Auf einer Bahnfahrt zu seiner Oma nach Berlin wird der zwölfjährige Provinzler Emil Tischbein vom rücksichtslosen Herrn Grundeis um 140 Mark beraubt. In der Reichshauptstadt angekommen, versucht Emil das Geld auf eigene Faust wieder zurückzubekommen. Unterstützung findet er bei einer Bande listiger und lustiger Berliner Gören, die unter dem Motto “Parole Emil!“ alles dransetzten um Grundeis zu überführen…
1929 schrieb der Zeit seines Lebens kinderlos gebliebene, doch stark auf seine Mutter fixierte, Erich Kästner sein erstes Buch für junge Leser. Emil und die Detektive wurde als Theaterstück und in vielen Kinofilmen ebenfalls zu einem gewaltigen Erfolg. Kästner startete anschließend auch als Kinderbuchautor durch, schuf mit Das fliegende Klassenzimmer sein Meisterwerk in diesem Genre. Emil ließ Emil er noch einmal in Emil und die drei Zwillinge auftreten.
Einige Filme wie die Disney-Version von 1964 oder die Neuverfilmung mit Jürgen Vogel als Herr Grundeis von 2001 haben versucht Emil und die Detektive dem Zeitgeist anzupassen und die Geschichte der jeweiligen Gegenwart anzupassen. Doch Kästners Buch ist zwar zeitlos, atmet aber den Geist des Berlins der Weimarer Republik. Das bei aktuellen Neuauflagen zur Verwendung kommende simple aber schöne – mittlerweile auch auf Briefmarke – verewigte Titelbild ist dabei fester Bestandteil des Emil-Mythos.
Das Cover und die Innenillustrationen stammen von Walter Trier, der noch viele weitere Bücher von Kästner bebildert hat, darunter den nicht für jugendliche Leser bestimmten Roman Der kleine Grenzverkehr. Genau wie zuvor schon bei Kästners Kinderbüchern Der 35. Maiund Pünktchen und Anton hat Isabel Kreitz (Die Entdeckung der Currywurst, Rohrkrepierer) aus Emil und die Detektive einen Comic gemacht, der hundertprozentig so wirkt, als wenn Walter Trier ihn höchstpersönlich Anno 1929 gezeichnet hätte.
Dazu gehört natürlich auch, dass Erich Kästner Gastauftritte als Comicfigur absolviert. Isabel Kreitz adaptierte danach mit Das doppelte Lottchen noch ein weiteres Kästner-Buch als Comic.
2020 gab es bei McDonalds für 3,99 Euro als Beilage zum Happy Meal eine “gekürzte, limitierte Lizenzausgabe“ (mit 70 statt 112 Seiten) der Comic-Adaption von Emil und die Detektive. Wer auf Cheeseburger, Pommes, Cola und Apfeltütchen verzichtet, zahlt sogar nur 3,- Euro.
Pünktchen alias Luise Pogge ist ein Töchterchen aus besserem Hause. Dennoch schleicht sie sich immer wieder – gemeinsam mit ihrem Kindermädchen Frl. Andacht – aus der geräumigen Wohnung um im nächtlichen Berlin Streichhölzer zu verkaufen. Außerdem versucht sie ihrem Freund Anton zu helfen, der die Schule vernachlässigt um seine kranke Mutter zu pflegen. Als Frl. Andachts Verlobter Robert plant die Wohnung der Pogges auszuräubern versuchen Pünktchen und Anton dies mit vereinten Kräften zu verhindern…
Erich Kästners Pünktchen und Anton erschien erstmals 1931. Anders als dessen Kinderbücher Emil und die Detektive, Das doppelte Lottchen oder Das fliegende Klassenzimmer ist dieses Werk (das zudem von Kästner auch noch mit moralisierenden “Nachdenkereien“ garniert wurde) sehr viel weniger zeitlos. Das zeigte sich auch in der bemühten aber nur bedingt funktionierenden Verfilmung von 1999, in der Caroline Link (Nirgendwo in Afrika) die Handlung in das München der Gegenwart verlegte. Ich hatte jedoch das Vergnügen Pünktchen und Anton einst als Weihnachtsmärchen im Hamburger Schauspielhaus zu sehen. Hier wurde beim Bühnenbild mit großem Aufwand das Berlin der 30er-Jahre rekonstruiert und vor diesem Hintergrund funktionierte die Geschichte bestens.
Dies scheint die Zeichnerin Isabel Kreitz (Die Entdeckung der Currywurst, Rohrkrepierer), die bereits aus Kästners Der 35. Mai einen Comic machte, ähnlich zu sehen. Sie setzte auch “Pünktchen und Anton“ im flotten Stile von Kästners “Hausgrafiker“ Walter Trier in Szene und verwendet große Sorgfalt darauf die brodelnde Atmosphäre des nächtlichen Berlins der frühen 30er Jahre einzufangen. Dadurch wirkt Kästners in Prosaform etwas angestaubt erscheinender “Roman für Kinder“ so frisch wie zum Zeitpunkt seiner Erstveröffentlichung.
Konrad ist in der Schule recht gut im Rechnen, aber mit der Fantasie hapert es etwas. Daher ist er leicht überfordert als er einen Aufsatz über die Südsee schreiben soll. Doch zum Glück ist gerade der 35. Mai und Konrads Onkel, der Apotheker Ringelhuth, hat Nachtdienst und daher Zeit für eine ausgedehnte Exkursion in die Südsee. Auf dem Rücken des Rollschuh fahrenden Zirkuspferdes Negro Kaballo treten sie die Reise an. Doch bevor sie schließlich auf die karierte Stammesprinzessin Petersilie treffen, stehen noch reichlich Abenteuer an, u. a. im Schlaraffenland (“Eintritt frei, Kinder die Hälfte“) und in einer komplett von Kindern regierten Welt.
1931 schrieb Erich Kästner Der 35. Mai oder Konrad reitet in die Südsee und das Buch liegt mittlerweile bereits in der 50. Auflage (!) vor. Während Kästners sonstige Kinderbuchklassiker wie Emil und die Detektive oder Das fliegende Klassenzimmer immer fest in der Realität verankert sind, überrascht er hier durch eine schier unerschöpfliche Fantasie und Fabulierfreude.
Genau wie bei fast allen Kinderbüchern Kästners stammt auch bei Der 35. Mai das Titelbild aus der unverwechselbaren Feder von Walter Trier. Die schwarzweißen Innenillustrationen schuf jedoch Horst Lemke und sie sind zwar ganz hübsch, aber eben doch kein Trier (besonders empfehlenswert ist übrigens Kästners Buch Der kleine Grenzverkehr, das komplett und farbig von Trier bebildert wurde).
Die Frage, wie es ausgesehen hätte, wenn Walter Trier Der 35. Mai komplett bebildert hätte, beantwortet jetzt die Comic-Zeichnerin Isabel Kreitz (Die Entdeckung der Currywurst, Rohrkrepierer). Sehr nahe an Kästners Geschichte sowie an Triers Zeichenstil und Farbgebung liefert sie eine gleich zweifach werkgetreue Comicadaption, deren Lektüre ebenso viel Vergnügen bereitet wie das Originalbuch. Dieses bemerkten auch die Juroren des 13. Internationalen Comic-Salons in Erlangen und sie kürten Der 35. Mai zum “Besten Comic für Kinder und Jugendliche“.
Dieser Fantasy-Comic beschwört die Welt der Insel Errance, deren Zentrum von Wesen mit Zauberkräften bevölkert wird. Die Menschen hassen und bekämpfen diese Kreaturen. Besonders eifrig ist hierbei der jung und arrogante Prinz Bran. Doch dieser wird mit einem Fluch belegt und in einen Raben verwandelt.
Soweit, so vertraut, Gebrüder Grimm und Ottfried Preußler, wir hören Euch trapsen. Doch (Achtung Spoiler!) originell wird “Bran“ dadurch, dass in Flora Grimaldis Geschichte der Titelheld nach seiner Verzauberung nicht nur tagsüber ein sprechender Rabe ist, sondern nachts zum krächzenden Prinz wird. Auch Brans Beziehung zur attraktiven Magierin Macha, die sich u. a. in einen Fuchs verwandeln kann, dürfte sich im weiteren Verlauf der Serie noch interessant entwickeln.
Magisch sind auch die in leuchtenden Farben sehr plastisch kolorierten Bilder der jungen deutschen Zeichnerin Maike Plenzke. Bemerkenswert ist, dass ihr Comic-Debüt “Bran“ nicht zuerst bei Carlsen Comics erschienen ist, sondern bereits ein Jahr zuvor beim französischen Verlag Glénat veröffentlicht wurde. Es darf sich auf weitere Bände dieser zauberhaften Reihe gefreut werden.
Keno Don Hugo Rosa war schon immer ein großer Fan der Entencomics von Carl Barks. 1986 erfüllte sich für ihn ein Traum und er durfte – beginnend mit der Story Der Sohn der Sonne – ebenfalls Geschichten um Donald Duck und seine weitverzweigte (dabei aber immer elternlose) Verwandtschaft erzählen. Rosa konnte daher seinen Job als Ingenieur aufgeben. 1991 rückte er noch näher an sein großes Vorbild Barks heran, denn er erhielt von europäischen Verlegern den Auftrag aus dem Vorleben der reichsten Ente der Welt zu erzählen.
Carl Barks fügte dem Disney Universum die Figur von Donalds reichen Onkel Dagobert hinzu. In seinen Geschichten ist auch immer wieder von Dagoberts harten Jugend-Jahren während des Goldrausches am Klondike zu erfahren. Rosa sammelte alle derartigen barkschen Fakten und ergänzte sie zu einem 12-teiligen Epos, das Dagoberts Lehr- und Wanderjahre von 1877 – 1947 verfolgte.
Carl Barks und viele seiner Fans waren von dieser Art der Hommage zunächst nicht sonderlich angetan und rieben sich auch an Rosas eher an Underground-Comics erinnernden Zeichenstil. Doch kurz vor seinem Tode gewährte Barks Rosa noch eine Audienz und verzieh ihm. Wer jetzt diesen dicken Wälzer in Händen hält, kann Rosa eigentlich ebenfalls nicht mehr böse sein. Die gesammelten Geschichten sind ein einziges Vergnügen und zeigen, dass Rosa seinem großen Vorbild in Sachen Fleiß und Recherche kaum nachsteht. Wer Rosa ohnehin schon gesammelt hat, kommt ebenfalls um diesen Band nicht herum, denn die reich illustrierten Vorworte, das kleinere Format und die in Italien entstandene Neukolorierung bringen Rosas Geschichten deutlich besser zur Geltung als die Album-Veröffentlichung.
Nachdem die Softcover-Ausgabe von 2003 (und erst recht die signierte und auf 999 Exemplare limitierte Hardcoverausgabe mit zusätzlicher Covergalerie) längst vergriffen war, legte Egmont eine Neuauflage nach. Diese ist mit über 500 Seiten noch praller ausgefallen und enthält zusätzlich noch “Hinter den Kulissen“-Nachworte von Don Rosa zu allen zwölf Kapiteln.
Mike Perkins und Peter Puck freuen sich auf das Comicfestival München 2017!
Marvel-Helden zum Ausleihen.
Auf dem Comic Con ging es zwar auch um Comics, doch noch stärker im Zentrum standen Prominente aus Film und Fernsehen. Gemeinsam mit diesen konnten sich die Besucher zu Beträgen, die auch schon einmal dreistellig waren, fotografieren lassen. Hier die Preisliste für “Fotosessions“ mit den Gästen.
Das direkt am Hamburger Hauptbahnhof gelegene Museum für Kunst und Gewerbe verfügt über eine große – nach eigenen Angaben “international einmalige“ – Sammlung von japanischen Farbholzschnitten und Holzschnittbüchern. Darunter befinden sich auch viele Werke von Katsushika Hokusai (1760 – 1849), wie etwa ein Exemplar von dessen wohl bekanntesten Farbholzschnitt “Die große Welle vor Kanagawa“.
Wenn das Haus eine Ausstellung dieser Holzschnitte zeigt und diese noch um Mangas von Keiji Nakazawa (“Barfuß durch Hiroshima“) oder Jiro Taniguchi (“Vertraute Fremde“) ergänzt, dann wirkt dies auf den ersten Blick so, als wenn hier versucht wird Dinge zu kombinieren, die wenig gemeinsam haben. Auch der schön aufgemachte Katalog zur Ausstellung, der im Hirmer Verlag erschienen ist, bestätigt die Vermutung, dass mit populären Manga-Elementen versucht wird, Klassiker aufzumotzen. Den Abbildungen der Holzschnitte wird im Buch deutlich mehr Raum eingeräumt als den japanischen Comics.
Doch auf den zweiten Blick ergibt sich ein faszinierendes Ganzes, denn bei einigen der Holzschnitte, die im 17. Jahrhundert entstanden sind, handelt es sich zweifelsohne bereits um Comics. Der Katalog dokumentiert ausführlich Hishikawa Moronobus aus 19 Blättern bestehende Geschichte “Die Legende vom Dämon Shuten-doji“ (1680), die noch ohne Text auskommt, was sich jedoch schon in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ändern sollte. Wichtiger aber noch ist eine Serie von Mallehr-Büchern, in denen Katsushika Hokusai unter dem Titel “Hokusai manga“ (“Zufällige Skizzen von Hokusai“) ab 1814 Skizzen veröffentlichte. Hier werden zwar keine Geschichten erzählt, aber dennoch wurde Hokusai durch diese Reihe zum Paten des Mangas.
Natürlich kann weder die Ausstellung “Hokusai x Manga“ noch der Katalog das ganze Spektrum der japanischen Comics abdecken. Doch mit Nakazawa, Taniguchi, Kiriko Nananan und Inio Asano wurden einige interessante japanische Künstler porträtiert. Den Abschluss des Buchs bildet der interessanter Text “Manga im Wandel: Abrücken von der Popkultur“ von Jaqueline Berndt, die u. a. versucht zu erklären, warum manche aus westlicher Sicht skandalös wirkenden japanischen Comics (Stichwort: “Boys Love“) eigentlich eher harmlos sind.
Bei Boiselle & Ellert erschien bereits die Neuauflage einer “Graphic Novel Biographie“ über die Beatles, die Arthur Ranson in den 80er Jahren zeichnete. Daran knüpft jetzt eine weitere Veröffentlichung des Verlags an. Nach Texten und Seitenlayout-Vorgaben des Verlagschefs Steffen Boiselle erzählt die spanische Zeichnerin Olga Carmona Peral davon, wie das Leben von John Lennon nach seiner Zeit bei den Beatles verlief.
Die aus 22 Comicseiten bestehende Erzählung wurde zunächst im Musik-Magazin “Good Times“ veröffentlicht. Für die Buchveröffentlichung wurde das Werk mit zusätzlichen Illustrationen, Textzitaten und einem kleinen Making Of noch etwas angedickt. Genau wie schon bei Ransons Comic-Biographie zu den Beatles gibt es auch hier eine Variant-Cover-Edition. Diese ist auf 180 Exemplare limitiert und enthält neben einem von Boiselle signierten Druck noch einen Kühlschrank-Magneten.
Variant-Cover
Inhaltlich kann das Werk durchaus überzeugen. Die Zeichnungen wirken auf den ersten Blick etwas schlicht, bringen den Inhalt aber dennoch gut an den Leser. Interessant ist unter anderen, dass auch davon erzählt wird, wie sich John Lennon und Paul McCartney nach der Trennung der Beatles langsam wieder annäherten. Nachdem ihr Streit “weitgehend beigelegt“ war, freute sich Paul sogar darüber, dass John nach einer längeren Trennung wieder mit Yoko zusammen war und auch noch Vater wurde.
Wohl noch nie gelangen Garth Ennis, dem meisterlichen Erzähler von zynisch-brutalen Comics wie Preacher, Hellblazer oder The Boys, drei so durchgehend sympathische Hauptfiguren. Das kann auch daran liegen, dass es sich bei Rover, Red und Charlie nicht um Menschen, sondern um drei Hunde handelt.
Das Trio versucht verzweifelt in einer Welt zu überleben in der, nachdem etliche Bomben explodiert sind, die Menschen entweder sofort gestorben sind, oder sich gegenseitig bzw. auch selbst umgebracht haben. Über die Hintergründe dieser Katastrophe ist wenig zu erfahren, denn Ennis erzählt die Geschichte komplett aus der Sicht seiner drei vierbeinigen Hauptfiguren.
Als Erzähler fungiert dabei der Blindenhund Charlie, dessen Herrchen bzw. “Fütterer“ sich am Anfang der Geschichte selbst angezündet hat. Der gutmütige Red springt todesmütig ins Feuer und rettet Charlie gemeinsam mit dem cleveren Basset Rover. Das Trio bricht zu einer Odyssee von New York bis nach San Francisco auf. Angeblich soll es an der Westküste noch “Fütterer“ geben, doch im Laufe der gefährlichen Reise stellen die drei Hunde fest, dass sie gut alleine zurecht kommen und es sich ohne Menschen eigentlich viel besser leben lässt.
Gemeinsam mit dem Zeichner Michael DiPascale gelingt Ennis das Kunststück die Hunde nicht zu vermenschlichen, aber sie trotzdem zu drei höchst unterschiedlichen animalischen Charakteren zu machen. Eins der Vorbilder war zweifelsohne der auch verfilmte Roman Die Hunde sind los von Richard Adams (Watership Down).
Die Geschichte funktioniert so gut, dass sogar der Comic-Guru Alan Moore (Watchmen, V wie Vendetta) ein ebenso begeistertes wie amüsantes Vorwort schrieb, wobei jedoch nicht unerwähnt bleiben soll, dass dieser seine an H. P. Lovecraft orientierten Comics wie Neonomicon oder Providence bei Avatar Press veröffentlicht, wo auch Rover Red Charlie erschienen ist. Moores Text endet wie folgt: “Begrüßen Sie dieses wunderbare Buch mit der Pawlowschen Reaktion, die es verdient. Ich für meinen Teil hoffe, ich habe bereits genug gesabbert, um Sie zu überzeugen. Wenn nicht, überlasse ich es der packenden Geschichte selbst.“
Hardcover-Cover
Dem ist kaum noch etwas hinzuzufügen, außer das Panini die aus sechs US-Heften bestehende Geschichte in einem Sammelband mit allen Covern und zusätzlichen Illustrationen veröffentlicht, den es auch als auf 222 Exemplare limitierte Hardcover-Edition gibt.
Vom Januar 1995 bis August 2000 haben Garth Ennis und Steve Dillon ein Stück Comicgeschichte geschrieben bzw. gezeichnet. In 66 US-Heften (und einigen Sonderbänden) präsentierten sie eine gewaltige Saga um Glaube, Liebe, Hoffnung und Freundschaft. Zentrale Figuren sind der mit übersinnlichen Gaben gesegnete Preacher Jesse Custer, seine große Liebe Tulip O’Hare und der Vampir Proinsias Cassidy .
In Preacher erzählt der Ire Garth Ennis vor texanischen Kulissen von einem verantwortungslosen Gott, der seine Schöpfung im Stich gelassen hat. Doch er hat die Rechnung ohne Jesse Custer und den von ihm selbst geschaffenen Heiligen der Killer gemacht. Bis es schließlich zum abschließenden Showdown mit Gott, aber auch zwischen den drei Hauptfiguren kommt, haben Ennis und Dillon ein schier unglaubliches Arsenal von unvergesslichen Charakteren auf die Leser losgelassen. Man denke nur an den glatzköpfigen Herrn Starr, der im Verlaufe der Geschichte leiden muss, wie kein Schurke seit dem Kojoten Willie, oder an den sabbernden Arseface, der schließlich Karriere als Rockstar macht.
Die Erzählung verläuft nicht unbedingt gradlinig, mündet aber trotzdem unaufhaltsam und planvoll in ein ganz großes Finale. Die immer wieder eingeflochtenen Rückblenden (und die in vier Sonderbänden gesammelten ergänzenden Geschichten) machen die Hauptfiguren noch plastischer. Ennis hat die Geschichte in packende Episoden voller origineller (und gelegentlich auch ganz schön kranker) Wendungen zerlegt. Manchmal schiebt er auch schon einmal den großen Konflikt mit Gott beiseite und erzählt einfach einen klassischen Western, um einen einsamen Helden und seinen Kampf gegen einen größenwahnsinnigen Rinderbaron.
Die auf den ersten Blick eher unscheinbaren Zeichnungen von Steve Dillon, mit dem Ennis zuvor bereits bei Hellblazerzusammenarbeitete, lenken nicht von der Story ab und überzeugen dabei sowohl in den ultrabrutalen, als auch in den immer wieder eingestreuten ruhigeren Momenten.
Ein weiterer Pluspunkt sind die unglaublich plastischen und plakativen Titelgemälde von Glenn Fabry, die zum Glück alle, sowie interessante Erläuterungen von Ennis und Fabry, Aufnahme in die neunbändige Hardcover-Gesamtausgabe von Panini fanden.
Mittlerweile ist aus Preacher eine zwar erfolgreiche aber auch erschreckend wenig werkgetreue TV-Serie geworden.
