Joe Dante erfreute den an Horror, SciFi und Parodie interessierten Zuschauer in den 80er und 90er Jahren mit leicht schrägen Genre-Filmen wie Piranhas, Das Tier, Gremlins oder Die Reise ins Ich. 2009 lief er noch einmal zu alter Form auf.
The Hole wurde in 3D gedreht und geht sehr effektiv mit Räumlichkeiten um. Doch Dante hat zum Glück mehr zu bieten als spektakuläre “Alles fliegt Dir um die Ohren“-Effekte. Vielleicht noch etwas einfühlsamer als in seinen früheren Erfolgsfilmen erzählt er von einer desolaten Familie (alleinerziehende Mutter mit zwei nicht miteinander klarkommenden Jungs), die in ein neues Haus zieht, das auf gefährlichem Terrain steht. Im Keller befindet sich ein bodenloses Loch, das jeden der hineinschaut mit seinen schlimmsten Ängsten konfrontiert.
Die FSK16-Freigabe auf dem Cover dürfte eher aus verkaufstaktischen Gründen erfolgt sein, denn The Hole ist ein nahezu komplett jugendfreier Film, der aber dennoch unglaublich spannend ist. Zwar hat Joe Dante (abgesehen von einem kleinen Gastauftritt von Roger-Corman-Urgestein Dick Miller) seine Zitier- und Parodier-Leidenschaft diesmal ziemlich zurückgefahren, doch Fans seiner Frühwerke dürften dennoch ihren Spaß haben.
Extras der Blu-ray: Making of (11:38 min), wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln, Ein Blick in die Hölle (4:46 min), Familienangelegenheiten (4:27 min), Arbeiten mit 3D am Set (5:08 min), Der Hüter der Hölle (3:21 min), Englischer Trailer (1:54 min), Wendecover
Nachdem der an Krebs erkrankte Nerio Winch – Alleinherrscher über die “Gruppe W“, die größte Holding weltweiter Unternehmen – auf seinem schwimmenden Wohnsitz in Hongkong ermordet wird, taucht scheinbar aus dem Nichts ein gewisser Largo Winczlav auf. Der gebürtige Jugoslawe wurde als kleiner Junge von Nerio adoptiert und dazu erzogen eines Tages die Führung der “Gruppe W“ zu übernehmen. Als dies schließlich eintritt, hat der junge aber äußerst wehrhafte Largo zahlreiche mächtige Feinde zu bekämpfen…
Wie wohl kaum eine andere Comicserie wirken die von Jean Van Hamme (Hopfen und Malz) mit ebensoviel Spannung wie Humor erzählten und von Philippe Francq in exquisiten, detailverliebten Zeichnungen umgesetzten Abenteuer von Largo Winch wie ganz großer nicht enden wollender Actionfilm. Nachdem sich eine 2005 gestartete Largo Winch-TV-Serie nicht durchsetzen konnte, folgte vier Jahre später eine aufwändig in Szene gesetzte Kinoversion.
Gezeigt werden großteils die Ereignisse der ersten beiden Comicalben, jedoch mit einigen kleinen, aber durchaus passenden Änderungen. Largo hat nun einen Stiefbruder , die “Gruppe W“ ist jetzt nicht in New York, sondern in Hongkong beheimatet und der Firmen-Vorstand hat ein weibliches Mitglied, wodurch die Britin Kristin Scott Thomas nach ihrem Auftritt in Arsène Lupin eine weitere Rolle in einer französischen Großproduktion spielen konnte.
Der Hauptgrund dafür, dass der Film so gut funktioniert dürfte jedoch, trotz der rasanten Inszenierung und der internationalen Schauplätze, der Hauptdarsteller sein. Tomer Sisley hat durchaus eine gewisse Ähnlichkeit mit der Comicfigur. Wohl auch durch seinen multikulturellen Background (der Vater ist Moslem und die Mutter Jüdin) bringt er den ungezwungenen Weltenbummler, der plötzlich zum Konzernchef wird, glaubhaft und äußerst charismatisch an den Zuschauer.
Bei uns lief Largo Winch – Tödliches Erbe außerhalb des Fantasy Filmfestes leider nicht auf der großen Leinwand. Doch in Frankreich erreichte der Film immerhin knapp 1,8 Millionen Zuschauer und konnte sein Budget von 25 Millionen wieder einspielen. 2011 folgte unter dem Titel Largo Winch II – Die Burma-Verschwörung eine gleichwertige Fortsetzung.
Wieder dabei waren Hauptdarsteller Tomer Sisley und Regisseur Jérôme Salle (Zulu). Durch Ulrich Tukur (es handelt sich um eine deutsch-französisch, belgische Co-Produktion) und Sharon Stone bekam der Film internationales Flair, konnte sich im Kino jedoch leider nicht behaupten. Daheim auf DVD oder im recht effektvoll nachbearbeiteten 3D auf Blu-ray machen beide Filme viel Spaß und etwas traurig darüber, dass es nicht weiterging mit Tomer Sisley als Largo Winch.
1953 drehte Jack Arnold den ersten 3D-Film der Universal Studios. Der ersten Drehbuchentwurf stammte vom renommierten Science-Fiction-Autor Ray Bradbury, der es genau wie Regisseur Arnold gerne vermieden hätte, die Außerirdischen zu zeigen, die in der Wüste von Arizona notlanden mussten. Doch die Produzenten bestanden auf einem Monster, das sich gut auf dem Plakat machen würde.
Daher wurde der bereits fertiggestellte Film noch um einige kurze Szenen mit einem einäugigen Monster ergänzt (das niemals in der Lage gewesen wäre einen 3D-Film zu sehen). Doch diese kurzen Momente konventionellen Horrors fügen sich recht gut ein, in einen Film von ansonsten eher subtiler Spannung.
Das liegt auch daran, dass der von Richard Carlson gespielte “Held“ des Film, genau wie die Aliens, ein Außenseiter und Fremdkörper in dem kleinen Wüstenkaff ist, in dessen Nähe er gezogen ist.
3D setzte Jack Arnold zwar auch bei einigen Effektszenen, wie dem abstürzenden Raumschiff oder er subjektiven Perspektive der Aliens, ein, doch in erster Linie vermittelt er damit einen Eindruck von der weiten Wüstenlandschaft und der engen Höhle in der die Aliens hausen. Zwar geht es auch um die in den USA (der 50er Jahre) vorherrschende Angst vor allem Fremden, doch diese wird hier nicht als etwas Berechtigtes, sondern eher als Verbohrtheit dargestellt.
Jack Arnold drehte anschließend mit “Der Schrecken vom Amazonas“ und der Fortsetzung “Die Rache des Ungeheuers“ zwei weitere 3D-Klassiker. Für den Riesenspinnen-Horror “Tarantula“ kehrte er danach 1955 in die Mojave-Wüste zurück und mit “Die unglaubliche Geschichte des Mister C.“ um einen immer kleiner werdenden US-Bürger gelang ihm ein Meisterwerk des phantastischen Films.
Für die Blu-ray-Premiere von “Gefahr aus dem Weltall“ hat sich Koch Media besonders viel Mühe gegeben. Der Film kann auf entsprechenden TV-Geräten mit einem perfekten 3D-Bild betrachtet werden (was seinerzeit im Kino nicht immer der Fall war). Wer keinen 3D-Fernseher hat, kann durch die beiliegende Brille einen Eindruck gewinnen, wie plastisch der Film seinerzeit gewirkt hatte.
Extras der Blu-ray: der Film in 3D, 2D und in rot-blauer anaglyphe 3D Fassung Audiokommentar von Filmhistoriker Tom Weaver (ohne deutsche Untertitel), eine deutsche Super-8-Fassung in anaglyphen 3D (15:50), deutscher Super-8-Anfang und -Ende (1:13 min + 1:05 min), “Jack Arnold erzählt“ (13:36 min, wahlweise in deutsch oder englisch) Dokumentation “Das Universum laut Universal“ (31:36 min, wahlweise mit deutschen Untertiteln) , diverse Trailer, teilweise in 3D, sowie eine Galerie mit Bildern, Werberatschlägen und Plakaten (8:43 min), eine 3D-Brille, Wendecover, Pappschuber
Fast 30 Jahre sollte es dauern, bis die Ghostbusters wieder in die Kinos zurückkehrten. Seinerzeit scheute Paramount die Kosten, die bei einer zweiten Fortsetzung durch die Wiederverpflichtung von Dan Aykroyd, Harold Ramis, Ernie Hudson und wohl vor allem von Bill Murray entstanden wären. Letzterer war es, der mit seinem staubtrocken Humor Ghostbusters zu sehr viel mehr als einem klamaukigen Spezialeffekt-Spektakel machte.
Das Hauptproblem der Neuauflage ist, dass hier kein Darsteller gefunden wurde, der auch nur ansatzweise über das mürrische Charisma von Murray verfügt. Da war vielleicht der Ansatz eine neue, diesmal weibliches Geisterjäger-Truppe, zu verpflichten gar nicht so blöd. Das bewährte Team aus Brautalarm sorgt im neuen Ghostbusters zumindest dafür, dass es einiges zu lachen gibt, denn die Chemie zwischen Kristen Wiig, als altjüngferliche Wissenschaftlerin mit seriösen Ambitionen, und Melinda McCarthy als Melinda McCarthy stimmt.
Regisseur Paul Feig gelangen nach Brautalarm mit Taffe Mädels und Spy – Susan Cooper Undercover weitere überraschend erfolgreiche eher brachiale Komödien mit Melinda McCarthy. Der Humor der fülligen Darstellerin ist Geschmackssache, doch die Show wird ihr diesmal zweifelsohne von Kate McKinnon gestohlen.
Was diese, als durchgeknallte Geek-Wissenschaftlerin Dr. Jillian Holtzmann mit einem Faible für Hightech-Waffen, alles anstellt, kann durchaus bei Christopher Lloyds Leistung in den Zurück in die Zukunft-Filmen mithalten. Das Ghostbusters-Quartett ergänzt noch die dunkelhäutige Leslie Jones, die eher sympathisch als wirklich komisch ist.
Richtig lustig hingegen istThor Chris Hemsworth als hinreißend blöder Sekretär, den die Geisterjäger-Mädels nur wegen seines Körpers eingestellt haben. Zudem gibt es noch Gastauftritte von vielen Darstellern der Originalfilme. Während Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Sigourney Weaver und Annie Potts nur kurz zu sehen sind, spielt Bill Murray einen etwas größeren Part. Rick Moranis sah keinen Sinn in einem Gastauftritt. während dem 2014 verstorbenen Harold Ramis im Nachspann gedacht wird.
Tricktechnisch kann der neue Ghostbusters durchaus punkten, vor allem in 3D. Genau wie einst im Disney-Film G-Force – Agenten mit Biss wurden hier im unteren und oberen Bereich des projizierten Bildes noch schwarze Balken platziert. In diese scheinbar nicht “bespielten“ Bereiche springt das Geschehen hinein, wenn es besonders rasant zur Sache geht . Dadurch wird im wahrsten Sinne des Wortes der Rahmen gesprengt und die Illusion erweckt, dass Figuren oder Gegenstände die Leinwand verlassen.
Die Story des Films stört nicht weiter und bietet einen eher lauen Vorwand dafür, dass es wieder zu einer Geister-Invasion in New York und zu Konflikten der Ghostbusters mit dem von Andy Garcia gespielten Bürgermeister kommt. So ganz nebenbei wird die Stadt durch seltsame Phänomene auch noch in eine Zeit zurück versetzt, als der Time Square eine gefährliche Gegend war. Im Nachspann wimmelt es von Hinweisen darauf, dass Fortsetzungen nicht ausgeschlossen sind, was so schlimm nicht wäre.
2021 gelang Jason Reiman mit Ghostbusters: Legacy der erstaunlich vergnügliche Auftakt zu einem neuen Zeitalter der Geisterjäger.
Fortsetzungen reichen selten ans Original heran, doch wenn sie erfolgreich sind, gibt es Fortsetzungen zu diesen Fortsetzungen. Da von Film zu Film immer neue Figuren eingeführt werden, kommt es irgendwann zu einem ganz schönen Gewimmel auf der Leinwand. Es geht irgendwann weniger darum, eine originelle Geschichte zu erzählen, sondern wichtiger ist, dass alle Charaktere beschäftigt sind.
Der Animationsfilm Ice Age erzählte 2002 die recht spannende und anrührende Geschichte über ein Riesenfaultier, einen Säbelzahntiger und einen Mammut, die ein kleines Kind retten. Das hatte Folgen. Sid, Diego und Manny bekamen im Laufe der Fortsetzungen familiäre Umfelder verpasst. So geht es im fünften Ice Age-Film zwar auch um den drohenden Weltuntergang, doch noch schlimmer findet es der Mammut Manny, dass seine Tochter Peaches bald mit einem gewissen Julian fortziehen wird.
Als alberne Fremdkörper erscheinen die ansonsten cartoonig-erfrischenden Einlagen mit dem “Säbelzahn-Eichhörnchen“ Scrat, die diesmal in einem Science-Fiction-Umfeld angesiedelt sind. Auch der im dritten Ice Age-Film erstmals aufgetretene einäugige Wiesel Buck spielt sich arg in den Vordergrund und fängt langsam an zu nerven.
Insgesamt wirkt diese in perfekter 3D-Technik realisierte Fortsetzung nicht wie ein Film, sondern wie eine Ansammlung von ebenso vielen guten wie schlechten Ideen.
1933 erzählte der aus Ungarn stammende Regisseur Michael Curtiz (Casablanca, Chicago) in Mystery of the Wax Museum (Das Geheimnis des Wachsfigurenkabinetts) vom begnadeten Bildhauer Ivan Igor (Lionel Atwill), der bei einem Brand seine künstlerischen Fähigkeiten verliert und künftig mit Leichen modelliert.
Der lange verschollene Film war auch bemerkenswert, weil es sich um einen der ersten farbigen Spielfilme handelte. Es kam allerdings nur ein rot-blaues Zwei-Farben-Technicolor-Verfahren zum Einsatz.
Die 20 Jahre später entstandene Neuverfilmung House of Wax (Das Kabinett des Professor Bondi) mit Vincent Price (und Charles Bronson) hatte ebenfalls einen Gimmick zu bieten: Der Film wurde in 3D gedreht. Regie führte der ebenfalls aus Ungarn stammende André De Toth. Dieser ist der denkbar ungünstigste Regisseur für einen 3D-Film, da er nur mit einem Auge (und somit nicht plastisch) sehen konnte.
Mittlerweile liegt House of Wax als 3D-Blu-ray vor und es kann sich davon überzeugt werden, dass De Toth einen guten Job gemacht hat. House of Wax ist gemeinsam mit Jack Arnolds Der Schrecken vom Amazonas und Alfred Hitchcocks Bei Anruf Mord, die beide ebenfalls als 3D-Blu-rays vorliegen, einer der ganz großen Klassiker des frühen plastischen Kinos.
Übrigens ließ der deutsche Verleih 1959 Roger Cormans A Bucket of Blood zur Quasi-Fortsetzung Das Vermächtnis des Professor Bondiumarbeiten, wozu von der Synchronfirma Schongerfilm sogar ein neunminütiger (ziemlich alberner) Prolog gedreht.
Die dritte Verfilmung von House of Wax entstand 2005 und wurde nicht in 3D gedreht, hat aber als zusätzlichen Anreiz einen Auftritt der Society-Trulla Paris Hilton. Der Slogan “See Paris Die“ wurde erfolgreich auf T-Shirts vermarktet. Fairerweise muss gesagt werden, dass, ganz im Gegensatz zu den sterbenden Gaststars von Wes Cravens Scream-Filmen, Frau Hilton sogar (gar nicht einmal so schlecht) eine tragende Rolle spielt und es eine ganze Weile dauert, bis ihre Sterbeszene dann reichlich genüsslich zelebriert wird.
Doch der Film hat auch ansonsten eine ganze Menge zu bieten, z. B. Elisha Cuthbert aus 24 als zupackende Heldin, eine komplette Stadt mit Wachsbevölkerung sowie ein House of Wax, das seinem Namen alle Ehre macht und tatsächlich komplett aus Wachs gebaut wurde (was sich im Finale recht gut macht). Produziert hat nach den meist etwas plüschigen Horrorshockern The House on Haunted Hill, Thirteen Ghosts, Ghost Ship und Gothica einmal mehr die Firma Dark Castle von Joel Silver und Robert Zemeckis, der erstmals ein wirklich spannender Film gelang.
Die Blu-ray zu “House of Wax“ von 1953 enthält den Film in 2D und 3D, wahlweise mit einem Audiokommentar von David Del Valle und Constantine Nasr, ohne deutsche Untertitel. Hinzu kommt noch ein sehr interessantes Making Of (48:23 min), in dem u. a. Marty Scorsese und Joe Dante zu Wort kommen. Außerdem gibt es neben dem US-Trailer (2:16 min) noch Aufnahmen von einer „Round-the-Clock“-Premiere des Filmes von 1953. zu der “Dracula“ Bela Lugosi mit einem Gorilla kam (2:15 min). Ebenfalls enthalten ist der frühe Technicolor-Film “Mystery of the Wax Museum“ von 1933 in Originalfassung (74 min), wahlweise mit deutschen Untertiteln.
Anders als in der Buchvorlage von Lewis Carroll und dem 1951 danach entstandenen Disney-Film ist Alice bei Tim Burton (Big Eyes, Batman Returns) kein kleines Mädchen, sondern eine junge Frau von 19 Jahren. Diese wird von Mia Wasikowska gespielt und ihr droht im viktorianischen England die Ehe mit einem ungeliebten Mann. Doch zum Glück erscheint das weiße Kaninchen und dann auch noch all die anderen vertrauten Phantasiewesen, wie der verrückte Hutmacher, die Grinsekatze, die Herz-Königin, Tweedledum & Tweedledee sowie der monströse Jabberwocky.
Doch es ist eigentlich gar kein Wunderland, das Tim Burton präsentiert, sondern ein Unterland, eine etwas düsterere Variante von Carrolls Fantasy-Welt. Doch da es sich um einen Disney-Film geht es nicht allzu grausig zu. Für die Gestaltung der Figuren ließ Burton bekannte Darsteller am Computer zu an Zirkusfreaks erinnernde Wesen verfremden. So hat sein Stammschauspieler Johnny Depp als besonders verrückter Hutmacher seltsame riesige Augen und Burtons damalige Gattin Helena Bonham Carter als rote Königin einen riesigen Kopf (was – netter Gag am Rande – ihre Dienerschaft dazu bringt, sich ebenfalls als deformiert zu verkleiden).
So richtig konsequent durchgezogen wurde diese eher an Harry Potter– als an Burton-Fans adressierte Chose leider nicht. Zwar sind die Trick- und 3D-Effekte – die auch per Blu-ray daheim zu erleben sind – auf einem hohen Niveau, aber dabei auch von einer etwas kalten Perfektion. Anders als ansonsten bei Tim Burton will sich kein verzücktes Staunen über die – zweifelsohne vorhandenen – verrückten Ideen einstellen, sondern es drängt sich immer wieder die Frage auf, was der ganze Quatsch eigentlich soll. Wobei dies angesichts der ebenfalls ganz schön seltsamen Buch-Vorlage vielleicht sogar ein durchaus werkgetreuer Ansatz ist.
Alice im Wunderland ist ganz gewiss nicht Burtons bester, aber ohne Zweifel sein erfolgreichster Film und spielte mehr als eine Milliarde Dollar ein! Da ist es verwunderlich, dass es sieben Jahre dauerte, bis mit Hinter den Spiegeln eine Fortsetzung in die Kinos kam.
Bereits 1947 entstand Le Crabe aux pinces d’or, der erste Film mit Tim und Struppi, doch dieser wurde lediglich zweimal in einem Kino in Brüssel gezeigt.
Mit Die Krabbe mit den goldenen Scheren wurde jene Comic-Geschichte von Hergé adaptiert, die Steven Spielberg knapp 65 Jahre später auch zur Grundlage eines sehr viel aufwändigeren Animationsfilms machen sollte.
Le Crabe aux pinces d’or ist ein schwarzweißer knapp einstündiger Film, der großteils mit kleinen Puppen im Stop-Motion-Verfahren gedreht wurde. Gelegentlich gab es aber auch “richtige“ menschliche Hände oder Dokumentaraufnahmen von Schiffen zu sehen. Obwohl der Film gut ankam, wurde er kein Erfolg, da der Produzent Wilfried Bouchery Geldprobleme hatte und nach Argentinien floh.
Mittlerweile liegt der Animations-Film in Belgien und Frankreich auf DVD vor.
Zwölf Jahre später ging es dann weiter mit dem bewegten Tim. Von 1959 bis 1964 produzierte die belgische Firma Belvision mit „Les Aventures de Tintin, d’après Hergé“ eine Zeichentrickserie, die zunächst noch in schwarzweiß gedreht wurde.
Insgesamt entstanden 103 eher schlicht animierte 5-minütige Episoden, die auch in den USA und in Großbritannien gezeigt wurden, aber nicht bei uns.
Eine Ausnahme ist die Belvision-Adaption des Comics “Der Fall Bienlein“, die auf DVD gemeinsam mit den Kino-Zeichentrickfilmen “Tim und Struppi im Sonnentempel“ und “Tim und der Haifischsee“ veröffentlicht wurde.
1961 und 1964 wurden mit “Das Geheimnis um das Goldene Vlies“ und “Tim und die blauen Orangen“ zwei Realverfilmungen gedreht, für die allerdings nicht auf Hergés Comicalben zurückgegriffen wurde, sondern Remo Forlani und Andre Barret dachten sich neue Geschichten aus.
Die Idealbesetzung für Hergés etwas naiven Helden wurde mit Jean-Pierre Talbot gefunden. Dieser drehte danach jedoch keine weiteren Filme mehr, sondern arbeitete als Lehrer .
Der erste der beiden Realfilme erzählt davon, wie Kapitän Haddock (Georges Wilson) ein Schiff namens Das Goldene Vlies von einem alten Freund erbt. Gemeinsam mit Tim und Struppi reist er deswegen nach Istanbul. Bei der Erbschaft handelt es sich jedoch um ein Wrack, an dem trotzdem einige düstere Gestalten großes Interesse zeigen. Dies hängt mit einem Schatz zusammen. Das Geheimnis um das Goldene Vlies entstand vor Ort in der Türkei und Griechenland, zeigt aber auch das Schloss Mühlenhof, in dem Kapitän Haddock residiert.
Drei Jahre später wurde Tim und die blauen Orangen als französisch-belgisch-spanische Koproduktion 1964 rund um Valencia gedreht. Den Kapitän Haddock spielte jetzt Jean Bouise. Diesmal ging es um eine mysteriöse blaue Orange, die angeblich auch in der Wüste wachsen kann und dadurch das Hungerproblem lösen könnte. Doch eine internationale Verbrecherbande will sich die Erfindung unter den Nagel reißen.
Beide Realfilme gerieten recht farbenfroh und sind voller typischer Tim und Struppi-Situationen. So treten natürlich auch Professor Bienlein, Schultze und Schultze sowie die Operndiva Bianca Castafiore auf. Doch obwohl alle Zutaten der Comics enthalten sind, gerieten die Filme sehr viel alberner als Hergés Vorlagen. Wahrscheinlich fehlt dessen ausgefeilter Ligne-Claire-Zeichenstil , der unerlässlich ist, zum Vermitteln seiner ebenso komischen wie spannenden Geschichten.
Doch auf alle Fälle ist es sehr erfreulich, dass diese beiden filmischen Kuriositäten, die es seinerzeit nicht bis in die deutschen Kinos schafften, endlich bei uns auf DVD und Blu-ray erschienen sind.
Hergé war sehr unzufrieden mit den beiden Realverfilmungen und bedauerte es sehr, dass er sich nicht mit Philippe de Broca einigen konnte, der Anfang der 60er Jahre eine Verfilmung von Tim und Struppi plante. Stattdessen drehte de Broca 1964 mit Jean-Paul Belmondo die Action-Komödie Abenteuer in Rio, die Hergé für die beste Verfilmung seines Comics hält.
1969 schließlich folgte der ebenso wie die TV-Serie von Belvision produzierte aufwändige Zeichentrickfilm Tim und Struppi im Sonnentempel. Als Grundlage für die Geschichte dienten die Comicalben “Die sieben Kristallkugeln“ (das ziemlich zusammengekürzt wurde) und “Der Sonnentempel“ (das recht werkgetreu umgesetzt wurde).
Neben Hergé, der auch kurz als Zeichentrick-Figur zu sehen ist, arbeiteten am Drehbuch und am Design des Films die Comickünstler Bob de Moor, Jacques Martin und Michael Regnier alias Greg mit. Der bekannte französische Chansonsänger Jacques Brel schrieb einige Songs für den Film.
Zudem wurden noch einige Tanz-Einlagen, sowie ein nicht im Comic vorkommendes Inka-Mädchen eingebaut. Dadurch, aber auch wegen der plastisch kolorierten Hintergrundgemälde, die so gar nichts von Hergés Ligne Claire haben, erinnert Tim und Struppi im Sonnentempel sehr stark an eine Produktion aus dem Hause Disney und weniger an die dem Film zugrunde liegenden Comics.
Doch insgesamt bietet der sorgfältig gestaltete Zeichentrickfilm spannende Unterhaltung, die durch allerlei Gags aufgelockert wird.
Drei Jahre später kam ein weiterer aufwändig animierter Trickfilm von Belvision namens Tim und Struppi und der Haifischsee in die Kinos, der genau wie die beiden Realfilme wieder eine neue Geschichte erzählte. Nicht ganz ohne Grund wird Tim auf dem deutschen Kinoplakat als “der James Bond des Zeichentricks“ bezeichnet.
Die ebenso spannende wie lustige Story erinnert gelegentlich durchaus an einen groß angelegten Kinofilm mit 007. Es wird erzählt, wie Tims Erzfeind Rastapopoulos plant, die größten Kunstwerke der Welt gegen Fälschungen auszutauschen, die er durch einen 3D-Kopierer anfertigen will. Die Originale hortet der Monokel tragende Schurken in seinem Geheimversteck auf dem Grunde des Haifischsees.
Die Geschichte nutzt zwar bekannte Figuren und auch das haifisch-förmige U-Boot aus den Comics, stammt jedoch nicht von Hergé, sondern von Greg.
1973 entstand auf der Basis des Drehbuchs ein 44-seitiger Comic zum Film, der als Band 23 in die reguläre Reihe eingegliedert wurde. Doch das Cover, auf dem Filmstreifen zu sehen sind, signalisiert recht deutlich den Unterschied zu den übrigen Comic-Alben.
Der Comic enthält eine Zusammenstellung von Standbildern aus dem Film, die mit Sprechblasen versehen sind.
Eine nachgezeichnete Version des Film-Comics erschien 1973 im Comic-Magazin ZACK.
Sehr werkgetreu geriet die zwischen 1991 und 1993 produzierte 39-teilige französisch-kanadische Zeichentrickserie Les Aventures de Tintin, die fast alle Comicalben sorgfältig für das Fernsehen adaptierte.
Abgesehen von Im Lande der Sowjets und Tim im Kongo (wurde wegen seiner rassistischen Tendenzen weggelassen) wurden hier alle Tim und Struppi-Comics sehr nahe am Original, aber oft auch etwas uninspiriert adaptiert, wobei Kapitän Haddock in den Episoden eher abstinent rüberkommt.
Hier trinkt der Käptn ausnahmsweise mal…
Aus den meisten Comic-Alben entstanden hierbei zweiteilige Trickfilme. Der 1983 verstorbene Hergé konnte dies leider nicht mehr miterleben. Als Trickfilmcharakter hat er jedoch in jeder Episode einen kleinen Gastauftritt á la Hitchcock.
Mit modernster Tricktechnik wäre es wohl denkbar eine “werkgetreue“ Verfilmung von Hergés Comic-Reihe auf die Leinwand zu zaubern. Doch dies durfte nicht erwartet werden, als Steven Spielberg 2011 Die Abenteuer von Tim und Struppi: Das Geheimnis der Einhorn inszenierte.
Der Film erweist im schönen flächig animierten Vorspann und gleich danach mit einem Gastauftritt – ein computeranimierter Hergé porträtiert als Flohmarkt-Karikaturist den computeranimierten Tim in seinem typischen Ligne-Claire-Stil – dem belgischen Comicmeister seinen Respekt. Danach jedoch zieht der Erfolgsregisseur auch in seinem ersten selbst in Szene gesetzten Trickfilm voll sein Ding durch.
Das ist zunächst etwas anstrengend, denn die Figuren sehen weder wie ihre Ebenbilder aus dem Comic aus, aber auch nicht – trotz zahlloser Details – wie richtige Menschen. Zudem ist auch noch die Kamera ständig in Bewegung, damit das Ganze als 3D-Film auch ja schön plastisch wirkt.
Die zunächst aus Hergés Album Das Geheimnis der Einhorn übernommene Geschichte beginnt – durchaus werkgetreu – etwas lahmarschig und erzählt von Schiffsmodellen die Schatzkarten enthalten. Doch wenn dann zusätzlich noch Elemente aus dem Comic Die Krabbe mit den goldenen Scheren – jenem Album in der Tim den beliebten Polter- und Trunkenbold Haddock kennenlernt – gewinnt der Film ganz schön an Fahrt.
Im Laufe der munter neu remixten Geschichte gibt es reichlich aus den Comics übernommene Situationen, aber auch eine wild turbulente Verfolgungsjagd durch einen afrikanischen Küstenort, die alle Indiana-Jones-Actionszenen blass aussehen lassen. Jene Sequenz, in der Kapitän Haddock sich in seinen gegen Piraten ankämpfenden Vorfahren hineinversetzt, hingegen, kann locker mit den besten Momenten aus Fluch der Karibikmithalten. Wenn es um das in Szene setzten von lustigen Turbulenzen geht, ist Spielberg immer noch unerreicht und zeigt ganz nebenbei den Pixar-Leuten, die sich gerade mit Cars 2 lächerlich machten, dass es doch möglich ist mit computeranimierter Action zu unterhalten.
Aus Hergés Einhorn-Fortsetzung Der Schatz Rackham des Roten übernimmt der Film nur Fragmente und spart sich den Ausgang der Geschichte (sowie den ersten Auftritt von Professor Bienlein) für eine dann wohl von Peter Jackson in Szene gesetzte Fortsetzung auf. Insgesamt richtet sich der Film eher an das große Publikum als an die Fans der Tim und Struppi-Comics. Doch unterhaltsamer als die werkgetreue aber sehr brave TV-Trickfilmserie oder die sonstigen Kino-Auftritte von Hergés Helden ist das Ganze allemal.
Derzeitig ist Peter Jackson dabei die Fortsetzung The Adventures of Tintin: Prisoners of the Sun zu produzieren.
Der Schrecken vom Amazonas (1954), der im Original den sehr viel hübscheren Titel Creature from the Black Lagoon trägt, ist vielleicht nicht der beste Film von Jack Arnold. Das ist wahrscheinlich Die unglaubliche Geschichte des Mister C., vielleicht aber auch Tarantula oder Gefahr aus dem Weltall.
Doch Der Schrecken vom Amazonas wurde zu einem Stück Pop-Kultur und ist genau wie Dracula, der Werwolf und das Geschöpf von Frankenstein ein Mitglied im Verein der Universal Monsters. Der Schrecken bzw. die Creature alias the Gill-Man trat auch noch in zwei Fortsetzungen auf, wobei der dritte Teil Das Ungeheuer ist unter uns nicht von Jack Arnold stammte und auch nicht in 3D gedreht wurde. Genau wie der erste Film entstand 1955 auch die Fortsetzung Die Rache des Ungeheuers in 3D. Besonders bei den Unterwasseraufnahmen erlebte das Publikum, wenn es rotgrüne Brillen trug, herrlich plastische Bilder. Der Schrecken vom Amazonas liegt mittlerweile bei Universal als Blu-ray auch in einer Fassung vor, in der die 3D-Fassung auf den neusten Stand der Heimkino-Technik gebracht wurde.
Der Blu-ray von Die Rache des Ungeheuers liegt hingegen eine rot-blaue 3D-Pappbrille bei, und als Extra ist eine rot-blaue Fassung zu sehen. Diese ermöglicht es auf normalen TV-Geräten einen Eindruck davon zu bekommen, wie plastisch der Film seinerzeit im Kino wirkte. Doch bereits nach kurzer Zeit stellen sich hier Augenschmerzen ein.
Da ist es sicher amüsanter sich den Film in der gut rekonstruierten schwarzweißen 2D-Fassung anzusehen und vielleicht dazu noch den (leider nicht deutsch untertitelten) Audiokommentar zuzuschalten. Hier erzählt die Hauptdarstellerin Lori Nelson dem Filmhistorikern Tom Weaver und dem Sammler Bob Burns, wie Jack Arnold seinerzeit vergeblich versuchte mit ihr anzubandeln. Bemerkenswert an Die Rache des Ungeheuers ist zudem noch, dass Clint Eastwood hier, genau wie in Tarantula, eine kleine Nebenrolle spielte.
Koch Media hat sich bei dem Bonus-Material der Blu-ray von Die Rache des Ungeheuers sehr viel Mühe gegeben und präsentiert noch mehr Extras als zuvor auf der DVD. Die Bildgalerie ist jetzt doppelt so umfangreich. Besonders erfreulich ist, dass auch jener Beitrag der WDR-Reihe Jack Arnold erzählt von 1996 enthalten ist, in dem der Regisseur über die Dreharbeiten zu Die Rache des Ungeheuers plaudert.
Koch Media hat mittlerweile auch eine bestens ausgestattete Edition der “Schrecken-vom-Amazonas-Trilogie“ veröffentlicht, in der auch Die Rache des Ungeheuers in einer perfekten 3D-Fassung enthalten ist.
Extras der Blu-ray: Audiokommentar zur 2D-Fassung von Lori Nelson, Tom Weaver und Bob Burns (ohne deutsche Untertitel), der Film in rot-blauer 3-D Fassung , eine deutsche Super-8-Fassung (8:18, mit englischen Untertiteln), eine sehr kompakte Super-8-Kurzfassung (4:51 min), die ganz ohne Dialoge auskommt, “Jack Arnold erzählt“ (11:23 min) US-Trailer (2:30 min) sowie eine Galerie mit 100 Bildern, Werberatschlägen und Plakaten, eine 3D-Brille, Wendecover, Pappschuber
Ebenfalls eine Disney-Tradition ist es, in Kurzfilmen neue Möglichkeiten des Mediums Trickfilm zu erforschen. Der vor Ralph reichts gezeigte schwarzweiße Kurzfilm Paperman (Im Flug erobert) wirkt wie handgezeichnet, ist jedoch das Resultat diverser teilweise eigens für diesen Film entwickelter Computer-Programme. Dennoch wirkt diese ohne Worte auskommende charmante Großstadt-Liebesgeschichte so, als hätte sie ein begnadeter Künstler ganz lässig auf die Leinwand gepinselt.
Paperman
Der Hauptfilm Ralph reichts hingegen ist technisch ganz sicher nicht die große Innovation. 3D ist mittlerweile Standard im Trickfilm und die (wenigen) menschlichen Charaktere sind ähnlich unbeholfen animiert wie in den ersten Pixar-Filmen. Der Titelheld Randale-Ralph ist eigentlich ein Schurke, doch er ist es leid der Bösewicht des veralteten aber immer noch sehr kultigen Videogames Fix-It Felix Jr. zu sein. Seine Selbsthilfegruppe, an der die Bösewichter anderer real existierender Games wie Street Fighter, Altered Beasts oder Pac-Man teilnehmen, kann ihm auch nicht weiterhelfen.
Daher bricht Ralph zu neuen Ufern bzw. zu neuen Spielen auf und versucht Gutes zu tun, um eine Medaille zu erringen. Dabei landet er zunächst im brandaktuellen Ego-Shooter-Game Hero´s Duty (eine Mischung aus Avatarund Starship Troppers) und anschließend im verträumten 90er-Jahre Racer-Game Sugar Rush. Dort trifft er die scheinbar falsch programmierte Vanellope von Schweetz, in der er nach und nach eine Seelenverwandte entdeckt…
Ralph reichts ist eine einzigartige Mischung aus Toy Story, Tron und Falsches Spiel mit Roger Rabbit. Einziges Manko ist Christian Ulmens nicht so recht passende deutsche Stimme von Randale-Ralph, der im Original herrlich grummelig von John C. Reilly gesprochen wird. Doch die Story, die hier erzählt wird, hat Pfiff und mehr originelle Einfälle als eigentlich in einen 108-minütigen Film passen! 2018 kam mit Chaos im Netzeine gleichwertige Fortsetzung in die Kinos.
Extras der Blu-ray: Kurzfilm: “Paperman“ („Im Flug erobert“, 6:34 min); „Stück für Stück: Wie die Welten in “Ralph reichts“ entstanden“ (16:40 min); Alternative & zusätzliche Szenen (14:28 min);Vier witzige Videospiel TV-Spots (2:40 min)
