch. Doch dank der kräftigen Farben, des cartoonhaften Stylings von Figuren und Hintergründen und des oft etwas anarchistischen Humors fließen auch die Traditionen der unberechenbaren Trickfilme von Chuck Jones und Tex Avery mit ein. Es bleibt zu hoffen, dass Disney uns künftig auch weiterhin mit sympathisch-unangestrengte Zeichentrickfilme wie diesen hier überrascht.

Walt Disney: Die Kühe sind los

Mittlerweile liegt der Film auch auf Blu-ray vor, als Bonus gibt es; Zusätzliche Szenen kommentiert von den Regisseuren (14:57 min) und ein Making Of (16:40 min).

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Walt Disney: Die Eiskönigin – Völlig unverfroren

Es ist sehr erfreulich, dass es nicht nur bei Pixar, sondern mittlerweile auch bei Disney wieder Tradition ist, dem großen abendfüllenden Trickfilm einen kurzen Cartoon voranzustellen.

Walt Disney: Die Eiskönigin - Völlig unverfroren

Zum 85. Geburtstag von Disneys Wappentier kehrt Micky Maus an seinen Geburtsort – die große Leinwand – zurück. Der köstliche 7-minütige Micky Maus Film Get a Horse! beginnt wie ein schwarzweißer Disney-Trickfilm aus den 20er Jahren, was sich auch dadurch bemerkbar macht, dass Kater Karlo hier noch ein Holzbein hat. Doch schon recht bald wird die Leinwand gesprengt, einige plötzlich farbige Figuren hüpfen dem Zuschauer plastisch entgegen und der Film wird zu einer ebenso wilden wie traditionsbewussten Geburtstags-Party.

Get a Horse!
Get a Horse!

Der Hauptfilm ist eine nicht ungeschickte Variante von Hans Christian Andersens Märchen Die Schneekönigin. Dieses war bereits 1959 die Grundlage für einen von Lev Atamanov inszenierten aufwändig animierten russischen Zeichentrickfilm, der sich nicht hinter den Disney-Klassikern verstecken muss. Wohl auch daher wurden für Disneys 53. Animationsfilm nur Fragmente aus Andersens ganz schön finsterer Geschichte übernommen.

Walt Disney: Die Eiskönigin - Völlig unverfroren


Zentrale Figuren sind jetzt nicht mehr die Geschwister Kay und Gerda, sondern die Prinzessin Anna und ihre drei Jahre ältere Schwester Elsa. Letztere verfügt über Zauberkräfte und verletzte die kleine Anna beim spielerischen Umgang damit. Als dann auch noch die Eltern bei einem Schiffsuntergang ums Leben kommen, ist Elsa gänzlich traumatisiert und kapselt sich völlig ab. Auf ihrer Krönungszeremonie kommt es zur Katastrophe und Elsa, die alles bei Berührung in Eis verwandelt, flüchtet in die verschneite Wildnis. Daraufhin herrscht ewiger Winter im Königreich Arendell. Anna macht sich auf die Suche nach ihrer Schwester. Hilfe findet sie beim eigenwilligen Naturburschen Kristoff, seinem Rentier Sven und dem (in der deutschen Fassung von Harpe Kerkeling gesprochenen) Schneemann Olaf, dem noch nicht restlos klar ist, was ihm blüht, wenn endlich wieder Sommer ist…

Walt Disney: Die Eiskönigin - Völlig unverfroren

Die eisige norwegische Landschaft ist ein prachtvoller Hintergrund für eine romantisch-spannende Geschichte, die durch gute Gageinlagen aufgelockert wird und im großen Finale noch einige Überraschungen zu bieten hat. Inszeniert wurde der Film vom erfahrenen Trickfilmer Chris Buck (Tarzan, Könige der Wellen) gemeinsam mit Jennifer Lee, die bereits bei Ralph reichts als Autorin an Bord war und das Drehbuch zu Die Eiskönigin schrieb. Durch die etwas arg kompliziert zusammengebastelte Geschichte sowie einige eher entbehrliche Gesangseinlagen wird nicht ganz die Klasse des nahezu perfekt in Szene gesetzten Disney-Märchenfilm Rapunzel – Neu verföhnt  erreicht. Doch dafür schlägt Die Eiskönigin Pixars nicht unähnliches Mädchen-Fantasy Merida – Legende der Highlands um Längen. Doch bis zum Start des computeranimierten Remakes von Der König der Löwen war Die Eiskönigin der erfolgreichste Animationsfilm aller Zeiten und sechs Jahre später folgte eine Fortsetzung.

Walt Disney: Die Eiskönigin - Völlig unverfroren

Mittlerweile liegt der Film auch auf Blu-ray vor, als Bonus gibt es: Den Micky Maus Kurzfilm “Get a Horse!“ (6:00 min), eine recht lustige gesungene Einleitung zum Making Of (3:18 min), Walt Disney & Hans Christian Andersen (7:28 min), zusätzliche Szenen als Storyboard-Zeichnungen (6:51 min), Musikvideo “Let it go“ in verschiedenen Sprachen (15:42 min) und US-Trailer (1:32 min)

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Karl May Shatterhand Box

Der erste Karl May-Western Der Schatz im Silbersee entwickelte sich zu einem gewaltigen Kassenknüller und begründete die erfolgreiche Winnetou-Filmserie. Dies wurmte den Produzenten Arthur Brauner ein wenig, denn eigentlich war Horst Wendland, der Produzent dieser Filme, ja ein ehemaliger Lehrling und Mitarbeiter von ihm. Daher beschloß Brauner sich an den Erfolg dieser Reihe zu hängen, genau wie er es zuvor schon bei Wendlands Edgar Wallace-Filmen mit Der Fluch der gelben Schlange getan hatte.

Karl May Shatterhand Box

Brauner sicherte sich den Titel Old Shatterhand, konnte Lex Barker für die Titelrolle verpflichten und steckte schon wenige Tage nach dem Start von Der Schatz im Silbersee mitten in den Vorbereitungen für einen eigenen Karl-May-Western. Nachdem Wendland den Film nicht mehr bremsen konnte ließ er zur Schadensbegrenzung zu, dass weitere Darsteller und die Kostüme seiner Erfolgsserie übernommen werden durften. Brauner wiederum konzentrierte sich anschließend daraufhin Karl May-Abenteuer wie Der Schut, die nicht im Wilden Westen spielen zu verfilmen, doch 1968 war er es, der die Reihe mit Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten beendete.

Karl May Shatterhand Box

Old Shatterhand kam 1964 als dritter Karl May-Western in die Kinos und war ein voller Erfolg. Mit Produktionskosten von 5 Millionen Mark handelte es sich um den mit Abstand aufwendigsten Film der Reihe. Zwar vermissten viele May-Fans Motive aus den Romanen ihres Lieblingsautors, doch gerade die Tatsache, dass der Film einen „realistischeren“ Look als die anderen Winnetou-Filme hat und es deutlich härter zur Sache geht, sprechen für den Film. Auch der gelungene Soundtrack von Riz Ortolani hebt sich deutlich von Martin Böttchers romantischer Musik ab und liefert den passenden Hintergrund für eine Tanzszene bei der Rast eines Wagen-Trecks, die mehr als deutlich an die Western von John Ford erinnert.

Karl May Shatterhand Box

Mittlerweile liegt Old Shatterhand gemeinsam mit Winnetou und Old Shatterhand im Tal der Toten in einer Shatterhand-Box auch auf Blu-ray vor. Hierfür wurde auf den Dolby 5.1 Remix, die deutschen Untertitel und so manches Extra wie die Trailer zu Old Shatterhand verzichtet. Doch die gute Bildqualität – Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten wurde zuvor auf DVD nicht in voller Breite und auch nicht anamorph präsentiert – sowie die interessante neue Doku sprechen für diese Neuauflage.

Karl May Shatterhand Box

Extras der Shatterhand-Blu-ray-Box: Ein neu produziertes interessantes Making Of (17:41 min); Wochenschaubericht über Daliah Lavi (2:24 min); Trailer zu „Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten“ (4:05 min) in sehr mäßiger Bildqualität

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House of Cards – Das britische Original

Fast ein Vierteljahrhundert bevor Kevin Spacey in der US-Serie House of Cards als demokratischer Kongressabgeordneter Francis “Frank“ Underwood sein intrigantes Unwesen trieb, entstand bereits eine gleichnamige britische Serie, die auf der selben Romanvorlage basiert. Michael Dobbs war Berater, Redenschreiber und Stabschef von Margret Thatcher. Seine Erfahrungen verarbeitete er zum Polit-Thriller House of Cards, der so erfolgreich war, dass er die Fortsetzungen To Play the King und The Final Cut nach sich zog.

HOUSE OF CARDS - Das britische Original

Ähnlich verlief es mit der vierteiligen BBC-Mini-Serie House of Cards in der 1990 Ian Richardson in der Rolle des nicht mehr ganz jungen konservativen britischen Politikers Francis Ewan Urquhart brilliert. Dieser gilt bei seinen Parteikollegen als blass und ambitionslos, spielt sie jedoch so geschickt und rücksichtslos gegeneinander aus, dass er schließlich Premierminister wird. Richardson spricht immer wieder den Zuschauer direkt an (“Gleich beginnt die Fragestunde der Opposition, das ist fast so als wenn man von einem Hamster überfallen wird.“) und macht diesen dadurch zum Komplizen. Abgerundet wird dieses interessante Konzept noch durch immer wieder zwischen die Handlung geschnittene Aufnahmen von Ratten, die vor markanten Gebäuden in London herumrennen.

House of Cards - Das britische Original

Die BBC verfilmte nach dem Erfolg von House of Cards auch die beiden weiteren Bücher von Michael Dobbs, die zugehörigen Miniserien sind ebenfalls bei Ascot Elite erschienen. 1993 folgte To Play the King (Um Kopf und Krone), hier bekommt es der zynische Premier Urquhart mit dem idealistischen König (Michael Kitchen) zu tun, kaum verschlüsselt ist hier zweifelsohne Prinz Charles gemeint. Dessen tatsächlich selbstlosen Bestrebungen Großbritannien besser und menschlicher zu machen, hat der Polit-Profi Urquhart (zunächst) nur wenig entgegen zu setzen. In Sachen Dramatik und messerscharfer Dialoge kann diese vierteilige Miniserie locker bei der ersten Staffel mithalten.

HOUSE OF CARDS - Das britische Original

1995 schließlich entstand unter dem Titel The Final Cut (Das letzte Kapitel) der wieder vierteilige Abschluss der Trilogie. Am Anfang der Geschichte wohnt der amtierende Premierminister Francis Urquhart dem Begräbnis von Maggie Thatcher bei. Er heuchelt Trauer, träumt jedoch davon länger im Amt als zu bleiben als die “Eiserne Lady“, die Großbritannien 11 Jahre regierte. Doch ganz so leicht wie sonst, fällt es Urquhart diesmal nicht, sein politisches Umfeld durch Intrigen zu kontrollieren. Einen mächtigen Gegner hat er im Außenminister Tom Makepeace, der von dem aus Jäger des verlorenen Schatzes bekannten Paul Freeman dargestellt wird. Auch Diane Fletcher als Urquharts Gattin Elizabeth spielt diesmal eine deutlich aktiviere Rolle und erinnert in ihrer Durchtriebenheit an Robin Wright, die in der US-Version von House of Cards ihrem manipulativen Ehemann in nichts nachsteht.

House of Cards - Das britische Original

Dank des Erfolges dieser US-Variante mit Kevin Spacey kommen wir auch endlich in den Genuss des Originals. Die 2 DVDs oder die eine Blu-ray der einzelnen Staffeln stecken in schönen Pappschubern, das FSK-Zeichen ist auf der Umverpackung, (Voll-) Bild- und Tonqualität sind voll in Ordnung, Bonusmaterial gibt es leider keins. Mittlerweile liegt auch eine Gesamtedition der BBC-Serie auf 6 DVDs oder 3 Blu-rays vor.

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Thor – The Dark Kingdom

Kenneth Branaghs Thor war nicht gerade der Hammer unter den ersten Filmen des Marvel Cinematic Universe. Captain America und vor allem die Iron Man Filme mit Robert Downey jr. gerieten um einiges unterhaltsamer. Auch unter den sich erfolgreich auf der Leinwand versammelnden Avengers wirkte der von Chris Hemsworth verkörperte nordische Gott mit seinem Hammer und der wallenden blonden Mähne manchmal etwas albern. Nicht ganz zu Unrecht musste er sich von Downey jr. alias Iron Man die Frage gefallen lassen, ob er vielleicht von ihm “Shakespeare im Park“ spiele.

Thor – The Dark Kingdom

Von daher waren die Erwartungen entsprechend niedrig bei Thor – The Dark Kingdom (keine Ahnung, warum der Originaltitel Thor – The Dark World geändert wurde). Doch oh Wunder, das Ding geht ab wie eine Rakete und wirkt so, als wenn in Branaghs Thor einige bei der Zubereitung etwas übel riechende Ingredienzien angerührt wurden, die zwei Jahre später dann überraschenderweise doch noch zu einem äußerst schmackhaftes Festmahl wurden. Fast alle Darsteller des ersten Filmes sind wieder versammelt. Einzige und nicht wirklich bedeutende Ausnahme ist der jetzt von Zachary Levi verkörperte an Robin Hood erinnernde Thor-Kumpel Fandral, den zuvor Joshua Dallas gespielt hatte.

Thor – The Dark Kingdom

Mit einer fast schon unglaublichen Leichtigkeit mixt der TV-Veteran Alan Taylor – er inszenierte Episoden zu Erfolgsserien wie Sex and the City, Mad Man oder Game of Thrones – schwülstige Heroic Fantasy mit Romantic Comedy. Das rasant in Szene gesetzte Resultat ist niemals albern, oftmals sehr komisch (etwa wenn Thor seinen Hammer in der Londoner Bude seiner Flamme Jane an der Garderobe aufhängt), manchmal sogar richtig dramatisch (hierfür ist hauptsächlich Rene Russo als Thors Mutter Frigga zuständig) und insgesamt unglaublich unterhaltsam.

Thor – The Dark Kingdom

Schon nach kurzer Zeit ist es bei soviel Spaß völlig egal worum es eigentlich geht, anscheinend stehen hier – bedroht durch Dunkelelfen – mindestens neun Welten kurz vor dem Untergang. Chris Hemsworth, der zuvor auch schon in Ron Howards Rennfahrer-Drama Rush schauspielerische Qualitäten zeigte, ist ein überzeugender Leading Man.

Thor – The Dark Kingdom

Natalie Portman fühlt sich sichtlich wohl an Hemsworths Seite, während ihre Kollegin Kat Dennings als leicht nerdige Assistentin Darcy die besten Momente des ganzen Filmes hat. Halt stopp, das stimmt nicht ganz, denn der absolute Knaller in einen an Höhepunkten nicht eben armen Film ist Stellan Skarsgårds (River) gänzlich unbekleideter Amoklauf durch die Ruinen von Stonehenge.

Thor – The Dark Kingdom

Im Heimkino geht der Spaß dann noch weiter, vor allem auf Blu-ray. Hier gibt es als Extras einen wahlweise deutsch untertitelten Audiokommentar mit Regisseur Alan Taylor, Produzent Kevin Feige und Loki-Darsteller Tom Hiddleston. Außerdem noch „Hinter den Kulissen“-Berichte (insgesamt 31:39 min), zusätzliche und erweiterte Szenen (7:49 min, wahlweise mit Regie-Kommentar) Pannen vom Set (3:30 min), Bericht über den Soundtrack von Brian Tyler (5:21) und eine Vorschau auf „The Return of the first Avenger“ (3:35 min).

mandarin Thor – The Dark Kingdom

Der Höhepunkt des Bonusmaterials ist jedoch zweifelsohne ein eigens für die Blu-ray von “Thor – The Dark Kingdom“ produzierter knapp 14-minütiger Kurzfilm aus der Reihe MARVEL ONE-SHOT. Im Zentrum von “All Hail the King“ steht Trevor Slattery alias “Der Mandarin“, so lautet auch der deutsche Titel des leider für die Blu-ray-Veröffentlichung nicht synchronisierten Kurzfilms. Ben Kingsley übernahm hier wieder die Rolle des Schauspielers, der in “Iron Man 3“ den Auftrag bekam einen Super-Schurken zu spielen und sorgt auch im Kurzfilm für einige Lacher. Am Ende des Filmchens gibt es noch ein paar überraschende Wendungen sowie einen lustigen Gastauftritt. Es ist großartig, dass Marvel/Disney so tolle Goodies für die Fans produziert!

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Manchmal kommen Sie wieder

Viel zu spät erkennt Jim Norman, dass die Rückkehr in seine Heimatstadt eine zweite Tragödie herausfordert. Vor mehr als 20 Jahren mußte er mit ansehen, wie sein Bruder von Halbstarken in einem Tunnel erstochen wurde. Die Flucht der Mörder konnte er vereiteln und ein heranbrausender Zug zermalmte sie. Jetzt muß er als Lehrer hilflos miterleben, wie drei seiner Schüler auf mysteriöse Weise sterben. Ihre Plätze in der Klasse nehmen die eigentlich schon seit 20 Jahre toten Halbstarken ein. Diese Mörder von einst haben noch eine Rechnung offen…

Manchmal kommen Sie wieder

Die Vorlage für diesen Film stammt aus Stephen Kings Kurzgeschichten-Sammlung Nachtschicht und eigentlich sollte die Story bereits 1985 ein Teil des Episoden-Films Katzenauge werden. Doch Produzent Dino De Laurentiis fand, dass die Geschichte genügend Potential für einen eigenen Film hat. Dieser entstand 1991 und lief in den USA im Fernsehen, während er bei uns sogar im Kino gezeigt wurde. Manchmal kommen Sie wieder war immerhin so erfolgreich, dass 1996 und 1998 zwei direkt für den Videomarkt produzierte Fortsetzungen entstanden, wobei letztere die Geschichte auf eine US-Militärbasis in der Antarktis verlegte.

Manchmal kommen Sie wieder

Wie dem auch sei, mit dem erste Film gelang  Tom McLoughlin (Freitag der 13. Teil 6 – Jason lebt) ein solider kleiner Grusler, der seine Geschichte auch dank der guten Darstellern recht spannend erzählt. Während Brooke Adams aus David Cronenbergs Dead Zone bereits “Stephen King Erfahrung“ mitbrachte, war Tim Matheson aus Filmen wie Ich glaub mich tritt ein Pferd, Steven Spielbergs 1941 und natürlich dem Klassiker Das turbogeile Gummiboot eher als Komödiant bekannt.

Manchmal kommen Sie wieder

Koch Media präsentiert “Manchmal kommen Sie wieder“ stylisch in einer schwarzen Blu-ray-Hülle und wahlweise im Format 16:9 oder 1:2,35. Bonusmaterial: Galerie mit 23 Bildern, Deutscher Trailer (2:20 min), US-Trailer (2:29 min), Wendecover

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Der große Bluff

Mit Der große Bluff präsentiert Koch Medias “Edition Western Legenden“ in der Tat einen Klassiker des Genres. Dieser im selben Jahr wie John Fords Western-Meilenstein Stagecoach entstandene Film war aber auch wichtig für die weitere Karriere von zwei der größten Hollywood-Stars.

Der große Bluff

Marlene Dietrich, die zuvor meist aufgestylt mit Schlafzimmerblick durch schwülstige Melodramen stolzierte, spielt hier die gut geerdete Rolle einer moralisch nicht ganz einwandfreien Saloon-Sängerin. Zur Taktik des Neustarts von Marlenes Image gehörte vielleicht auch, dass die deutsche Diva hier den französisch anmutenden Namen “Frenchy“ trägt. Mit viel Ironie und sich ihrer Wirkung auf das männliche Publikum voll bewusst, schmettert La Dietrich zukünftige Evergreens wie You’ve Got That Look oder See What the Boys in the Back Room Will Have. Die Jungs im Publikum haben dabei ganz sicher ihren Spaß, Mischa Auer (Casablanca) in der Rolle des Trottel vom Dienst reagiert auf Marlenes erotische Gesangs-Performance fast so wuschig wie Tex Averys Zeichentrick-Wölfe in den klassischen MGM-Cartoons.

Der große Bluff

Das zweite große Plus des Films ist James Steward in einer seiner besten frühen Rollen, der als scheinbar harmloser Bürger Thomas Jefferson Destry Jr. ins verruchte Örtchen Bottleneck kommt. Nicht einmal eine Knarre hat dieser Sohn einer Western-Legende dabei, er scheint es eher darauf angelegt zu haben seine Gegner durch Geschichten die immer mit “Ich kannte mal einen Mann, der…“ beginnen, zu Tode zu langweilen. Doch wenn es hart auf hart kommt, ist auch Destry hart!

Der große Bluff

Koch Media hat sich bei der Blu-ray-Edition von Der große Bluff besonders viel Mühe gegeben. Noch nie sah der Film so gestochen scharf aus, neben der Originalfassung sind auch noch gleich drei verschiedene deutsche Synchronisationen von 1947, 1987 und 2006 enthalten. Die Buchhülle ist auch sehr hübsch geworden und der leidige FSK-Aufkleber lässt sich problemlos rückstandsfrei entfernen.

Der große Bluff

Bonusmaterial: Eine live aufgenommene Radiohörspielfassung von “Der große Bluff“ aus dem Jahre 1945 in der James Steward wieder als Thomas Jefferson Destry Jr. zu hören ist und Joan Blondell die Rolle von Marlene Dietrich sprach (54:17, ohne deutsche Untertitel), Galerie mit Fotos, Plakaten und Werbematerial (12:23 min),Booklet mit einem Text von Hank Schraudolph

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