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Walt Disney: Fantasia 2000

Am 17. Dezember 1999 hatte in der New Yorker Carnegie Hall eine neue Version von „Fantasia“ Premiere. Bereits Walt Disney plante 1940 seinen mit klassischer Musik versehenen Trickfilm-Episodenfilm immer wieder neu aufzuführen und dabei um frisch gezeichnete Episoden zu ergänzen. „Fantasia 2000“ enthält nun nur noch eine Episode aus dem alten Film: Die Geschichte mit Micky als Zauberlehrling, der zugleich auch das zentrale Kernstück des alten Filmes darstellt. Ursprünglich war auch noch vorgesehen, die Jahreszeiten-Wechsel-Episode zu Tschaikowskis „Nussknacker-Suite“ mit in die neue Version aufzunehmen.

Walt Disney: Fantasia 2000

Die Musik (mit Ausnahme vom „Zauberlehrling“, denn hier wurde Leopold Stokowskis alte Version akustisch aufpoliert) hat diesmal James Levine mit dem Chicago Symphonie Orchester eingespielt. Levine führte nach der Premiere in New York Ende 1999 auch noch Live-Aufführungen des Filmes mit Orchester in London, Paris und Tokyo durch. „Fantasia 2000“ lief zunächst für vier Monate auf den Großleinwänden ausgewählter IMAX-Kinos.

Walt Disney: Fantasia 2000
Hier die einzelnen Episoden im Überblick:

1. Episode
Musik: Ludwig van Beethoven: „Symphonie Nr. 5, erster Satz“
Regie und Design: Pixote Hunt
Anmoderation: Izhak Perlman
Länge: 3 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Genau wie der Film aus dem Jahre 1940 gibt es hier auch am Anfang eine Episode mit abstrakten Bildern zu getragener klassischer Musik. Damals war es Bachs „Toccata und Fuge in G-moll“, jetzt ist es Beethoves Fünfte. Die Bilder sind diesmal jedoch nicht sonderlich visionär. Mal plätschert buntes Wasser und mal formieren sich Unmengen von Dreiecken zu schmetterlingsartigen Gebilden.

2. Episode
Musik: Ottori Respighi: „Pini di Roma“
Regie: Hendel Butoy
Anmoderation: Steve Martin
Länge: 10 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Auch noch nicht der ganz große Knaller. Grob am Computer animierte Walfische fliegen (!) mit Möwen um die Wette. Ein kleiner Walfisch verirrt sich, findet seine Eltern wieder und fliegt im Finale mit noch mehr Walfischen durch die kitschige bunte Eisberglandschaft.

3. Episode
Musik: George Gershwin: „Rhapsody in Blue“
Regie: Eric Goldberg
Anmoderation: Quincy Jones
Länge: 13 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Zu Gershwins toller und abwechslungsreicher Musik erleben mehrere Großstädter einen turbulenten Tag im konsequent im Stil des Karikaturisten Al Hirschfeld durchgestylten New York der dreißiger Jahre. Der mal komische mal rührende Trickfilm wirkt zwar eher wie aus den fünfziger Jahren, als Studios wie UPA mit ganz schlichten Figuren Disney Konkurrenz machten, hinterläßt aber insgesamt einen sehr angenehmen Eindruck.

4. Episode
Musik: Dimitri Schostakowitsch: „Piano Konzert Nr. 2, Allegro, Opus 102“
Regie: Hendel Butoy
Anmoderation: Bette Midler
Länge: 7 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Auch hier hat der Computer wieder zugeschlagen und insgesamt etwas unbefriedigende Version von Hans Christian Andersens Märchen „Der standhafte Zinnsoldat“ geschaffen. Neben den nicht sonderlich gut gestalteten Figuren nervt vor allem, das auch hier (genau wie beim ebenfalls auf Andersen basierenden Disney-Film „Arielle, die Meerjungfrau„), ein kitschiges Happy End herangepappt wurde. Dies wäre bei einem Kurzfilm zu getragener klassischer Musik nicht wirklich nötig gewesen und verfälscht die Vorlage.

5. Episode
Musik: Camille Saint-Saens: „Der Karneval der Tiere, Finale“
Regie: Eric Goldberg
Anmoderation: James Earl Jones
Länge: 2 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Das Gegenstück zum „Tanz der Stunden“ der Ballett-Szene mit Nilpferden und Krokodilen aus dem ersten Film. Hier wurde zunächst die Frage gestellt, was passiert, wenn ein Strauß einen Jojo erhält. Disney-Chef Michael Eisner bevorzugt jedoch Flamingos, also neues Casting. Bemerkenswert ist neben der „Länge“ von nur zwei Minuten noch die Tatsache, dass an diesem ganz lustigen Filmchen der 91-jährige Disney-Veteran Joe Grant bei dem Entwurf der Figuren mitgewirkt hat.

6. Episode
Musik: Paul Dukas: „Der Zauberlehrling“
Regie: James Algar
Anmoderation: Penn und Teller
Länge: 10 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Hier nun noch einmal die beste Episode aus dem alten Film um den Zauberlehrling Mickey und die Geister die er rief und nicht wieder loswurde. Die Zeichnungen wirken auf der riesigen Imax-Leinwand manchmal etwas klobig, aber ganz unverkennbar handelt es sich um ein in künstlerischer Handarbeit gefertigtes absolutes Trickfilm-Juwel.

7. Episode
Musik: Sir Edward Elgar: „Pomp and Circumstances – Märsche 1, 2, 3 und 4“
Regie: Francis Glebas
Anmoderation: Michey Mouse und James Levine
Länge: 6 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Was „Der Zauberlehrling“ für Mickey bedeutete, soll dieser Film nun für Donald werden. Als Helfer von Noah sucht er die gerade abgelegte Arche nach seiner geliebten Daisy ab. Im glatten Stil von „Der König der Löwen“ gefertigt und viel zu hektisch erzählt, kann diese Episode leider nur tricktechnisch überzeugen. Die pompöse nicht immer passende Marschmusik hat übrigens der damalige Disney-Vorstand Michael Eisner höchstpersönlich ausgesucht.

8. Episode
Musik: Igor Strawinsky: „Der Feuervogel, Suite – Version von 1919“
Regie: Gaetan und Paul Brizzi
Anmoderation: Angela Lansbury
Länge: 9 min

Walt Disney: Fantasia 2000

Das absolute Highlight unter den neuen Episoden. Eine Frühlingsfee kämpft gegen einen als Raubvogel dargestellten ausbrechenden Vulkan. Der Film hat einen sehr eigenen Stil, der mehr an den japanischen Trickfilm „Prinzessin Mononoke“ und weniger an die Konfektion aus dem Hause Disney erinnert. Der leider nur sehr kurz zu sehende und beeindruckend animierte Feuervogel ist etwas an den Höllenfürsten aus der abschließenden „Eine Nacht auf dem kahlen Berge“-Episode des ersten Filmes angelehnt.

Walt Disney: Fantasia 2000

Fazit:
Die einzelnen Episoden werden durch Showbiz-Größen anmoderiert. Dies ist oft ein wenig nervig und nicht wirklich nötig. Insgesamt ist „Fantasia 2000“ etwas zu sehr an die Gestaltung und Struktur des ersten Filmes angelehnt und leider nur selten wirklich beeindruckend, wobei es heute sicherlich sehr viel schwerer ist, noch neue und unverbrauchte Bilder zu finden.

Walt Disney: Fantasia 2000

Während die DVD eher spärlich ausgestattet ist, bietet die Blu-ray als Bonus noch den Salvador Dali Film “Destino“ und eine sehr ausführliche spielfilmlange Dokumentation zu diesem 1945 begonnenen und 2003 fertig gestellten Kurzfilm!

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Walt Disney: Pinocchio

Schon mit seinem nach „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ zweiten abendfüllenden Zeichentrickfilm schuf Walt Disney ein absolutes Meisterwerk. Diese Mischung aus technischer Brillanz, atmosphärischer Dichte, unglaublicher Liebe zum Detail und mitreißender Erzählweise sollte im Bereich des Trickfilms weder von ihm noch von seinen Konkurrenten je wieder erreicht werden.

Walt Disney: Pinocchio

In der Geschichte um die zum Leben erwachte Holzpuppe hält sich der Kitsch in vertretbaren Grenzen. Dauerhaft in Erinnerung bleiben die Szenen im düsteren Vergnügungspark und die unglaublich spannenden Szenen mit Monstro dem Wal. Selbst Steven Spielberg, der sich in seinen Filmen wie „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ oder „A.I. – Künstliche Intelligenz“ immer wieder als ganz großer „Pinocchio“-Fan outete, sollte es in „Der weiße Hai“ nicht gelingen noch spannendere Seemonster-Attacken in Szene zu setzten.

Walt Disney: Pinocchio

Leider wird es wohl nur noch sehr selten die Möglichkeit geben „Pinocchio“ in seiner ganzen Pracht auf einer riesigen Leinwand zu erleben. Diese DVD ist dafür kein vollwertiger Ersatz, wurde aber sorgfältig restauriert und jetzt auch noch mit ansprechendem Bonusmaterial garniert. Zum Glück wurde keine neue Tonfassung erstellt, sondern die gelungene klassische deutsche Synchronisation mit Sprechern wie Georg Thomalla oder Harald Juhnke erklingt in Dolby 5.1. Wer dieses Meisterwerk bisher noch nicht gesehen hat, sollte dies dringend nachholen!

Walt Disney: Pinocchio
Bonusmaterial der Blu-ray der “Platinum Edition: Audiokommentar von Leonard Maltin, Eric Goldberg und J. B. Kaufman, wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln und auf Blu-ray auch als Bild-im-Bild möglich; „Auf der Leinwand zum Leben erweckt: Das Making Of von Pinocchio“ (56:04 min); Drei zusätzliche Szenen als vertonte Storyboards (10:33 min); Walt Disneys Vorführraum: Die „Sweatbox“ (6:25 min);“Geppetto damals und heute“ (10:57 min), Bericht über Spielzeugmacher; Filmaufnahmen: Reale Vorbilder für die Animation (9:55 min); „Pinocchio Kunstgalerie“ (teilweise mit Videos): Entwicklung des Designs – Das Design von Gustaf Tenggren – Design der Figuren – Modelle – Hintergründe & Layouts – Storyboards – Bilder aus der Produktion; Eine Kollektion von Kino-Trailern; Original Kinotrailer 1940 (1:52 min), Kinotrailer 1984 (1:25 min), Kinotrailer 1992 (1:31 min); Zusätzlicher Song: „Der ehrenwerte John“ (2:37 min); „Pinocchios wissenswerte Kleinigkeiten“ – wahlweise können deutsche Texttafeln mit Infos eingeblendet werden; Disneys Liederauswahl – Direktzugriff zu den Liedern; Musikvideo: „When You Wish Upon A Star“ von Meghan Jette Martin (3:07 min); Pinocchio Puzzles Auf der Blu-ray können wenn Disney View angewählt wird, auf 16:9-Geräten im rechten und linken Bereich anstelle der schwarzen Balken neben dem 4:3-Bild sogenannte “Schmuckornamente“ eingeblendet werden.  Auf der alten „Pinocchio„-DVD-Edition waren neber einer deutschen dts-Tonspur noch zwei Kurzfilme mit Jiminy Grille enthalten: “Spaß haben und dabei auch sicher sein!“ (“I´m no Fool – Having Fun“, 1956) und “Was man über Feuer wissen muß!“ (“I´m no Fool with Fire“, 1955)

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Es ist kompliziert

Es ist immer wieder eine Herausforderung für US-amerikanische Schauspielerinnen in britischen Filmen eine Einheimische zu spielen, kann aber auch zu sehr interessanten Resultaten führen. Man denke nur an Renée Zellweger in Bridget Jones, Anne Hathaway in Geliebte Jane oder Gwyneth Paltrow in ihrer Oscar-prämierten Hauptrolle in Shakespeare in Love. Dies ist jedoch alles nichts gegen die gebürtige New Yorkerin Lake Bell (Love Vegas, Surface), der in Es ist kompliziert das Kunststück gelingt in einer britischen Komödie noch komischer als Simon Pegg (Shawn oft he Dead) zu sein.

Es ist kompliziert

Fairerweise muss allerdings angemerkt werden, dass die von Lake Bell verkörperte Nancy die Hauptfigur des Films ist. Die Mittdreißigerin hat es eigentlich bereits aufgegeben noch daran zu glauben eines Tages den richtigen Mann zu treffen. Doch durch widrige (aber sehr lustig konstruierte) Umstände hat sie plötzlich ein nicht für sie bestimmtes Blind Date. Nancy findet Jack (Simon Pegg) amüsant und sympathisch, daher lässt sie sich darauf ein, mit ihm durch London zu ziehen. Dabei erfahren Nancy und Jack erschreckend viel (oft auch erschreckendes) über den jeweils anderen. Wohl auch gerade deshalb fühlen sie sich – wenn sie nicht gerade streiten – immer stärker zueinander hingezogen.

Es ist kompliziert

Die sich über einen Zeitraum von wenig mehr als 24 Stunden erstreckende Handlung dient in erster Linie dazu als roter Faden für eine Unmenge von witzigen Dialogen und peinlichen Situationen zu dienen. Stärker noch als romantische Komödien aus den USA stürzt sich der Film ins authentisch anmutende Nachtleben, lässt die Hauptfiguren Unmengen von Alkohol konsumieren und sich fröhlichen Wahrheiten oder Vulgäres um die Ohren hauen. Das Resultat ist ein ganz großer Spaß, der im Gegensatz zu anderen romantischen Komödien nicht nur romantisch, sondern auch wirklich komisch ist.

Es ist kompliziert

Die DVD von Studiocanal enthält neben dem 84-minütigen Film noch ein ebenso informatives wie amüsantes Making of (38:55 min, wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), ein kurzes aber sehr witziges Interview mit Simon Pegg und Lake Bell (3:56 min), eine Gag Reel (6:04 min) und den deutschen Trailer (2:19 min)

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Die Peanuts – Der Film

35 Jahre nachdem sie in “Gute Reise, Charlie Brown“ zu einem Europa-Trip aufbrachen, kehren Charles M. Schulz‘ “Peanuts“ auf die Kinoleinwand zurück.

Die Peanuts – Der Film

Zuvor gab es auch bereits einen Neustart der klassischen Comic-Serie, der sich allerdings stärker an den ab 1965 im TV gezeigten Zeichentrick-Specials orientierte als an den schwarzweißen Zeitungsstrip. Diese sehr simpel aber äußerst werkgetreu umgesetzten 22-minütigen Episoden sind auch die Haupt-Inspirationsquelle für den computeranimierten Kinofilm.

Die Peanuts – Der Film
Die TV-Specials überzeugten durch gutes Timing und den jazzigen Soundtrack von Vince Guaraldi. Dessen manchmal auch etwas sentimentale Musik ist leider nur sehr gelegentlich im neuen Kinofilm zu hören, da dieser sehr hektisch erzählt ist. Es wurde versucht möglichst viele typische Peanuts-Momente in den Film zu packen. Als roter Faden wird geschildert wie Charlie Browns sich in seine neue Klassenkameradin verliebt, doch er traut sich nicht das kleine rothaarige Mädchen anzusprechen.

Die Peanuts – Der Film

Neben dieser Love Story dominieren auch noch Snoopys Tagträume den Film. Der Beagle tritt hier als Kampfpilot im Ersten Weltkrieg gegen den roten Baron an. Diese Sequenzen wurden nach allen Regeln der modernen Computeranimation turbulent in Szene gesetzt und für sich betrachtet funktioniert dieser Teil des Films ganz gut.

Die Peanuts – Der Film

Wenn sich Charlie Brown und seine Freunde hingegen durch die aufwändig am Rechner zusammengebastelte Vorstadt-Welt bewegen, sieht dies recht gewöhnungsbedürftig aus. Die Kinder wurden als plastische Figuren modelliert und ihre Kleidungsstücke sowie die Haare wirken fotorealistisch. Die Gesichter hingegen sehen so aus, als hätte Charles M. Schulz sie höchstpersönlich auf die plastischen Figuren gekritzelt. Dies gilt auch für immer mal wieder auftauchenden Speedlines oder Gedankenblasen.

Die Peanuts – Der Film

Das Resultat ist ein etwas uneinheitlich gestalteter und erzählter Animationsfilm, der vielleicht dazu führen könnte, dass der eine oder andere Besucher zur sehr viel besseren Comicvorlage greift.

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The Transporter Refueled

Mit dem immer korrekt gekleideten prinzipientreuen Transporter Frank Martin schuf Produzent und Drehbuchautor Luc Besson 2002 einen soliden Kino-Actionhelden. Der Brite Jason Statham verkörperte den risikobereiten Kurier-Fahrer in drei Filmen und wurde durch die Rolle zum Action-Star. Der Part wurde neu besetzt, nachdem es Statham ablehnte einen Vertrag über drei weitere Transporter-Filme zu unterschreiben, ohne zuvor etwas über die Drehbücher zu erfahren.

The Transporter Refueled

Zuvor hatte bereits in einer kurzlebigen nach 24 Episoden abgesetzten TV-Serie der australische Schauspieler Chris Vance den Transporter gespielt, der nur vier Jahre jünger als Statham ist. Iim Kino-Neustart erhielt die Hauptrolle der knapp 20-jährige britische Rapper Ed Skrein. Dieser macht hinter seinem Dreitagebart einen ganz sympathischen Eindruck, doch es mangelt ihm ganz im Gegensatz zu Statham und selbst zu Vance erheblich an Charisma. Daher hat der Transporter in seinem vierten Film – genau wie Indiana Jones in seinem dritten Kino-Auftritt- auch noch seinen Vater mitgebracht, der ihn permanent “Junior“ nennt…

The Transporter Refueled

Frank Martin Sr. wird von Ray Stevenson verkörpert. Nach seinem Durchbruch als Titus Pullo in der HBO-Serie Rom hat Stevenson zahlreiche interessante Rollen übernommen. So war er 2008 in der nur bedingt gelungenen Marvel-Verfilmung Punisher: War Zone der wohl glaubhafteste Darsteller von Frank Castle, der zum einsamen psychopathischen Rächer wird. Die Szenen in The Transporter Refueled in denen Ray Stevenson richtig Gas geben kann, sind die Höhepunkte des Films, egal ob er lässig eine teure Flasche Wein kauft, mit mehreren Frauen ins Bett geht oder über die hochgezüchtete nutzlose Kaffeemaschine seines Sohns lästert und cool bleibt, nachdem sich diese als Saftpresse entpuppt.

The Transporter Refueled

Auch in Sachen Action braucht sich The Transporter Refuled nicht hinter den anderen Kinofilmen der Reihe zu verstecken. Die Verfolgungsjagden entlang der südfranzösischen Küste haben Drive und Ed Skrein legt einige hübsch choreographierte Kämpfe hin, wobei es besonders beeindruckt, wie virtuos er Schubladen im Nahkampf einsetzten kann. Die Gesamtdramaturgie des Films überzeugt jedoch weniger. Zwar stimmt die Chemie zwischen Frank Martin Senior und Frank Martin Junior, auch die Beziehung zu den hübschen als diebische Girl-Group agierende Hauptdarstellerinnen, die sich an ihrem ehemaligen Zuhältern rächen wollen, funktioniert.

The Transporter Refueled

Doch im großem Finale wechselt grundlos die leicht-lockere Tonart und die bleihaltige Ballereien (Vorsicht Spoiler!) überleben nur wenige der Hauptfiguren. Bei einem Budget von etwas über 20 Millionen Dollar und einem dreieinhalbmal darüber liegenden Einspielergebnis, kann The Transpoter Refuled ganz gewiss nicht als Flop bezeichnet werden. Wenn sich alle Beteiligten (außer Ray Stevenson) noch etwas mehr Mühe geben, ist die Aussicht auf ein Wiedersehen mit dem neuen Transporter durchaus wünschenswert!

The Transporter Refueled

Die DVD von Universum Film enthält neben dem 92-minütigen Hauptfilm noch die Dokus “Beschleunigung von 0 auf 100“ (5:24 min, wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), “Frank Martin – Held wider Willen“ (8:51 min),“Coole Action, coole Girls“ (5:17 min), drei insgesamt 4-minütige Promo Clips, Interviews mit Ed Skrein (3:11 min), Ray Stevenson (2.59 min), Loan Chabanol (1:47 min), Tatjana Pajković (2:21 min), Yu Wenxia (1:08 min), Noémie Lenoir (1:25 min) und Gabriella Wright (1:50 min) sowie den deutschen Trailer (2:00 min)

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Punisher: War Zone

Marvels wohl realistischster “Superheld“ stand zuvor bereits im Zentrum von zwei Kinofilmen. Bereits 1989 wurde er in einem B-Picture von Dolph Lundgren verkörpert, während 2004 der etwas blasse Thomas Jane als Punisher gegen einen von John Travolta mit gebremster Energie verkörperten Gangsterboss antrat. Hauptproblem dieser sich ausgiebig bei den mitreißenden Punisher-Comics von Garth Ennis bedienender Verfilmung war jedoch, dass die Geschichte nicht in New York, sondern in Florida angesiedelt war. Die War Zone des Punishers ist jedoch eindeutig der Big Apple. Hier wurden im Central Park seine Ehefrau und Kinder von Gesetzlosen umgebracht und hier ist er seitdem dabei Verbrecher möglichst ultimativ zu bestrafen.

Punisher: War Zone

Mit Ray Stevenson wurde ein Darsteller gefunden, der ganz im Gegensatz zu Jane (aber nicht zu Lundgren) es überhaupt nicht nötig hat den Härte-Typen zu spielen. Der gebürtige Nordire war bereits in der HBO-Serie Rom äußerst glaubhaft als ein zu allem fähiger Legionär. Auch als Punisher gelingen Stevenson trotz klobiger Körperlichkeit kurze Anfälle von Sensibilität. Das Drehbuch ermöglicht ihm dies dadurch, dass Frank Castle alias The Punisher bei einem rabiaten Bestrafungsalleingang einen sich im Undercover-Einsatz befindlichen FBI-Agenten tötet. Danach fühlt er sich für dessen von der Unterwelt bedrohten Witwe und Tochter verantwortlich.

Punisher: War Zone

Punisher: War Zone wurde von Frauen inszeniert (von der in Mannheim geborenen Lexi Alexander) und produziert (von Gale Anne Hurd, der Ex-Frau von James Cameron), ist aber in erster Linie ein knallharter Actionstreifen für Jungs, prall gefüllt mit Klopper- und Ballereien. In den USA spielte die 35-Millionen-Dollar-Produktion nur ein knappes Viertel ihrer Kosten wieder ein und kam daher gar nicht erst in unsere Kinos. Das lag vielleicht auch an einigen satirischen Momenten, die gewisse Gemüter als antiamerikanisch empfinden mögen. So rekrutiert der Oberschurke Jigsaw, den Dominic West (The Affair) recht entfesselt als Mischung aus Joker und Two-Face spielt, zu patriotischer Musik seine Spießgesellen direkt von der Straße und verspricht ihnen – ähnlich wie das US-Militär – ein Studium und keinen Einsatz im Irak.

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Star Wars: Das Erwachen der Macht

Beim Betrachten von “Jurassic World“ kam unweigerlich die Frage auf, warum erst zwei eher schwache Fortsetzungen zu Spielbergs Dino-Blockbuster auf die Zuschauer losgelassen wurden, bevor endlich ein wirklich interessantes Sequel folgte. Ähnlich sieht es bei “Star Wars“ aus, denn spätestens jetzt muss sich George Lucas fragen lassen, ob es wirklich eine gute Idee war, gleich drei Prequels in die Kino zu bringen, in denen eigentlich nur erzählt wurde, warum Luke Skywalkers Papi zum Träger einer schwarzen Maske wurde.

Star Wars: Das Erwachen der Macht
© 2016 & Trademark Lucasfilm Ltd. All rights reserved.

Es ist nicht wirklich überraschend festzustellen, dass die weiteren Abenteuer von Luke, Han Solo und Prinzessin Leia eine sehr viel bessere Grundlage für einen neuen “Star Wars“-Film bilden. Die Handlung von “Das Erwachen der Macht“ spielt 30 Jahre nach “Die Rückkehr der Jedi Ritter“.  Mark Hamill, Harrison Ford und Carrie Fisher sind tatsächlich um 32 Jahre gealtert. Daher ist es  sehr charmant, dabei zusehen, wie die nicht mehr ganz jungen Darsteller in ihren legendären Rollen auf die Leinwand zurückkehren.

Star Wars: Das Erwachen der Macht
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Besonders viel Spaß macht dies beim mittlerweile 73-jährigen Harrison Ford, der bei seinen letzten Kino-Auftritten immer wie ein genervter alter Mann wirkte. Wenn Ford jedoch versucht mit seinem zerknautschten Gesicht, das selbe freche Han-Solo-Grinsen wie Anno 1977 zustande zu bringen, dann ist dies ein großer Moment, der durch die 3D-Fotographie noch gewinnt. Die alten Stars sind nicht wie befürchtet Nebenfiguren, sondern innerhalb der Geschichte genauso wichtig, wie die britischen Newcomer Daisy Ridley als schrott-sammelnde Hoffnungsträgerin Rey und John Boyega (“Attack the Block“) als ehemaliger Stormtrooper Finn, sowie BB-8, der neue Stern am Roboter-Himmel.

Star Wars: Das Erwachen der Macht
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Die Spezialeffekte sind natürlich allererste Sahne, es ist aber auch zu spüren, dass viele der Bauten und außerirdischen Kreaturen vom Film-Team tatsächlich in Originalgröße zusammen gebastelt wurden. Das Drehbuch hat Regisseur J. J. Abrams gemeinsam mit Michael Arndt (“Little Miss Sunshine“) und George-Lucas-Urgestein Lawrence Kasdan (“Das Imperium schlägt zurück“, “Jäger des verlorenen Schatzes“) verfasst, und der Soundtrack stammt natürlich wieder von John Williams. Es gibt zwar viele Anspielungen auf die großen Momente der klassischen Trilogie (gemeint sind natürlich nicht Episode I bis III), doch meistens gelingt es einen neuen Blick auf die alten Geschichten zu werfen, ohne dass so radikal erneuert wurde, wie Abrams dies in seinen beiden nicht unumstrittenen Star Trek Kinofilmen machte.

Star Wars: Das Erwachen der Macht
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Meiner Meinung nach ist “Das Erwachen der Macht“ gelungenerer als “Die Rückkehr der Jedi Ritter“ und daher der drittbeste Star-Wars-Film.

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Auch beim zweiten Sichten in Heimkino macht “Das Erwachen der Macht“ viel Spaß und das Bonusmaterial auf der Blu-ray kann sich ebenfalls sehen lassen. Etwas enttäuschend sind die sieben nicht verwendeten Szenen. Diese sind im Einzelnen zwar nicht uninteressant, haben jedoch insgesamt nur eine Länge von 4 Minuten und werden nur in mäßiger Bildqualität mit einkopierten Timecode präsentiert. Ganz hervorragend ist hingegen ein ausführlicher 69-minütiger ausführlicher Bericht über alle Aspekte der Produktion vom Making-Of-Papst Laurent Bouzereau!

Star Wars: Das Erwachen der Macht
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Die Blu-ray enthält neben dem 138-minütigen Film auf einer zweiten Scheibe noch zusätzliche Szenen (4:15 min, wie alle übrigen Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln); Die Geheimnisse hinter “Das Erwachen der Macht“ (69:14 min); Drehbuchlesung der Schauspieler (4:01 min); Die Entwicklung von BB-8 (6:03 min); Kreaturen erschaffen (9:34 min); Der Lichtschwert-Kampf im Schnee (7:02 min); John Williams: Die siebte Sinfonie (6:57 min); ILM: Die visuelle Magie der Macht (7:55 min): UNICEF-Initiative „Force For Change“ (3:22 min)

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Liebe in den Wirren des Krieges

1943 in Weißrussland: Eine deutsche SS-Einheit besetzt ein Dorf. Der junge Soldat Franz verliebt sich in die hübsche 16-jährige Polina und auch seine Kameraden genießen das idyllische Dorfleben. Doch dann werden sie plötzlich von der Realität des Krieges eingeholt. Das ganze Dorf soll liquidiert werden. Franz erhält den Befehl, Polina zu erschießen. Er weigert sich und flieht mit ihr. Verfolgt von deutschen Soldaten und weißrussischen Partisanen kämpfen sie gemeinsam um ihr Überleben…

Liebe in den Wirren des Krieges

Adrian Topol, der kurz darauf im Semi-Werbefilm “Snipers Valley – Mörderischer Frieden“ einen relativ zackigen Bundeswehrsoldaten verkörpern sollte, überzeugt in dieser russischen Produktion als sensibler Soldat der Waffen-SS. Ihm zur Seite steht Svetlana Ivanova, die Polina so zupackend und selbstbewußt verkörpert, dass sofort klar wird warum sich Franz in sie verliebt.

Liebe in den Wirren des Krieges

Der Film, der zuvor unter dem Titel “Franz + Polina“ vermarktet wurde, überrascht dadurch, dass hier weder das hohe Lied vom Großen Vaterländischen Krieg der Roten Armee gesungen wird noch (alle) deutschen Soldaten als blindwütige Mörder darstellt werden. Gelegentlich fast poetisch erzählt Mikhail Segal in sanften Sepiatönen von den Schrecken des Krieges aber vor allem von der Wichtigkeit völkerübergreifender Freundschaft und Liebe.

Liebe in den Wirren des Krieges

Die DVD von Savoy Film enthält neben dem 97-minütigen Film noch ein Making Of (38:12 min, wahlweise mit deutschen Untertiteln) und einen Trailer (1:16 min)

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Snipers Valley – Mörderischer Frieden

Zunächst entsteht ein wenig der Eindruck die Produzenten von “Mörderischer Frieden“ hätten ihre Darsteller zwangsverpflichtet, denn die Akteure in Uniform leiern ihre Texte arg lustlos herunter. Doch die Hauptdarsteller Adrian Topol, der kurz darauf in “Liebe in den Wirren des Krieges“ einen in eine Russin verliebten Wehrmachts-Soldaten spielen sollte, und Max Riemelt (“Der rote Kakadu“) geben sich zum Glück deutlich mehr Mühe.

Snipers Valley - Mörderischer Frieden

Sie spielen Tom und Charly, die 1999 bei der KFOR-Friedenstruppe im Kosovo stationiert sind. Die beiden befreundeten Bundeswehrsoldaten retten die Serbin Mirjana vor dem halbwüchsigen albanischen Heckenschützen Durcan. Während sich Charly zu Mirjana hingezogen fühlt, schwärmt diese eher für dessen Freund. Tom findet heraus, dass Mirjanas Vater für serbische Massaker an den Albanern verantwortlich war. Er versucht dem kleinen Durcan zu helfen und weitere Anschläge der Albaner zu vereiteln.

Snipers Valley - Mörderischer Frieden

So selbstverständlich wie deutsche Auslandseinsätze sind Bundeswehrsoldaten im Kino noch lange nicht. Daher ist “ Snipers Valley – Mörderischer Frieden“ (der kurz nach der Militärklamotte “Kein Bund fürs Leben“ im Kino startete) als erster Stoßtrupp zu verstehen und betritt eher vorsichtig das unbekannte Terrain. Es kann durchaus Entwarnung gegeben werden, denn ein Werbefilm für die Bundeswehr ist “Mörderischer Frieden“ nicht. Im Gegensatz zu US-Militärspektakeln wird hier weniger mit technischen Geräten geprotzt, sondern relativ vielschichtig über den Sinn von Friedensmissionen reflektiert. Wenn künftige Bundeswehr-Filme mit ihrem Thema ähnlich behutsam umgehen braucht niemand bange zu sein, denn auf deutsche Varianten zu “Top Gun“ kann hingegen getrost verzichtetet werden.

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Star Trek – Die Zukunft hat begonnen

Nachdem die Star-Trek-Kinoauftritte meist wie galaktische Butterfahrten vergreister Raumschiffbesatzungen wirkten, überrascht J. J. Abrams (“Lost“, “Mission: Impossible 3“, „Star Wars – Das Erwachen der Macht„) im elften Film mit einem ebenso radikalen wie traditionsbewussten Update des zuletzt etwas in Vergessenheit geratenen Science-Fiction-Mythos. Äußerst nah an der klassischen TV-Serie orientierte (aber nie angestaubt wirkende) Momente wechseln mit erschreckend drastischen Veränderungen im vertrauten Starfleet-Kosmos.

Star Trek - Die Zukunft hat begonnen

Das schlicht “Star Trek“ genannte Werk beginnt konsequenterweise mit der dramatischen Geburt von James Tiberius Kirk, der mitten in einer galaktischen Schlacht zur Welt kommt. Der junge Kirk wird danach von Chris Pine äußert temperamentvoll und charismatisch als eine Mischung aus jugendlicher Rebell und Luke Skywalker gespielt, der genau wie Spock (Idealbesetzung: “Heroes“-Schurke Zachary Quinto) sofort begeistert ist von Uhura (sehr sexy: Zoe Saldana). Für einige komödiantische Glanzlichter sorgen Simon Pegg (“Shaun of the Dead“) als Scotty und Anton Yelchin, der als Pavel Andreievich Chevov mit Spracherkennungsprogrammen zu kämpfen hat.

Star Trek - Die Zukunft hat begonnen

Sehr viel mehr als einen Gastauftritt liefert Leonard Nimoy. Dieser scheitert als alter Spock bei dem Versuch den Planeten Romulus zu retten und löst dadurch den Zeitreise-Rachfeldzug des Romulaners Nero (Eric Bana) aus. Dies sorgt für allerlei tragische Verwicklungen aber auch dafür, dass der Mythos von Kirk, Spock und dem Raumschiff Enterprise auf eine aufregende Art noch einmal neu interpretiert werden kann.

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