Ralf König: Konrad und Paul – Raumstation Sehnsucht

Ralf Königs langlebigsten Figuren sind der Schöngeist Konrad und der ewige Rammler Paul, wobei diese so etwas wie das Über-Ich und das Es des zeichnenden Autors sein könnten. König hat seit 1990 zahllose Kurzgeschichten mit dem ungleichen schwule Pärchen erzählt, viele davon sind im Ehapa-Sammelband “Ist der Ruf erst ruiniert…“ enthalten, doch mit dem Duo lassen sich auch längere Geschichten erzählen, siehe “Bullenklöten“ (Männerschwarm) oder “Sie dürfen sich jetzt küssen“ (Rowohlt) oder „Herbst in der Hose„.

Ralf König: Konrad und Paul - Raumstation Sehnsucht

Auch im Zentrum von “Raumstation Sehnsucht“ stehen Konrad und Paul. Die Comicgeschichte enthält einige Anspielungen auf das Werk von Tennessee Williams und besteht aus drei Teilen. Zum einen geht es um die schwärmerischen Gefühle, die Konrad für seinen jungen sensiblen rumänischen Klavierschüler Anton hegt, der eine ganze “Glasmenagerie“ von Likörgläsern besitzt. Antons Mutter möchte ihren Sohn am liebsten mit Konrad verkuppeln. Doch Konrad hat moralische Bedenken, genau wie der eigentlich sehr viel unbedenklichere Paul. Dieser soll eigentlich seiner hochschwangeren Schwester Edeltraut beistehen, fühlt sich aber zugleich zu seinem behaarten muskelbepackten Schwager Porky hingezogen, der an Stanley Kowalski aus “Endstation Sehnsucht“ erinnert, aber auch eine “tätowierte Rose“ am Oberarm trägt.

Ralf König: Konrad und Paul - Raumstation Sehnsucht

Als dritte Ebene der Geschichte gibt es noch schwarzweiß illustrierte Prosa-Auszüge aus einem Science-Fiction-Roman an dem Paul gerade arbeitet. Im Laufe der nur bedingt futuristischen Erzählung “Im Weltraum hört Dich keiner grunzen“ hat der von Barry Hoden, dem Piloten des Raumschiffs “Libido XL“, begehrte Monteur Brick immer mehr Ähnlichkeit mit Pauls Schwager Porky.

Ralf König: Konrad und Paul - Raumstation Sehnsucht

König erweist sich einmal mehr als souveräner Erzähler. Seine ansprechend kolorierten Zeichnungen sind scheinbar lässig hingehauene Skizzen und das Lettering wirkt fast schon geschmiert. Trotzdem wird der Leser stärker in Königs Welt hineingezogen als dies den Schöpfern von vielen optisch aufwändiger gestalteten Comics gelingt.

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Walt Disney: Valiant

Die Eiskönigin“ hat mittlerweile weltweit mehr als eine Milliarde Dollar eingespielt und ist somit der erfolgreichste Animationsfilm aller Zeiten. Das Walt Disney Animations Studio hat jetzt wieder die Nase vorn und die Konkurrenz aus dem eigenen Hause – Pixars “Toy Story 3“ – an der Kinokasse überholt. Doch der Weg der Disney Studios zum Computeranimations-Erfolg war dornig und über so manchem Versuch in diesem Bereich wird der Mantel des Schweigens gelegt, nicht immer zu Recht.

Walt Disney: Valiant

„Die Eiskönigin“ wird offiziell als 53. “Walt Disney Animation Studios Film“ gelistet. In dieser Reihe tauchen zwar die relativ erfolgreichen computeranimierten Filme “Himmel und Huhn“ (2005), “Triff die Robinsons“ (2007) und “Bolt – Ein Hund für alle Fälle“ (2008) auf, es fehlen jedoch das peinliche “Madagascar“-Plagiat “Tierisch wild“ (2006), sowie der Total-Flop “Milo und Mars“ (2011), der lediglich 40 % seiner Produktionskosten von 150 Millionen Dollar wieder einspielte.

Walt Disney: Valiant

Ebenfalls nicht aufgeführt ist ein 2005 in Großbritannien entstandener Disney-Computeranimations-Film, der zwar nicht bei uns gezeigt wurde, sein moderates Budget von 35 Millionen Dollar jedoch trotzdem fast doppelt wieder einspielte.

Walt Disney: Valiant

“Valiant“ erzählt die Geschichte einiger Tauben, die maßgeblich dazu beitrugen, dass die Alliierten den Zweiten Weltkrieg gewannen. Der recht spaßig als Kriegskomödie in Szene gesetzte Film hat einen wahren Kern, denn in der Tat wird in Großbritannien ein Tapferkeitsorden namens Dickin Medal an Tiere im Kriegsdienst verliehen. Während des Zweiten Weltkriegs erhielten mehr als 20 Brieftauben diese Auszeichnung, Hunde hingegen brachten es auf sehr viel weniger Orden.

Walt Disney: Valiant
“Valiant“ ist eine charmante Ansammlung von Zweiter-Weltkriegs-Klischees und als Sprecher konnte allerlei britische Prominenz rekrutiert werden: Ewan McGregor in der Titelrolle als aufstrebende jugendliche Brieftaube sowie Ricky Gervais, John Cleese, John Hurt, Jim Broadbent, Hugh Laurie und Tim Curry als schurkischer deutscher Falke General von Talon. Vielleicht erbarmt sich Disney Germany eines Tages und spendiert diesem immer noch sehenswerten Animationsfilm eine deutsche Synchronisation und Heimkino-Veröffentlichung.

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Transformers: Ära des Untergangs

So ganz leuchtet das Konzept der “Transfomers“-Reihe nicht ein, denn die auf Spielzeug-Figuren basierenden Filme werden nicht nur immer teurer sondern – schlimmer noch! – immer länger. Der vierte wieder von Michael Bay inszenierte und Steven Spielberg produzierte Beitrag zur Serie bringt es auf eine Laufzeit von 165 Minuten, was sich schon dadurch andeutet, dass “Transformers: Ära des Untergangs“ zur Zeit der Dinosaurier beginnt.

Transformers: Ära des Untergangs

Dies gipfelt schließlich darin, dass zum Ende des Filmes transformierte Dinosaurier alles dransetzen um im heutigen Hongkong so viel Schaden wie möglich anzurichten. Doch die eigentliche Geschichte – so weit eine auszumachen ist – beginnt in Texas und setzt vier Jahre nach “Transformers 3“ an, seinerzeit wurde halb Chicago plattgemacht. Neue Hauptfigur und ein mehr als adäquater Ersatz für Shia LaBeouf ist jetzt Mark Wahlberg, der den alleinerziehenden übersorgten Vater einer Teenager-Tochter und Erfinder Cade Yeager spielt. Seine kleine Familie gerät in das Zentrum eines Konflikts von galaktischen Ausmaßen. Mitverantwortlich ist der arrogante Firmenchef Joshua Joyce, der sich seine eigenen Transformers bauen möchte und von Stanley Tucci am Rande zur überdrehten Karikatur gespielt wird.

Transformers: Ära des Untergangs

Während der dritte “Transformers“-Film über einen gelegentlich ganz schön abgefahrenen Humor verfügte, ist in diesem Segment eher Fehlanzeige zu melden. Es knallt jedoch gewaltig und der gewaltige Sound bringt das Kinogestühl so stark zum Vibrieren als wenn es ein Revival des alten Sensorround-Verfahrens aus “Erdbeben“ gäbe. Auch die 3D-Technik ist atemberaubend und manche der Martial Arts und Fassadenkletter-Kampfsequenzen hätten einem weniger größenwahnsinnigen Film schon als großes Finale zur Zierde gereicht.

Fazit: Überambitioniert, überlang und über alle Maßen blöd!

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Wie der Wind sich hebt

Der japanische Zeichentrickmeister Hayao Miyazaki hat angekündigt, dass “Wie der Wind sich hebt“ sein letztes Werk sein soll. Den Film inszenierte er nach einem von ihm gezeichneten Manga. Wie in vielen von Miyazakis Studio Ghibli Filmen lebt er auch hier seine Faszination für die Kindertage der Fliegerei aus. Zentrale Figur ist der Konstrukteur Jiro Horikoshi, der das meistgebaute japanische Jagdflugzeug des Zweiten Weltkriegs entwickelte. Zwar meinte Miyazaki, dass er mit “Wie der Wind sich hebt“ nicht den Krieg verdammen möchte, doch es ist immer wieder eine große Trauer darüber spürbar, dass etwas so elegantes und filigranes wie ein Flugzeug dazu missbraucht wird, um grausame Taten zu begehen.

Wie der Wind sich hebt

Zentrales Motiv des Films wird jedoch langsam aber sicher die sehr einfühlsam erzählte Liebesgeschichte zwischen Horikoshi und der an Tuberkulose erkrankten Nahoko. Beide lernten sich während eines großen Erdbebens kennen, damals war Nahoko noch ein kleines Mädchen. Doch Horikoshi kann sie die nächsten Jahre nicht vergessen und beim Wiedersehen kommt es erneut zu einem Unwetter. Diese anrührend zu italienisch anmutender romantischer Musik geschilderte Love Story gehört zum Ergreifendsten was je im Trickfilm zu sehen war.

Wie der Wind sich hebt

Tricktechnisch wurde “Wie der Wind sich hebt“ thematisch passend angenehm nostalgisch in klassischer 2D-Animation mit sehr sparsamen Einsatz von Computer-Technik in Szene gesetzt. Flugzeuge, Eisenbahnen sowie von noch nicht völlig verwestlichten japanischen Alltags-Welten werden akribisch rekonstruiert. Flugzeuge, Eisenbahnen sowie noch nicht völlig verwestlichte japanische Alltags-Welten werden akribisch rekonstruiert. Es ist eine große Sehnsucht nach vergangenen Zeiten zu spüren, als das Leben sicherlich nicht einfacher war als heute, aber mehr Raum für Träume und Sehnsüchte zu bieten hatte.

Wie der Wind sich hebt

Mittlerweile liegt „Wie der Wind sich hebt“ auch als DVD und Blu-ray vor. Die Blu-ray und die Special-Edition-DVD enthalten als Bonusmaterial die Storyboards zum kompletten Film, wahlweise mit deutscher oder japanischer Tonspur, eine 82-minütige japanische Pressekonferenz mit Hayao Miyazaki (wahlweise mit deutschen Untertiteln), den deutschen Trailer (2:19 min), diverse japanische Trailer und TV-Spots (insgesamt 7:40 min), sowie eine Trailershow des Studio Ghibli, inklusive einer Vorschau auf „Die Legende der Prinzessin Kaguta“ dem neuen Film von Isao Takahata.

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DER VERGESSENE GARTEN VON ÉMILE BRAVO

In den letzten Jahren hat der Autor und Zeichner Émile Bravo durch eine Vielzahl interessanter Comic-Konzepte begeistert. In der Serie “Die sieben Zwergbären“ veralbert er Märchen, bei Pauls fantastische Abenteuer“ wandelt er auf den Spuren von Hergé, mit “Der kluge Fischer“ adaptierte er Heinrich Böll, den frankobelgischen Traditions-Helden Spirou porträtiert er vor dem Hintergrund des aufziehenden Zweiten Weltkrieges als “jungen Tor“ und in “Meine Mutter ist in Amerika und hat Buffalo Bill getroffen“ erzählt er kindgerecht davon, wie einem kleinen Jungen vorgegaukelt wird, dass seine Mutter noch am Leben ist.

Der vergessene Garten des Emile Bravo

Diese thematische aber auch stilistische Vielfältigkeit dokumentiert ganz besonders der Band “Der vergessene Garten von Émile Bravo“. Enthalten sind Arbeiten, die für diverse Magazine entstanden sind. Darunter befinden sich aber auch provokante Entwürfe zu Plakaten für Comicfestivals, die anscheinend nur konzipiert wurden um versehen mit dem fetten roten Aufdruck ABGELEHNT in diesem Buch abgedruckt zu werden. In dieser Hinsicht bemerkenswert ist auch ein Cartoon, der unterstellt, dass wenn Jules Verne und Gustave Doré den Comic-Klassiker “Schritte auf dem Mond“ anstelle von Hergé getextet und gezeichnet hätten, das Duo nicht gerade der Hit auf Comicfestivals gewesen wäre.

Nur bedingt zur Serienreife taugt Bravos Serie “Sonntags bei René, dem Freund von Michel vom Restaurant LA BRUNOISE“, die sich um allerlei Ecken herum denkend über die französische Küche lustig macht und komplett mit allen drei Episoden namens “Die Vorspeise“, “Das Hauptgericht“ und “Das Dessert“ in diesem Band enthalten ist. Sehr viel böser kommen andere Comics daher, die sich mit dem Holocaust beschäftigen. So ist der äußerst schwarzhumorige Zweiseiter “Die Abenteuer von Swartz und Totenheimer“ im Stil von E. P. Jacobs “Blake und Mortimer“ gehalten, im Titel ist jedoch zu lesen, dass der Comic “nach den Figuren von Adolf Hitler“ gestaltet wurde. Ganz ohne Worte kommt eine dreiseitige Geschichte aus, die sehr sensibel von den Schwierigkeiten eines befreiten KZ-Häftlings im Paris des Jahres 1945 erzählt und mit einer bitteren Pointe endet.

Auf 80 Seiten fackelt der Émile Bravo hier ein Comic-Feuerwerk ab, das seinesgleichen sucht.

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Reddition # 60: 30 Jahre deutschsprachige Comic-Szene

Die Initialzündung zum Entstehen einer bundesweiten deutschen Comic-Szene war ganz gewiss, der im Juni 1984 erstmal veranstaltete Comic Salon in Erlangen. Doch bereits Anfang 1984 kam es zu einem ebenfalls bedeutenden comic-historischen Ereignis. Mit einer Auflage von 32 Exemplaren erschien zum Nulltarif die Reddition # 0, die erste reguläre Ausgabe der Zeitschrift für Graphische Literatur kostete dann 1,50 DM.

Reddition 60

Um den 30. Geburtstag von Comic Salon und Reddition gebührend zu feiern, widmet sich die 60. Ausgabe der Zeitschrift dem Thema “30 Jahre deutschsprachige Comic-Szene“. Das Heft ziert ein Cover von Reinhard Kleist und es ist chronologisch gegliedert. Schwerpunkte der deutschen Comicgeschichte wie “Matthias Schultheiss veröffentlicht 1985 in Frankreich“, “Deutschsprachige Zeichner bei Carlsen“, “Aufstieg und Fall des Dino-Verlags“, “ZACK kehrt an den Kiosk zurück“ oder “Der Tod von Norbert Hethke“ werden in unterschiedlicher Form und Länge abgehandelt.

Den bunten Artikel-Reigen hält eine im unteren Seitenbereich angeordnete Timeline zusammen. Hier sind die Cover aller Ausgaben der Reddition abgebildet. Dazu wird aus der bewegten Geschichte des Magazins erzählt, die einen Rechtsstreit mit den Nachlass-Verwaltern von Hergé oder die Rückmeldung des fälschlicherweise in der Nummer 31 für tot erklärten niederländischen Zeichners Marten Toonder mit einschloss..

Zu bestellen unter: www.reddition.de/bestell.htm

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LAUTER LEBEN!

In ihrem Comic-Debüt schildern Autor Nicolas Wouters und Zeichner Mikael Ross wichtige Stationen aus dem Leben zweier höchst unterschiedlicher Freunde. Während der zumeist total unberechenbar agierende Thomas im Brüssel der 80er und im Berlin der 90er Jahre voll in der Punk-Bewegung aufgeht, kann sich der eher schüchterne Martin nicht zwischen “No Future“ und Karriere- bzw. Familienplanung entscheiden…

Lauter Leben

Anscheinend haben sich Wouters und Ross das Zitat von Jean-Luc Godard zu Herzen genommen, in dem es heißt dass jede Geschichte einen Anfang, eine Mitte und ein Ende haben sollte, “aber nicht unbedingt in dieser Reihenfolge“. Sie präsentieren völlig unchronologisch aneinandergereiht Schlüsselereignisse aus dem Leben zweier Freunde. Dabei fragt sich der Leser immer wieder, warum der scheinbar halbwegs “normale“ Martin so stark an dem sich total rücksichtslos verhaltenen Thomas hängt. Doch ein Epilog liefert eine mögliche Erklärung dafür.

LAUTER LEBEN!

Zeichnerisch kann “Lauter Leben!“ mit seinen wilden Zeichnungen und der kontrastreichen Aquarell-Kolorierung durchaus gefallen. Manchmal fällt es allerdings etwas schwer der Handlung innerhalb der einzelnen Episoden zu folgen, doch insgesamt funktioniert der Ansatz mit den scheinbar willkürlich aneinandergereihten Lebensabschnitten recht gut. Während der Lektüre des Comics werden die beiden Hauptfiguren plastischer und der Leser nimmt immer mehr Anteil am Schicksal der Hauptfiguren, welches stärker an den Regeln des wirklichen Lebens als an irgendwelchen Dramaturgien orientiert ist.

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ASTERIX: DIE GROSSE ÜBERFAHRT – UTIMATIVE EDITION

Mit “Die große Überfahrt“ traten Asterix und Obelix im Jahre 1977 n. Chr. ihre vielleicht spektakulärste Reise an. Schuld daran war der Fischhändler Verleihnix, der seine verderbliche Ware lieber aus dem fernen Lutetia kommen lässt, anstatt im nahen Meere zu fischen. Doch ein “einigermaßen frisches Stück Fisch“ ist eine unverzichtbare Zutat des Zaubertrankes und daher stechen unsere beiden Gallier in See.

ASTERIX: DIE GROSSE ÜBERFAHRT - UTIMATIVE EDITION

Dass Obelix auf Befehl von Asterix mitten im stärksten Sturm ordnungsgemäß das Netz auswirft ohne es jedoch zuvor am Boot zu vertäuen ist, noch das geringste Problem bei dieser Reise. Nach einer stürmischen Seefahrt bei der sie natürlich auf die Piraten treffen und eine merkwürdige nächtliche Begegnung haben (auf zwei Seiten dieses Comics ist wegen Nacht und Nebel gar nicht zu erkennen), landen sie auf einer seltsamen Insel. Hier treffen sie auf Truthähne, einen Bären und Eingeborene mit Federschmuck, die Obelix für getarnte Römer hält…

ASTERIX: DIE GROSSE ÜBERFAHRT - UTIMATIVE EDITION
“Die große Überfahrt“ ist zwar erschreckend schnell durchgelesen, da viele Sequenzen ohne große Worte auskommen, doch optisch ganz gewiß eins der schönsten Alben der Reihe. Goscinny und Uderzo versuchen so viele US-amerikanische Nationalsymbole wie möglich in ihrer Geschichte unterzubringen. So stellt sich Asterix als menschlicher Leuchtturm in der selben Pose (und möglicherweise sogar an der selben Stelle) wie später die Freiheitsstatue auf. Ein zu Boden gehender Indianer sieht weiße Sterne auf blauen Grund genau wie auf der US-Flagge und nachdem die Gallier die Neue Welt verlassen haben, werden sie durch einen wunderschönen Marterpfahl verewigt.

Asterix: Gallien in Gefahr

In der Ultimativen Edition kommt die Pracht von Uderzos Bildern erst richtig zur Geltung und langsam aber sicher liegen zum Glück alle Bände der Reihe in dieser optimalen Form vor.

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Moebius & Stan Lee: Silver Surfer – Parabel

Ende der Achtziger Jahre kam es zu einer höchst merkwürdigen Zusammenarbeit. Als sich Stan Lee und der französische Star-Zeichner Jean Giraud alias Moebius („Sternwanderer„) in den USA trafen, tauschten sie zunächst Komplimente aus, kamen jedoch schon recht bald auf ein gemeinsames Projekt zu sprechen. Nachdem Moebius erwähnte, dass er die Figur des Silver Surfers besonders schätzt, beschloss Stan Lee eine “poetische und philosophische“ Geschichte zu schreiben. Die 1966 erstmals innerhalb der Serie “Fantastic Four“ auftauchende Figur des Silver Surfers neigt zu Grübeleien und ist alles andere als begeistert davon wie die menschliche Zivilisation funktioniert bzw. nicht funktioniert.

Moebius & Stan Lee: Silver Surfer - Parabel

In der 1988 bei Marvels Label Epic erschienenen zweiteiligen Heftserie “The Silver Surfer“, die später denn Titel “Parabel“ bekam, kehrt der riesige Weltenverschlinger Galactus auf die Erde zurück und wird von der Menschheit als Gott verehrt. Doch dem Silver Surfer, der Galactus einst dienen mußte, ist sofort klar, dass der Planetenfresser nichts anderes im Sinn hat als seinen Hunger zu stillen…

Moebius & Stan Lee: Silver Surfer - Parabel
Stan Lees Geschichte handelt davon wie schnell Menschen bereits sind falschen Propheten zu folgen. Moebius liefert dazu höchst eigenständige Bilder der Marvel-Figuren Silver Surfer und Galactus. Das Umfeld in dem die Geschichte spielt erinnert dabei aber keineswegs an die realistisch dargestellte Erde des Marvel-Universums, sondern es scheint sich eher um die Welt des Incals oder der Hermetischen Garage zu handeln.

Moebius & Stan Lee: Silver Surfer - Parabel
“Silver Surfer – Parabel“ bekam 1989 einen Eisner Award als beste Miniserie. Bei uns erschien der Comic zunächst 1989 bei als Hardcover-Band bei Splitter und zwei Jahre später bei Carlsen als viertes Album innerhalb der Moebius-Reihe “Universum der Wunder“. Die neue Panini-Ausgabe ist zwar etwas kleinformatiger als die Splitter-Edition, hat aber sehr viel mehr Bonusmaterial zu bieten. Neben den bereits bekannten Vor- und Nachworten gibt es noch es noch Abbildungen von diversen Titelbildern der Miniserie sowie die Marvel Press Poster von Moebius, die ungewöhnliche Versionen von Figuren wie Wolverine, Iron Man oder dem Punisher zeigen.

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GUNG HO

Nachdem sie zuvor eine Comic-Biographie über Goethe in Szene setzten und danach in zwei Bänden Teile aus Wolfgang Hohlbeins “Die Chronik der Unsterblichen“ adaptierten, präsentieren Thomas von Kummant und Benjamin von Eckartsberg ihre erste komplett eigene Serie. Die auf fünf Bände angelegte Reihe “Gung Ho“ ist in Frankreich bereits erfolgreich auf dem Markt und spielt in einer Welt, die nicht mehr so ganz die Unsrige ist.

Unbenannt

Hauptfiguren sind die unterschiedlich temperierten Teenager-Brüder Archibald und Zacharias Goodwoody, die sich Archer und Zack nennen. Sie werden aus ihrem Waisenhaus entlassen und in die großteils von Jugendlichen bewohnte eingemauerte Siedlung Fort Apache gebracht. Das dortige Leben besteht hauptsächlich daraus, sich auf eventuelle Angriffe vorzubereiten. Worin genau die Gefahr besteht, erfährt der Leser erst am Ende des ersten Bandes. Ursprünglich hatte der Autor Benjamin von Eckartsberg einen Prolog vorgesehen, der erklären sollte wie es dazu kam, dass sich die menschliche Gesellschaft im “Gung Ho“-Universum so stark verändert hat. Doch in der jetzigen Form sorgte der erzählerische Kniff, die Art der Bedrohung erst einmal geheim zu halten, für große Spannung.

Auch vom Artwork her ist “Gung Ho“ ganz großes Kino. Dem großen Figuren-Ensemble wurde ein gut unterscheidbares und sehr stylisches Character Design verpasst. Die Perspektiven sind interessant gewählt und die Farben schimmern prächtig. Auch das Erzählen mit den imposanten Bildern und zumeist knappen Texten funktioniert besten. Hier zeigt sich die große Erfahrung im Umgang mit dem Medium Comic, die das Team bei seinen vorherigen Arbeiten sammeln konnte.

Unbenannt

Zum ersten Band von “Gung Ho“ ist auch eine auf 1444 Exemplare limitierte Vorzugsausgabe erschienen. Diese enthält als Anlage noch eine Landkarte mit der Umgebung von “Fort Apache“, sowie auf knapp 50 Seiten zusätzlichen Seiten neben dem Comic noch Hintergrundinformationen über Story und Entstehung, eine nicht verwendete Szene sowie eine Unmenge von äußerst dekorativen Entwürfen, Illustrationen und Skizzen!

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