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Gullivers Reisen – Da kommt was Großes auf uns zu

Jack Black ist ganz sicher die Idealbesetzung für eine Neuverfilmung bzw. ein Update von “Gullivers Reisen“. Er spielt den nicht nur durch seine geringe Körpergröße unscheinbaren Lemuel Gulliver, der als Büroboten in einer New Yorker Zeitung arbeitet und heimlich die Reisejournalistin Darcy Silverman (Amanda Peet) anhimmelt. Als er sich endlich traut diese anzusprechen, hält Darcy sein Flirten für ein Bewerbungsgespräch und prompt hat Lemuel einen Job als Reisereporter im Bermudadreieck. Von dort aus ist es natürlich nicht weit zur von klitzekleinen Menschen bewohnten Insel Liliput…

Gullivers Reisen - Da kommt was Großes auf uns zu

Dort dreht Gulliver dann mächtig auf, prahlt damit, dass er der König seiner Welt war und gibt den Oberzwerg. Nur ein karrieresüchtiger General (als Fiesling fast noch komischer als Jack Black: Chris O’Dowd aus der britischen Kultserie “The IT Crowd“) durchschaut den Schwindel und bringt den Gernegroß ins Wanken.

Gullivers Reisen - Da kommt was Großes auf uns zu

Wer sich erhofft in diesem Film auch einige der satirischen und sozialkritischen Elemente aus Jonathan Swifts “Gullivers Reisen“ wiederzufinden, dürfte ziemlich enttäuscht sein, denn der Humor ist eher von der groben Sorte. Wem jedoch die“Nachts im Museum“-Filme in ihrer Mischung aus Klamauk, perfekter Tricktechnik (die durch 3D-Technik diesmal noch beeindruckender wirkt) und einer Prise Rührseligkeit Freude bereitet haben, der wird bei “Gullivers Reisen“ noch ein kleines bisschen besser bedient.

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In der Gewalt der Riesenameisen

H. G. Wells schrieb 1905 eine Kurzgeschichte namens “Empire of the Ants“, die im Ullstein-Taschenbuch “Der Apfel vom Baum der Erkenntnis“ unter dem Titel “Im Reich der Ameisen“ enthalten ist. Wells erzählt hier von einer Ameisen-Plage im Gebiet des Amazonas. Abgesehen vom Titel hat diese Geschichte jedoch keine Gemeinsamkeiten mit dem gleichnamigen Kinofilm von 1977, der bei uns den Titel “In der Gewalt der Riesenameisen“ erhielt.

In der Gewalt der Riesenarmeisen

Das Resultat erscheint als dritter Film in Koch Medias “Creature Features Collection“. Zuvor wurden hier bereits Joe Dantes “Piranhas“ und John „Bud“ Cardos “Mörderspinnen“ veröffentlicht. Es folgte “Der Polyp – Die Bestie mit den Todesarmen“. “In der Gewalt der Riesenameisen“ reiht sich bestens ein. Regie führte Bert Ira Gordon, der ab 1955 (“King Dinosaur“) reichlich Erfahrung mit Tierhorror wie “Die Rache der schwarzen Spinne“ oder “Die Insel der Ungeheuer“ sammelte.

In der Gewalt der Riesenarmeisen

Für die Hauptrolle von “In der Gewalt der Riesenameisen“ konnte immerhin Joan Collins (“Der Denver-Clan“) gewonnen werden. Diese spielt die halbseidene Spekulantin Marilyn Fryser, die einigen Interessenten wertloses Sumpfland verkaufen will. Doch an der abgelegenen Küste wurde radioaktive verseuchte Flüssigkeit angespült. Hierdurch werden etliche Ameisen zu riesigen Mutanten, die Marilyn und ihre Gruppe dezimieren. Doch auch als die letzten Überlebenden ein Dorf erreichen können, ist der Terror noch lange nicht beendet…

In der Gewalt der Riesenarmeisen

Pate für den Film stand zweifelsohne der zwei Jahre zuvor gestartete “Der weiße Hai“, was ganz besonders beim Soundtrack bemerkbar macht, der sehr stark an John Williams markantes Leitmotiv erinnert. Bei den gezeigten Riesenameisen handelt es sich entweder um relativ plump hergestellte Bastelarbeiten oder echte Insekten wurden mehr oder weniger überzeugend mit den Aufnahmen der Darsteller kombiniert. Durch die brillante Bildqualität der Blu-ray amüsieren die billigen Trickaufnahmen, aber auch die grellen 70er Jahre Klamotten!

In der Gewalt der Riesenarmeisen

Die Blu-ray von Koch Media enthält neben dem 90-minütigen Film noch eine etwas kürzere 86-minütige Vollbild-Fassung, sowie eine 47-minütige Super-6-Fassung. Außerdem gibt es noch einen deutschen Trailer (2:10 min), einen US-Trailer (2:19 min) sowie eine interessant zusammen gestellte Galerie mit 43 Werbematerialien.

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Der weiße Hai

An den Stränden eines kleinen Badeortes an der amerikanischen Ostküste taucht mitten in der Hauptsaison ein riesiger weißer Hai auf und verbreitet Angst und Schrecken. Nachdem es erste Todesopfer gibt, machen sich drei Männer auf die abenteuerliche Jagd nach dem menschenfressenden Ungeheuer, das sich als äußerst heimtückischer Gegner erweist…

Der weiße Hai

Das sehr lesenswerte Buch „Easy Riders und Racing Bulls“ erzählt recht plausibel, warum „Der weiße Hai“ nicht nur ein erfolgreicher sondern sogar ein guter Film wurde. Während der Dreharbeiten gab es immer wieder Schwierigkeiten mit dem mechanischen Hai und dadurch auch sehr lange Pausen in denen nicht gedreht werden konnte. Spielberg und seine drei Hauptdarsteller nutzten diese Zeit und erarbeiteten Szenen, die zuvor nicht im Drehbuch standen.

Der weiße Hai

Mindestens so spannend wie die Jagd auf dem Hai ist es dabei zuzusehen, wie sich der wasserscheue Großstadtpolizist (Roy Scheider), der zotenreißende Großwild-Fischer (Robert Shaw) und der relaxte Hai-Experte (Richard Dreyfuss) langsam näher kommen. Außerdem konnte Spielberg oftmals sein nicht funktionierendes mechanisches Monstrum einsetzen und ihm gelang es, Spannung durch sehr viel subtilere Methoden zu erzeugen.

Der weiße Hai

Für die Blu-ray-Veröffentlichung wurde der Film komplett restauriert. Bezüglich der Tonspur zeigte Universal nach einer Internet-Petition Einsicht und platzierte nicht nur die etwas sterilere aber tontechnisch überlegene Neusynchronisation von 2004 sondern auch die klassische deutsche Fassung auf die Blu-ray. Auch das Bonusmaterial mit zwei spielfilmlangen Dokumentationen kann sich sehen lassen und vertieft noch das Vergnügen bei der Wiederbegegnung mit Spielbergs ersten Blockbuster.

Der weiße Hai

Extras der Blu-ray: JAWS: Die Restaurierung (8:28 min, HD), wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln; Unveröffentlichte und verpatzte Szenen (13:33 min); Making of JAWS von Laurent Bouzereau (1995, 122 min); Der Hai funktioniert noch: Einfluss und Vermächtnis von JAWS (101 min); Blick auf die Dreharbeiten (8:56 min), Bericht von 1974; Die Archive von JAWS: Eine Unmenge von Storyboard-Zeichnungen, Entwurfszeichnungen, Fotos und Werbematerialien

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Elvis Presley: Cowboy Melodie

Frank Sinatras Gesangskarriere kam durch seinen oscar-prämierten Auftritt im Film “Verdammt in alle Ewigkeit“ erst wieder richtig in Gang. Auch Elvis Presley hatte Rollenangebote für Filme wie “Die Katze auf dem heißen Blechdach“, die ihn auch schauspielerisch gefordert hätten. Doch er, bzw. sein Manager Colonel Tom Parker, lehnten dies ab und in seinen 31 Kinofilmen spielte Elvis immer nur sich selbst. Es ging sogar soweit, dass er in den sechziger Jahren mit den Filmen und den zugehörigen Soundtrack-Aufnahmen so beschäftigt (und finanziell versorgt) war, dass er zwischen 1961 und 1969 keine Konzerte gab und auch für TV-Auftritte nicht zur Verfügung statt.

Elvis Presley: Cowboy Melodie

Die Kinofilme mit Elvis waren zwar Dutzendware, aber zumeist unterhaltsam. Die Handlung war wenig mehr als ein Vorwand um möglichst viele Songs in den Film zu schmuggeln und durch die Soundtrack-Alben noch zusätzlich abzusahnen. Charismatische Co-Stars wie etwa Ann-Margrei in “Viva Las Vegas“ waren Mangelware. In diesem Umfeld ist “Cowboy Melodie“ (“Tickle Me“) guter Durchschnitt. Das 1965 entstandene 18. Elvis-Filmchen erzählt vom Rodeo-Reiter Lonnie Beale, der auf einer Beauty-Farm als Animateur anheuert. Die Chefin und alle weiblichen Gäste sind ganz hingerissen von ihm, doch Stress gibt es mit seinen männlichen Kollegen…

Elvis Presley: Cowboy Melodie

Anders als in den übrigen Elvis-Filmen wurden die Songs diesmal nicht exklusiv für “Cowboy Melodie“ komponiert, sondern stammten aus dem Fundus. Der DVD von Koch Media liegt ein schönes Booklet bei, das akribisch über die Herkunft der neun Songs informiert. Der Film ist zwar bereits 2007 bei Warner auf DVD erschienen, doch damals ohne die deutsche Tonspur. Jetzt endlich kommen wir auch hier in den Genuss Elvis mit der deutschen Stimme von Rainer Brandt (“Die Zwei“) zu erleben und Jack Mullaney, der Jerry Lewis zum verwechseln ähnlich sah, spricht jetzt natürlich mit der Stimme von dessen Stammsprecher Horst Gentzen.

Elvis Presley: Cowboy Melodie
DVD-Booklet

Neben dem 16-seitigen Booklet enthält die DVD noch den US-Trailer (2:40 min), den deutschen Trailer (2:35 min) sowie zwei Bildergalerien (4:16 min + 2:22 min) und Direktzugriff zu den Songs. Viel schöner kann ein Klassiker nicht auf DVD herausgebracht werden.

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Liberty – Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft – Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten

Ähnlich wie er es bereits mit Laurel & Hardy in seinem “Das Dick und Doof Buch“ machte, wollte Norbert Aping anschließend schildern in welcher Form Charlie Chaplin in Deutschland in die Kinos kam und in der Presse besprochen wurde. Doch ein derartiges Projekt würde nicht zwischen zwei Buchdeckel passen, denn Aping musste feststellen, dass “nur noch über die Bibel mehr geschrieben worden ist, als über diesen weltbekannten Künstler.“ Daher schränkte er das Spektrum des Buches ein und konzentrierte sich darauf, wie die Nationalsozialisten in Deutschland auf die Werke Chaplins reagierten, wobei natürlich ein besonderes Augenmerk auf dessen Hitler-Satire “Der große Diktator“ gerichtet wurde.

Liberty - Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft - Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten
Norbert Aping hat auf 400 eng bedruckten und mit zahlreichen Fußnoten versehenden Seiten eine unglaubliche Materialfülle zu diesem Thema zusammengetragen. Er belegt, dass Chaplin den Nazi von Anfang an ein Dorn im Auge war, schon durch den Stummfilm “Shoulder Arms“ von 1918 in dem der Tramp als Soldat des Ersten Weltkrieges den Deutschen Kaiser gefangen nimmt. In einem Land in dem später rechtsradikale Pöbelhorden versuchten die Aufführung des Antikriegsfilms “Im Westen nichts Neues“ zu verhindern, war ein angeblicher “antideutscher Hetzfilm“ bzw. eine Satire über das (nicht nur deutsche) Soldaten in konservativen Kreisen unerwünscht.

Liberty - Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft - Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten

Später wurde versucht durch Drohungen und politischen Druck die Produktion von “Der große Diktator“ zu verhindern. Anschließend wurde tunlich vermieden, zu vermelden dass Chaplin in diesem Film den nur vier Tage jüngeren Adolf Hitler, der ihm seinen Schnurrbart nachahmte, parodistisch nachahmte (und entlarvte).

Liberty - Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft - Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten

Die Nationalsozialisten pflegten nach “Shoulder Arms“ in ihren Presseorganen die Feindschaft zu Chaplin und nahmen dabei wenig Rücksicht auf Realitäten. So wurde der große Erfolg seiner Filme totgeschwiegen und der Komiker als “verhimmelter nigger-groteskhafter Galizier“, “hebräischer Wüstling“ oder “abgetakelten Filmjude“ bezeichnet, obwohl er keine jüdischen Wurzeln hatte. Aping hat eigens einen Anhang mit “Nationalsozialistischen Chaplin-Verunglimpfungen“ angefügt.

Liberty - Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft - Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten
Sein Buch funktioniert auf mindestens zwei Ebenen. Zum einen zeigt Aping wie in der von den Nazis gesteuerten Presse Tatsachen verdreht oder einfach nur erfunden wurden um Stimmung gegen unliebsame Zeitgenossen zu machen. Außerdem macht das Buch ganz nebenbei Appetit darauf sich einmal wieder einen Chaplin-Klassiker anzusehen um festzustellen wie zeitlos diese ebenso komischen wie menschlichen und gesellschaftskritischen Werke doch sind.

Liberty - Shtunk! Die Freiheit wird abgeschafft - Charlie Chaplin und die Nationalsozialisten
Mittlerweile hat Aping mit „Charlie Chaplin in Deutschland: 1915-1924: Der Tramp kommt ins Kino“ noch ein weiteres höchst empfehlenswertes Buch zu Thema fertig gestellt.

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Django Unchained

Schon wieder ein Tarantino-Film mit Christoph Waltz, war mein erster Gedanke zu “Django Unchained“. Doch der gebürtige Wiener Waltz, der bereits für seine Rolle in Quentin Tarantinos „Inglourious Basterds“ einen Oscar erhielt, ist das absolute Highlight der lange erwarteten Italowestern-Blaxploitation-Hommage des Kultregisseurs. Waltz, der für seine angebliche “Nebenrolle“ noch einen Oscar bekam, spielt einen gewissen Doktor King Schultz, der vorgibt Zahnarzt zu sein, aber in Wirklichkeit höchst erfolgreich mit seinem Pferd Fritz als Kopfgeldjäger durch den Wilden Westen reist.

Django Unchained

Aus rein geschäftlichen Gründen befreit Schultz den Sklaven Django, denn nur dieser kann drei seiner ehemaligen Aufseher identifizieren, auf die ein hohes Kopfgeld ausgesetzt ist. Die Zusammenarbeit zwischen Schultz und Django funktioniert so gut, dass sie eine Weile als Team auftreten, bevor der Doktor seinem Schützling dabei helfen will, dessen Ehefrau Broomhilda von Shaft aus “Candyland“, der berüchtigten Plantage von Calvin Candie, zu befreien.

Django Unchained

Leonardo DiCaprio versucht ähnlich wie Waltz seine Schurkenrolle “larger than life“ anzulegen, wirkt gegenüber dem coolen Österreicher jedoch wie ein billiger Schmierenkomödiant. Das passt zwar recht gut zu DiCaprios Rolle, doch mit weniger Leonardo und noch mehr Waltz wäre der nicht eben kurze “Django Unchained“ noch kurzweiliger. Jamie Foxx hingegen macht als Django (“Das D bleibt stumm!“) eine gute Figur, während Samuel L. Jackson als schurkischer Haussklave hinter seinem Make Up kaum zu erkennen ist.

Django Unchained

“Django Unchained“ (über)erfüllt alle an einen Tarantino-Film gerichteten Erwartungen. Es wimmelt nur so von Anspielungen, musikalischen Zitaten, Gastauftritten (natürlich auch vom Regisseur himself sowie vom Ur-Django Franco Nero) sowie dem Wort Nigger in den Dialogen. Der Auftakt des Filmes ist grandios, im Mittelteil nervt Leonardo etwas und das Ende versöhnt alle Freunde sinnloser Gewalt mit dem ansonsten eher auf clevere Dialoge setzenden Film.

Django Unchained

Mittlerweile liegt übrigens auch eine sehr schöne Comic-Adaption von “Django Unchained“ vor.

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Inglourious Basterds

Äußerst lose angelehnt an “Ein Haufen verwegener Hunde“, einen kleinen dreckigen italienischen Kriegsfilm von 1978, der in den USA unter dem Titel “Inglorious Bastards“ lief, erzählt Quentin Tarantino in fünf Kapiteln Geschichten aus dem von Deutschen besetzten Frankreich. Anders als die Trailer vermuten ließen, geht es weniger um eine großteils aus Juden bestehende US-Spezialeinheit, die möglichst brutal Nazis tötet, sondern stärker noch um ein Attentat, das in einem Pariser Kino auf die nahezu komplette NS-Führungsriege verübt werden soll.

Inglourious Basterds

Obwohl er hier ein von ihm bisher noch nicht genutztes Genre beackert, setzt Quentin Tarantino wieder auf die vertrauten Mätzchen. Der Soundtrack wurde erneut fröhlich zusammengeklaut, wechselt von Morricone zu Bowie und will – ähnlich wie die wackelnde Videokamera in Michael Manns “Public Enemies“ – nicht so recht zur in den 40erJahren des letzten Jahrhunderts spielenden Handlung passen. Endlose (aber dennoch äußerst kurzweilige) Dialogszenen enden meist mit plötzlichen (aber diesmal eher lustlos in Szene gesetzten) Gewaltexzessen, denen zuvor sorgfältig eingeführte Figuren oftmals scheinbar wahllos zum Opfer fallen.

Inglourious Basterds
Dass es hier nicht um historische Akkuratesse geht, beweist spätestens das Ende des Filmes (aber eigentlich auch schon der Titel des ersten Kapitels (“Es war einmal… in einem von Nazis besetzten Frankreich“). Es erscheint am sinnvollsten “Inglourious Basterds“ einmal mehr als eine filmische Tarantino-Wundertüte zu betrachten, die diesmal zwar erstaunlich viel unnützes Zeug (wie etwas Mike Myers knallchargigen Gastauftritt oder “Stolz der Nation“, Eli Roths ohne jegliches Gespür für die 40er Jahre inszenierten Propagandafilm im Film) enthält, aber auch etliche überraschende Momente, die wieder in die Filmgeschichte eingehen dürften. Dazu gehören ganz sicher die unglaublich intensiv ausgespielten Nazi-Schurkenrollen vom (in Cannes prämierten) Christoph Waltz, aber auch von August Diehl und Daniel Brühl.

Inglourious Basterds

“Inglourious Basterds“ ist ganz gewiss kein perfekter Film, enthält jedoch viele unvergessliche Szenen, die schon beim ersten Mal Vorfreude auf das erneute Sichten erwecken.

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Planet Terror

Einen Monat nach Quentin Tarantinos “Death Proof“ kommt mit “Planet Terror“ der Beitrag von Robert Rodriguez zum gemeinsamen “Grindhouse“-Projekt in einer verlängerten Fassung in unsere Kinos. In den USA liefen beide Filme als Double Feature und im Mittelteil wurden noch einige gefakte Trailer gereicht, die es jetzt vor “Planet Terror“ zu sehen gibt. Der große Erfolg blieb aus und manche US-Zuschauer verließen bereits nach “Death Proof“ die Kinos und warteten gar nicht mehr auf Tarantinos Beitrag. Dies ist durchaus nachvollziehbar, denn Rodriguez gelang trotz rasanter Inszenierung, zahlloser Ekel-Effekte und mitreißendem Soundtrack kein zweiter “From Dusk Till Dawn“.

Planet Terror
Robert Rodriguez erzählt einmal mehr von einem fehlgeschlagenen Experiment, das Menschen in willenlose Zombies verwandelt und von einem Haufen wilder Individualisten, die sich der Bedrohung stellen. Das Hauptproblem bei “Planet Terror“ ist, dass sich Robert Rodriguez etwas zu viel Mühe gegeben hat seinen Film mit möglichst vielen kranken Typen zu bevölkern. Diese sind auch nachdem die Zombie-Armee angreift stärker mit ihren eigenen Macken (Wie finde ich die beste Barbecue-Sauce? Bin ich Stripperin oder Komikerin?) beschäftigt als damit sich dem Horror zu stellen. Dies ist zwar eine Weile ganz interessant, fängt jedoch langsam aber sicher an zu nerven und ist vor allem nur sehr selten wirklich witzig. Dies trifft auch auf viele der reichlich übertrieben in Szene gesetzten oft eher lächerlichen Actionmomente zu, etwa wenn Freddy Rodriguez auf einem Kindermotorrad gegen Zombies kämpft oder Rose McGowan ihre Maschinengewehr-Protese als Raketenantrieb einsetzt.

Planet Terror

Während Tarantino in “Death Proof“ phantasievoll damit spielt dem Zuschauer die scheinbar arg ramponierte Kopie eines 70er-Jahre-Schundfilms vorzuführen, nutzt Rodriguez dies zwar ebenfalls recht einfallsreich zum Kaschieren von allzu harten Splatterszenen aber auch schon einmal rotzfrech dazu um einen Teil seiner Geschichte einfach nicht erzählen zu müssen. Wer sich allerdings mit gebremster Vorfreude (und abgeschaltetem Gehirn) auf “Planet Terror“ einlässt (und kein cleveres Klischee-Jonglieren wie in “Death Proof“ erwartet) dürfte dennoch seinen Spaß haben.

Planet Terror

Als DVD erscheinen zunächst zwei schön aufgemachte Editionen. Bezüglich der Extras war jedoch schade, dass hier nicht einmal der auch im Kino gezeigte gefakte Trailer “Machete“ von Robert Rodriguez (mit Danny Trejo ist mittlerweile tatsächlich eine Verfilmung entstanden) enthalten war. Doch dieser und die drei weiteren in den USA zwischen “Death Proof“ und “Planet Terror“ gezeigten getürkten Vorschauen „Werewolf Women of the SS“ von Rob Zombie (mit Nicholas Cage als Fu Manchu), „Don’t“ vom vielfältig begabten Edgar Wright („Shawn of the Dead“, „Hot Fuzz“, „Scott Pilgrim“) und „Thanksgiving“ von Eli Roth (“Hostel“) wurden erst einige Jahre später in der bestens aufgemachten DVD- und Blu-ray-Box “Grindhouse: Death Proof & Planet Terror“ nachgereicht.

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Death Proof

Nachdem er zuvor seinen Film “Kill Bill“ in zwei Teilen in die Kinos brachte, kommt nun (zumindest weltweit außerhalb der USA) mit “Death Proof“ ein neues Werk von Quentin Tarantino in die Kinos, das eigentlich nur die Hälfte einer Gemeinschaftsarbeit darstellt, die der Kultregisseur mit seinem Kumpel Robert Rodriguez unter dem Titel “Grindhouse“ in die US-Kinos brachte. Dort lief das Double Feature, das zudem im Mittelteil noch einige gefakte Trailer enthält, nur recht moderat und manche Zuschauer verließen bereits nach Robert Rodriguezs “Planet Terror“ die Kinos und warteten gar nicht mehr auf Tarantinos Beitrag.

Death Proof
Um als eigenständiger Kinofilm bestehen zu können, wurde “Death Proof“ noch um 30 Minuten gestreckt, was etwas seltsam anmutet bei einem Film, der kunstvoll mit abgehackten Übergängen und kurzen scheinbar fehlenden Szenen spielt. Tarantino hat sich nicht nur inhaltlich an Autojagd-Filmen wie “Fluchtpunkt St. Franzisko“ oder “Mad Max“ orientiert.

Death Proof

„Death Proof“ wirkt durch vermeidlich schlechtes Filmmaterial und verwaschene Farben tatsächlich so als wenn ein 70er-Jahre-Vorstadtkino die abgenudelte Kopie (eine Spule enthält anscheinend sogar nur schwarzweißes Filmmaterial) eines billigen Actionfilms zeigt. Vor allem in der ersten Hälfte ist “Death Proof“ äußerst dialoglastig, wobei sich Tarantino etwas zu ausführlich – aber sehr eifrig – darum bemüht, zu zeigen, dass Mädels genauso vulgär wie Kerle sein können.

Death Proof
Doch urplötzlich entwickelt das Ding ein irrsinniges Tempo und die Geschichte vom Serial-Straßen-Killer Stuntman Mike (Paraderolle für Kurt Russell), der an einige taffe Chicks gerät mit denen nicht zu spaßen ist, legt tüchtig (je beinahe ultimativ) an Fahrt zu. Tarantino drehte die abschließende Auto-Action-Jagd ganz ohne Tricks und hatte die glänzende Idee der auch schauspielerisch talentierten neuseeländischen Stuntfrau Zoë Bell die Rolle der neuseeländischen Stuntfrau Zoë zu geben, was sich in einigen atemberaubenden Szenen niederschlägt. Der abrupte aber konsequente Schluss macht diese Trash-Hommage zu einer runden Sache bei der es rund geht.

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Jackie Brown

Mit Schwarzgeld wird Jackie Brown am Flughafen gestellt. Das FBI wittert die große Chance, durch Jackies Aussage einen Schmuggler-Ring auszuheben. Die Cops sind bereit, Jackie laufen zu lassen, wenn sie den Namen ihres Auftraggebers preisgibt. Die Entscheidung fällt ihr schwer, denn Ordell Robbie, ihr Boss und Drahtzieher der dubiosen Waffen-Schmuggel-Geschäfte, würde sie umbringen, wenn er Wind von einem Deal mit dem FBI bekäme. Bevor sie sich entscheiden kann, kommt alles ganz anders: Sie lernt den Kautionsvermittler Max Cherry kennen. Die beiden schmieden einen Plan, und plötzlich hat Jackie die Idee, wie es ihr gelingen könnte, Ordell gegen die Polizei auszuspielen…

Jackie Brown
Die Einflüsse von „Reservoir Dogs“, „Pulp Fiction“ und auch von „From Dusk Till Dawn“ auf alle möglichen Bereiche der Kultur sind ja immer noch nicht voll abzuschätzen, man denke nur an Comics wie „Stray Bullets“ oder „Preacher„. Entsprechend hoch waren seinerzeit natürlich die Erwartungen an Quentin Tarantinos dritten Film „Jackie Brown“. Doch hier konnte Entwarnung gegeben werden. Nur einige beinharte Tarantino-Jünger werden diesem zweieinhalbstündigen Werk das Prädikat „Kult“ umhängen.

Jackie Brown

In erster Linie ist das Ding eine ziemliche Quassel-Orgie (immerhin hat sich Tarantino von Spike Lee doch nicht den Gebrauch des Wortes „Nigger“ ausreden lassen) mit nur wenigen lichten Momenten (so z. b. dem hübschen offenen Ausklang mit der coolen Pam Grier und dem melancholischen Robert Forster) und Brechungen (wie z. B. den halbherzigen Spielereien mit der Erzählzeit am Ende des Filmes). Schmerzhaft fällt auch auf, dass Robert De Niro an der Seite von Samuel L. Jackson nur ein schwacher Ersatz für John Travolta ist und dass Tarantino durchaus in der Lage ist, auch ultraschlechte Musik aus den siebziger Jahren auszuwählen.

Jackie Brown

Ich muss allerdings zugeben, dass bei einer erneuten Sichtung des Films neun Jahre nach dessen Entstehung, so ganz ohne allzu hohe Erwartungen, „Jackie Brown“ recht entspannt rüber kommt. Insgesamt wirkt der Film sogar reifer und erwachsener als alle anderen Werke von Tarantino.

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