1982 drehte Eddie Murphy mit Nur 48 Stunden seinen ersten Kinofilm und darin gleich mächtig auf. Eigentlich war Nick Nolte als ausgebrannter Polizist Jack Cates in der Hauptrolle zu sehen. Doch Murphy spielte als trickreicher Knacki Reggie Hammond alles andere als die zweite Geige, sondern sogar das schauspielerische Schwergewicht Nolte mühelos an die Wand.
Unvergessen ist, wie sich Murphy/Hammond in einer Hillbilly-Bar als Polizist ausgibt und den von Rednecks und Rassisten bevölkerten Laden nur durch seine große Klappe total aufmischt. Wer diese grandiose Szene einmal gesehen hat, wird Murphy all den Quatsch verzeihen, den er nach Nur 48 Stunden drehte.
Dazu gehört leider auch die sehr viel weniger grandiose Fortsetzung Und wieder 48 Stunden, die 1990 nach einer Idee von Eddie entstand. Wieder ist der inhaftierte Reggie Hammond, der Einzige, der dem kurz vor dem Rausschmiss stehenden Jack Cates bei der Jagd nach einen Schwerverbrecher helfen kann. Natürlich muss alles wieder in zwei Tagen erledigt sein…
Die Fortsetzung funktioniert zwar als blutiger Actionfilm, doch kaum als Komödie. Regisseur Walter Hill gelangen wieder ein paar grandiose Großstadt-Western-Szenen. Das Team Nolte & Murphy hingegen ist diesmal sehr viel weniger amüsant als in dem grandiosen Erstling. Es ist dabei auch nicht gerade hilfreich, dass in der Fortsetzung Nick Nolte nicht mehr mit der kernigen Stimme von Volker Lechtenbrink spricht, sondern diesmal Thomas Dannebergs für fast alle Actionhelden zuständiges Organ zu hören ist.
Nachdem ein Freund ihm einen seltsamen immer wiederkehrenden Traum erzählte, der mit seiner Zeit als Soldat im Libanon-Krieg vor 25 Jahren zusammenhängt, beginnt auch der israelische Filmregisseur Ari sich mit lange verdrängten Erinnerungen auseinander zu setzen. Er besucht ehemalige Freunde und Kriegskameraden und nach und nach kommen die Erinnerungen wieder, auch an israelische Massaker in Palästinenser-Flüchtlingslagern…
Ari Folman drehte und schnitt seine autobiographische Dokumentation Waltz with Bashir zunächst konventionell auf Video. Hierzu führte er reale Interviews mit Zeitzeugen, nur zwei seiner Freunde ließen sich von Schauspielern doubeln, die jedoch reale Texte aufsagten. Anschließend wurden auf dieser Basis von jeder Szene Illustrationen angefertigt, die dann wiederum in einer Mischung aus Flash-Animation, klassischer Animation und 3D in Bewegung gesetzt wurden.
Folman ist es wichtig festzustellen, dass nicht durch Rotoskopie das “reale Video illustriert und übermalt wurde“, sondern durch “das große Talent von Art Director David Polonsky (Vor allem eins: Dir selbst sei treu) und seiner drei Assistenten von Grund auf neu gezeichnet wurde.“ Entstanden ist so eine oft sehr fesselnde Mischung aus realen Statements und surrealen Traumsequenzen, die nur als Trickfilm funktionieren kann.
Comic zum Film
Doch obwohl Walz with Bashir formal sehr interessant – ja manchmal sogar meisterlich – ist, leidet der Film unter der erdrückenden Schwere seiner Thematik. Natürlich ist es bemerkens- und lobenswert, wenn ein Film aus Israel sich mit Gräueltaten beschäftigt, die israelische Soldaten an palästinensischen Zivilisten begangen haben. Doch die glatt durchgestylten Bilder und die phantasievollen Traumsequenzen vermitteln das Trauma der untätigen Beobachter – und erst recht das Leid der Opfer – nur höchst unzureichend. Wohl auch daher endet der Film mit realen Bildern des Massakers.
Bereits als 1933 King Kong noch mit riesigen Erfolg in den Kinos lief, wurde in Windeseile eine Fortsetzung produziert, die noch im selben Jahr auf die Leinwand gewuchtet wurde. Die Hektik mit der Son of Kong entstanden ist, hat dem Film nicht gut getan.
Genau wie bei King Kong dauert es mehr als 40 Minuten bis der diesmal etwas weniger übergroße Titelheld endlich zu sehen ist. Doch Son of Kong ist mit 70 Minuten deutlich kürzer, und es sei verraten, dass das halbstündige Finale sehr viel weniger spektakulär als beim Vorgänger ist.
Neben dem Zeitdruck gibt es trifftige Gründe für das dürftige Resultat, denn das Budget von Son of Kong war deutlich geringer, der engagierte Produzent Merian C. Cooper hatte nacdem er Karriere gemacht hatte kaum noch Zeit, sich um den Film zu kümmern. Außerdem war der geniale Trickexperte Willis O’Brien vom Drehbuch enttäuscht, denn ihm missfiel, dass stark auf Cartoon-Humor gesetzt wurde.
Der Sohn von King Kong ist ein unbeholfener Albino-Affe, der albern mit dem Augen rollt und dem zu allem Überfluss auch noch Carl Denham, der „Mörder“ seines Vater, den leicht verletzten Finger verbindet. O’Brien überliess einen Großteil der Stop-Motion-Animationen von Kong Junior und der Monster (darunter ein riesiger Höhlenbär, ein Styracosaurus und ein reichlich albern aussehendes längliches Fantasie-Ungetüm) seinen weniger talentierten Assistenten.
Dennoch ist Son of Kong in seiner etwas unbeholfenen Mischung aus Romanze, Komödie und exotischem Schatzsucher-Abenteuer kein unsympathischer Film. Obwohl ich Stop-Motion-Fan bin, muss ich zugeben, dass mir der Auftakt des Films (auf dem zweiten Blick) sehr viel besser gefällt, als das gar nicht so große Finale.
Denham: „Ich wünschte, ich hätte ihn auf seiner Insel gelassen!“
Zentrale Figur der Geschichte ist ein deutlich geläuterter Carl Denham, der King Kong einst nach New York brachte und wieder von Robert Armstrong gespielt wird. Dieser wohnt in einem abgewrackten Apartment und nur ein großes Plakat vom “Achten Weltwunder“ ist vom einstigen Ruhm geblieben. Nach dem Amoklauf des Riesenaffen wurde Denham mit erheblichen Schadensersatz-Forderungen konfrontiert.
Daher ist er mehr als aufgeschlossen, als ihn sein alter Kumpel Captain Englehorne (der wieder vom in München geborenen Frank Reicher gespielt wird) auf eine Reise einlädt. Diese führt natürlich unweigerlich nach Skull Island, doch zuvor (es sind ja schließlich 40 Minuten zu füllen) macht Denham auf der Insel Dakang in einem schwach besuchten Tingeltangel-Club eine Entdeckung.
Zur Freude von Denham interpretiert dort “La belle Helene“ (Helen Mack) – eher engagiert als talentiert – die hübsche Gesangsnummer Runaway Blues, die Max Steiner anschließend andauernd auf seinem Soundtrack erklingen lässt. Son of Kong rührt weniger durch das alberne Albino-Äffchen als dadurch, dass die Romanze von Denham und Helene allen Intrigen, Monstern und Erdbeben standhält!
Eine King Kong Special Edition enthält auf Blu-ray neben King Kong und Mighty Joe Young auch die Originalfassung des nie deutsch synchronisierten Son of Kong. Alle drei Filme wurden zudem noch mit interessanten deutschsprachigen Audiokommentaren von Dr. Rolf C. Giesen garniert.
Es ist sehr erfreulich, dass Roland Emmerich, der Meister des Wohlfühl-Katastrophenfilms, mit Werken wie Anonymus, Stonewall oder Midway – Für die Freiheit immer wieder ungewohnte Wege abseits des Blockbuster-Kinos beschritten hat. Doch es ist nicht minder bemerkenswert, dass Emmerich es nicht lassen kann, immer wieder mit voller Wucht bildgewaltig davon zu erzählen, wie tatkräftige Individualisten gegen den scheinbar sicheren Weltuntergang ankämpfen.
Bei Moonfall ist der Titel Programm, denn unser treue Satellit verlässt nach über vier Milliarden Jahren urplötzlich seine Umlaufbahn. Es erscheint unmöglich zu sein, den in wenigen Wochen zur Katastrophe führenden Kollisionskurs des Mondes noch umzuleiten. Doch zum Glück gibt es die beiden Astronauten Jocinda Fowler (Halle Berry) und Brian Harper (Patrick Wilson), die bereits 2011 bei einer NASA-Mission in der Nähe des Monds mit seltsamen Phänomenen konfrontiert wurden und in Windeseile eine Rettungsmission auf die Beine stellen.
Emmerich lässt auch diesmal wieder einem scheinbaren Underdog zum Helden werden. In der Rolle des mit erstaunlich viel physikalischen Wissen gesegneten Verschwörungstheoretikers K.C. Houseman ist der Brite John Bradley zu sehen. Dieser spielte zuvor in Game of Thrones den schrulligen, aber sehr belesenen Samwell Tarly, der in der letzten Staffel der Serie viel Gelächter bei seinen Waffengefährten erntete, als er Demokratie als Konzept für die Zukunft vorgeschlagen hatte.
Die gut funktionierende Chemie zwischen Berry, Wilson und Bradley sorgt in Moonfall für Humor. Da die beiden Astronauten, nachdem sie mit einem Space Shuttle zur Rettungsmission aufgebrochen waren, zudem auf der Erde noch Kinder aus gescheiterten Ehen zurückgelassen haben, kann Emmerich fröhlich zwischen Weltraum und Weltuntergang hin und her schalten.
Dabei gelingen ihm aberwitzige Momente, deren Wirkung – etwa bei einer Springflut in Los Angeles – anfangs noch durch nicht sonderlich überzeugende Spezialeffekte ausgebremst wird. Doch als die Geschichte immer abgefahrener wird, ist es die solide Arbeit der Trickexperten, durch die Emmerichs wilde Fantasien fast schon glaubhaft wirken.
Es sei noch gespoilert, dass Roland Emmerich am Ende von Moonfall versucht in die Fußstapfen von Visionären wie Stanley Kubrick oder Christopher Nolan zu treten und dabei nicht völlig scheitert. Somit darf sich schon auf den nächsten Weltuntergang gefreut werden…
Die Blu-ray von Leonine enthält neben dem 131-minütige Hauptfilm noch „Against Impossible Odds: Making Moonfall“ (Drei Dokus, insgesamt 58:40 min), „Exploring the Moon: Past, Present and Future“ (26:29 min), „Dr. K.C. Houseman Speaks the Truth!“ (Vier Clips mit John Bradley, insgesamt 7:49), „Sounds oft he Moon“ (6:42 min), sowie den deutschen Trailer (2:20 min).
England 1944. Stephen Neale wird aus der Irrenanstalt entlassen, in die er eingeliefert wurde, weil er angeblich seine todkranke Frau umbrachte. Bereits nach kurzer Zeit muss er feststellen, dass die Realität außerhalb der Anstalt surreal und verwirrend ist. Nachdem er auf einer Wohltätigkeitsveranstaltung eine Torte gewonnen hat, die gar nicht für ihn vorgesehen war, gerät er in eine Spionage-Verschwörung der Nazis.
Fritz Lang verfilmte 1944 einen Roman von Graham Greene (Der dritte Mann), den er sehr schätzte. Vom Drehbuch war er jedoch weniger begeistert. Das Resultat kann sich dennoch sehen lassen, denn Ministerium der Angst erinnert in seiner Mischung aus Spionage- und Love-Story inhaltlich an Hitchcock-Filme wie Die 39 Stufen oder Der unsichtbare Dritte.
Doch genau wie Fritz Langs Noir-Thriller Gefährliche Begegnung ist Ministry of Fear trotz einiger humoriger Dialoge und Situationen geprägt von einer äußerst düsteren Grundstimmung. Dies liegt sicher auch daran liegt, dass Ray Milland in der Hauptrolle keinen Durchschnittsbürger spielt, sondern einen frisch entlassener Irrenhaus-Insassen, der mit seinem Leben hadert.
Das Verhalten der Nazi-Verschwörer entspricht zwar gängigen Kino-Klischees, doch Lang, der Deutschland 1933 gleich nach der Machtergreifung verließ, weiß aus eigener Erfahrung wovon er filmt. Sein Film spielt zwar in einer eher expressionistisch anmutenden Kulissenwelt, doch das Grauen des Zweiten Weltkriegs mit Bombenangriffen auf London und Menschen, die von heute auf morgen ihre Heimat verlassen mussten, sind integraler Bestandteil. Auch dadurch wird Ministerium der Angst zu mehr als einer weiteren Spionage-Phantasie aus Hollywood.
1964 geriet die Reihe der Edgar Wallace-Verfilmungen von Horst Wendlandts Rialto ein wenig ins Stocken. Die letzten Filme brachten nicht mehr den gewohnten Kassenerfolg. Daher wurden für Der Hexermit Heinz Drache und Joachim Fuchsberger gleich beide Chef-Kriminalisten der Serie in einer Produktion eingesetzt. So entstand ein temporeicher Film mit deutlichen Anleihen bei James Bond, dessen Erfolg die Serie wiederbelebte.
Bereits ein Jahr folgte eine Fortsetzung, in der die Titelfigur wieder von Scotland Yard gejagt wird, gleichzeitig aber bei der Aufklärung eines verzwickten Kriminalfalls hilft. Diesmal ist allerdings nur der von Heinz Drache gespielte australischen Inspector Wesby dabei, weil sich Inspector Higgins alias Joachim Fuchsberger gerade in den Flitterwochen befindet.
Neues vom Hexer ist die einzige Fortsetzung innerhalb der Edgar Wallace-Reihe und sicherlich nicht das absolute Highlight der Serie. Der Film entstand zu einer Zeit als die bis vier Wallace-Filme pro Jahr in die Kinos kamen. Dank der guten Besetzung mit Eddi Arent und Klaus Kinski, sowie einiger auch heute noch beeindruckender Tierdressuren bietet der Film aber dennoch spannende Unterhaltung.
Der reiche, in Hongkong lebende Brite Joe Bray ist in Besitz eines alten chinesischen Orakels, der „Gelben Schlange“: Laut einer Prophezeiung soll das gefährliche Kleinod das Zeichen für den beginnenden Krieg der Chinesen gegen die Weißen sein. Obwohl Bray die „Gelbe Schlange“ sicher an einem anonymen Ort versteckt hält, versuchen verschiedene Geheimgesellschaften, die Kostbarkeit zu stehlen…
Die 1959 mit Der Frosch mit der Maske gestartete deutsche Edgar-Wallace-Filmreihe entwickelte sich zu einem gewaltigen Kinoerfolg. Dies wurmte den Produzenten Arthur Brauner, denn Horst Wendlandt, der Produzent vieler dieser Filme, war ein ehemaliger Lehrling und Mitarbeiter von ihm.
Genau wie dies zuvor schon der Produzent Kurt Ulrich mit Der Rächer beschloss Brauner sich an diesen Erfolg dieser Reihe zu hängen. Anschließend räuberte er mit Old Shatterhand bei Wendlandts Karl-May-Filmen.
Für Der Fluch der gelben Schlange verpflichtete Brauner wichtige Erfolgsgaranten der Wallace-Reihe wie die beliebten Darsteller Joachim Fuchsberger und Eddi Arent, die anschließend mit Wendlandt einen Exklusiv-Vertrag abschlossen. Doch zuvor produzierte Brauner mit ihnen einen Film, der sich kaum von den Produkten der Konkurrenz unterscheidet.
Etwas penetrant wird die Bedrohung durch die “Gelbe Gefahr“ beschworen und der Schweizer Pinkas Braun erinnert als chinesischer Schurke an Christopher Lees Darstellung von Dr. Fu Man Chu. Recht bemerkenswert ist der wild entfesselte Free-Jazz-Soundtrack von Oskar Sala, der kurz zuvor auch passende Klänge für Hitchcocks Die Vögelfand. Regie führte Franz Josef Gottlieb, der anschließend noch die „regulären“ Wallace-Filme Der schwarze Abt und Die Gruft mit dem Rätselschloss inszenieren sollte.
Der Fluch der gelben Schlange kam 1963 in die Kinos, gleich nach Das Gasthaus an der Themse, den erfolgreichsten Wallace-Film. Auf DVD wurde der Film zunächst im Doppelpack mit dem – trotz Mitwirkung von Horst Tappert und Siegfried Schürenberg ziemlich missratenden Wallace-Schinken Der Teufel kam aus Akasava, den Jess Franco (Nachts, wenn Dracula erwacht) 1971 drehte. Mittlerweile liegt Der Fluch der gelben Schlange auch auf Blu-ray vor allerdings nur als Bonus-Film der Edgar Wallace Gesamtedition.
Ein Wagen fährt vorbei. Ein Päckchen fliegt heraus. Ein holperiger Schwenk zu einer Brücke mit der Aufschrift „London“ und im Anschluss öffnen zwei Radfahrerinnen das Paket, in dem sich ein Kopf befindet. Dieser gehört einem gewissen Francis Elmer vom Außenministerium, dessen bester Mann Michael Brixan (Heinz Drache) aus Istanbul abgezogen und auf den Fall ansetzt wird.
Brixan sucht Elmers Nichte Ruth Sanders (Ina Duscha) auf, die gerade als Statisten in einem Film mitspielt, der auf dem Gelände eines alten Gutshauses gedreht wird. Dessen Besitzer Henry Longvale (Ludwig Linkmann) ist im ständigen Streit mit seinem Nachbarn dem Schlossbesitzer Sir Gregory Penn. Brixan (Benno Sterzenbach) verfolgt reichlich viele falsche Fährten, und als er endlich dem „Kopfgeldjäger“, der bereits 13 Menschen enthauptet hat, auf die Schliche kommt, ist es schon fast zu spät.
Erst nach dem Erfolg von Der Frosch mit der Maske und Der rote Kreis sicherte sich Rialto Film die Rechte an allen Krimis von Edgar Wallace, doch im Falle von Der Rächer, Der Fluch der gelben Schlange und Das Rätsel des silbernen Dreieck waren die Produzent Kurt Ulrich, Artur Brauner und Harry Alan Towers schneller.
In der 1960 entstandenen Verfilmung von Der Rächer sind zwar alle Zutaten für einen typischen Wallace-Film vorhanden, doch nach einen recht spannenden Auftakt, wird viel zu lange von den langweiligen Intrigen des Filmteams erzählt. Die sehr viel interessantere Handlung um Sir Gregory – inclusive monsterhaften Diener und gefangener Asiatin – wird dabei nur am Rande abgehandelt. Als schon fast jeder Zuschauer eingeschlafen ist, gibt es doch noch ein durchaus spannendes Finale mit einem für eine deutsche Filmproduktion bemerkenswerten Mut zum Trivialen.
Insgesamt handelt es sich eher um einen Trendsetter als um einen Trittbrettfahrer, denn die erstmals in einem Wallace-Film auftretenden Darsteller Heinz Drache, Siegfried Schürenberg und Klaus Kinski wurden nach ihrem Auftritten in Der Rächer auch häufig in den Rialto-Filmen eingesetzt.
Auf DVD ist der Film bisher leider nur als Vollbild-Version in mäßiger Qualität erhältlich, dies trifft sowohl auf die 2006 bei Studiocanal erschienene Veröffentlichung als auch auf die 2019er-Edition von Filmjuwelen zu.
Noch bevor der Vorspann beginnt, wird eine durch einen Nagel vereitelte Guillotinen-Hinrichtung in Paris gezeigt und kommentiert mit dem Satz: „Dieser Nagel kostet 8 Jahre später 25 Menschen das Leben!“ Acht Jahre später terrorisiert ein „Der rote Kreis“ genannter Erpresser die Londoner Oberschicht.
Dem kurz vor der Pension stehenden Chefinspektor Parr wird der dynamische Privatdetektiv Derrick Yale zur Seite gestellt. Mit Hilfe einer Gelegenheitsdiebin gelingt es schließlich den „Roten Kreis“ zu enttarnen. Zur zusätzlichen Verwirrung ist noch eine Kindesentführung eingeflochten, die jedoch nichts mit dem „Hauptfall“ zu tun hat.
Nach einem recht gelungenen Auftakt beschränkte sich Regisseur Jürgen Roland 1960 in Der rote Kreis darauf das Rezept von Harald Reinls im Vorjahr entstandenen Kinoerfolg Der Frosch mit der Maskeziemlich ungeniert zu kopieren.
Wieder gibt es den großen Unbekannten samt getreuen Gefolgsleuten, die für ihn in den Tod gehen. Wieder gibt es die Kriminalisten-Kombination „Alter Hase“ und „Junger Draufgänger“. Allerdings können Karl Saebisch als pensionsreifer Chefinspektor Parr und „Prof. Brinkmann“ Klausjürgen Wussow als Privatdetektiv Derrick (!) Yale, Siegfried Lowitz und Joachim Fuchsberger, dem Duo aus „Der Frosch mit der Maske“ in keiner Minute des Filmes das Wasser reichen.
E. F. Fürbringer gibt auch diesmal einen etwas steifen Scotland Yard Chef, während Fritz Rasp und Eddi Arent in ähnlichen Rollen wie im vorherigen Edgar Wallace Film zu sehen sind. Am Ende ist dann kaum eine der handelnden Figuren das, was sie zuvor vorgab zu sein. Der Zuschauer hat dadurch allerdings kaum eine Change selbst auf alle die Lösung zu kommen.
Als zweiter Schritt zur Schaffung einer deutschen Kriminalfilm-Reihe ist Der rote Kreis halbwegs passabel, isoliert betrachtet vermag der durchschnittliche Streifen jedoch nicht sonderlich zu fesseln.
Der 1991 entstandene Film bildet gemeinsam mit dem ebenso gelungenen Rossini und dem ziemlich enttäuschenden Late Show eine Trilogie, in der sich Helmut Dietl auf recht unterschiedliche Weise mit den populären Medien Presse, Film und Fernsehen beschäftigt.
Während er sich in seiner TV-Serie Kir Royal ausgiebig den Klatschreportern widmet, geht es bei Schtonk! um eine scheinbar seriöse eher links-liberale Illustrierte, die immer wieder Schwächen für reichbebilderte eher distanzlose Reportagen über die 1000 Jahre zwischen 1933 und 1945 zeigt.
Als Vorbild für den Film dient die Affäre um die Veröffentlichung der Hitler-Tagebücher durch den Stern. Beim Verfassen des Drehbuches musste Dietl angeblich noch einige Entschärfungen vornehmen, denn viele der tatsächlichen Ereignisse rund um die gefälschten Tagebücher hätte ihm wohl niemand geglaubt.
Schtonk! ist eine scharfsinnige Analyse unserer stark an Schmuddel-Themen interessierten Medienlandschaft. Dietl gelang aber zugleich auch ein unglaublich komischer Film mit zahlreichen Kabinett-Stückchen, die genau wie die besten Loriot-Sketche auch beim x-ten Mal amüsieren. Unvergessen die tollen schauspielerischen Leistungen des gesamten Ensembles: Allen voran natürlich die Glanzleistung von Götz George (Schimanski) als schmieriger Enthüllungsjournalist und Uwe Ochsenknecht als immer größenwahnsinniger werdender Fälscher, der sich zunehmend mit Führer Hitler identifiziert.
30 Jahre nach Schtonk! erzählt die Serie Faking Hitler mit den hervorragend ausgewählten Hauptdarstellern Lars Eidinger und Moritz Bleibtreu erneut von den gefälschten Tagebüchern.
