Sehnsucht nach Paris ist weder ein Drama noch eine Komödie, sondern einer von jenen speziellen Filmen, wie ihn nur die Franzosen hinbekommen. Das fängt schon mit den beiden Hauptfiguren an, die nicht zielgruppengerecht jung und hip sind. Xavier und Brigitte könnten auch schon ihre Rente beziehen, wenn sie nicht immer noch sehr aktive Viehzüchter wären. Doch während es für Xavier das Höchste ist, wenn einer seiner Zuchtbullen einen Preis gewinnt, gönnt sich Brigitte eine Auszeit vom Landleben in der Normandie.
Unter dem Vorwand eines Arztbesuchs reist Brigitte für zwei Tage nach Paris. Sie plant einen jungen Mann wiederzusehen, der sie auf einer Party etwas angebaggert hatte. Doch das Rendezvous verläuft katastrophal und Brigitte zieht sich in ihr Hotel zurück. Dort lernt sie den dänischen Geschäftsmann Jesper kennen mit dem sie eine großteils schöne gemeinsame Zeit verbringt. Brigitte ahnt jedoch nicht, dass Xavier misstrauisch geworden ist und ihr in Paris hinterher spioniert…
Mit der wie immer großartigen Isabelle Huppert (Die Klavierspielerin, Liebe) und dem erstaunlich vielseitigen Jean-Pierre Darroussin (Saint Jacques … Pilgern auf Französisch, 22 Bullets) verfügt der Film über zwei hervorragende Hauptdarsteller, während Michael Nyqvist (Millennium Trilogie) als sanfter dänischer Verführer eine nette Zugabe ist.
Im Laufe der Handlung kommt es weder zum großen Trennungsdrama, noch wird der Versuch einer reifen Frau ihr festgefahrenes Leben etwas aufzupeppen veralbert. Vielmehr lädt der von Regisseur und Drehbuchautor Marc Fitoussi unaufgeregt aber sehr präzise in Szene gesetzte Film dazu ein, sich selbst ein paar Gedanken über Lebensziele und Beziehungsstatus zu machen.
Die DVD von Eurovideo enthält neben dem 95-minütigen Film als einzigen Bonus den deutschen Trailer.
Mit dem immer korrekt gekleideten prinzipientreuen TransporterFrank Martin schuf Produzent und Drehbuchautor Luc Besson 2002 einen soliden Kino-Actionhelden. Der Brite Jason Statham verkörperte den risikobereiten Kurier-Fahrer in drei Filmen und wurde durch die Rolle zum Action-Star. Der Part wurde neu besetzt, nachdem es Statham ablehnte einen Vertrag über drei weitere Transporter-Filme zu unterschreiben, ohne zuvor etwas über die Drehbücher zu erfahren.
Zuvor hatte bereits in einer kurzlebigen nach 24 Episoden abgesetzten TV-Serie der australische Schauspieler Chris Vance den Transporter gespielt, der nur vier Jahre jünger als Statham ist. Iim Kino-Neustart erhielt die Hauptrolle der knapp 20-jährige britische Rapper Ed Skrein. Dieser macht hinter seinem Dreitagebart einen ganz sympathischen Eindruck, doch es mangelt ihm ganz im Gegensatz zu Statham und selbst zu Vance erheblich an Charisma. Daher hat der Transporter in seinem vierten Film – genau wie Indiana Jones in seinem dritten Kino-Auftritt- auch noch seinen Vater mitgebracht, der ihn permanent “Junior“ nennt…
Frank Martin Sr. wird von Ray Stevenson verkörpert. Nach seinem Durchbruch als Titus Pullo in der HBO-Serie Rom hat Stevenson zahlreiche interessante Rollen übernommen. So war er 2008 in der nur bedingt gelungenen Marvel-Verfilmung Punisher: War Zone der wohl glaubhafteste Darsteller von Frank Castle, der zum einsamen psychopathischen Rächer wird. Die Szenen in The Transporter Refueled in denen Ray Stevenson richtig Gas geben kann, sind die Höhepunkte des Films, egal ob er lässig eine teure Flasche Wein kauft, mit mehreren Frauen ins Bett geht oder über die hochgezüchtete nutzlose Kaffeemaschine seines Sohns lästert und cool bleibt, nachdem sich diese als Saftpresse entpuppt.
Auch in Sachen Action braucht sich The Transporter Refuled nicht hinter den anderen Kinofilmen der Reihe zu verstecken. Die Verfolgungsjagden entlang der südfranzösischen Küste haben Drive und Ed Skrein legt einige hübsch choreographierte Kämpfe hin, wobei es besonders beeindruckt, wie virtuos er Schubladen im Nahkampf einsetzten kann. Die Gesamtdramaturgie des Films überzeugt jedoch weniger. Zwar stimmt die Chemie zwischen Frank Martin Senior und Frank Martin Junior, auch die Beziehung zu den hübschen als diebische Girl-Group agierende Hauptdarstellerinnen, die sich an ihrem ehemaligen Zuhältern rächen wollen, funktioniert.
Doch im großem Finale wechselt grundlos die leicht-lockere Tonart und die bleihaltige Ballereien (Vorsicht Spoiler!) überleben nur wenige der Hauptfiguren. Bei einem Budget von etwas über 20 Millionen Dollar und einem dreieinhalbmal darüber liegenden Einspielergebnis, kann The Transpoter Refuled ganz gewiss nicht als Flop bezeichnet werden. Wenn sich alle Beteiligten (außer Ray Stevenson) noch etwas mehr Mühe geben, ist die Aussicht auf ein Wiedersehen mit dem neuen Transporter durchaus wünschenswert!
Die DVD von Universum Film enthält neben dem 92-minütigen Hauptfilm noch die Dokus “Beschleunigung von 0 auf 100“ (5:24 min, wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), “Frank Martin – Held wider Willen“ (8:51 min),“Coole Action, coole Girls“ (5:17 min), drei insgesamt 4-minütige Promo Clips, Interviews mit Ed Skrein (3:11 min), Ray Stevenson (2.59 min), Loan Chabanol (1:47 min), Tatjana Pajković (2:21 min), Yu Wenxia (1:08 min), Noémie Lenoir (1:25 min) und Gabriella Wright (1:50 min) sowie den deutschen Trailer (2:00 min)
Marvels wohl realistischster “Superheld“ stand zuvor bereits im Zentrum von zwei Kinofilmen. Bereits 1989 wurde er in einem B-Picture von Dolph Lundgren verkörpert, während 2004 der etwas blasse Thomas Jane als Punishergegen einen von John Travolta mit gebremster Energie verkörperten Gangsterboss antrat. Hauptproblem dieser sich ausgiebig bei den mitreißenden Punisher-Comics von Garth Ennis bedienender Verfilmung war jedoch, dass die Geschichte nicht in New York, sondern in Florida angesiedelt war. Die War Zone des Punishers ist jedoch eindeutig der Big Apple. Hier wurden im Central Park seine Ehefrau und Kinder von Gesetzlosen umgebracht und hier ist er seitdem dabei Verbrecher möglichst ultimativ zu bestrafen.
Mit Ray Stevenson wurde ein Darsteller gefunden, der ganz im Gegensatz zu Jane (aber nicht zu Lundgren) es überhaupt nicht nötig hat den Härte-Typen zu spielen. Der gebürtige Nordire war bereits in der HBO-Serie Rom äußerst glaubhaft als ein zu allem fähiger Legionär.
Auch als Punisher gelingen Stevenson trotz klobiger Körperlichkeit kurze Anfälle von Sensibilität. Das Drehbuch ermöglicht ihm dies dadurch, dass Frank Castle alias The Punisher bei einem rabiaten Bestrafungsalleingang einen sich im Undercover-Einsatz befindlichen FBI-Agenten tötet. Danach fühlt er sich für dessen von der Unterwelt bedrohten Witwe und Tochter verantwortlich.
Punisher: War Zone wurde von Frauen inszeniert (von der in Mannheim geborenen Lexi Alexander) und produziert (von Gale Anne Hurd, der Ex-Frau von James Cameron), ist aber in erster Linie ein knallharter Actionstreifen für Jungs, prall gefüllt mit Klopper- und Ballereien. In den USA spielte die 35-Millionen-Dollar-Produktion nur ein knappes Viertel ihrer Kosten wieder ein und kam daher gar nicht erst in unsere Kinos.
Das lag vielleicht auch an einigen satirischen Momenten, die gewisse Gemüter als antiamerikanisch empfinden mögen. So rekrutiert der Oberschurke Jigsaw, den Dominic West (The Affair) recht entfesselt als Mischung aus Joker und Two-Face spielt, zu patriotischer Musik seine Spießgesellen direkt von der Straße rekrutiert und ihnen – ähnlich wie das US-Militär – ein Studium und keinen Einsatz im Irak verspricht.
Mittlerweile liegt der Film auf Blu-ray und DVD als Uncut Version vor. Die Laufzeit der Blu-ray beträgt 102:41 min. Als Bonusmaterial gibt es einen Audiokommentar von Lexi Alexander und Steve Grainer (wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), Making Of (9:03 min), Training Camp (5:47 min), Die Waffen (4:39 min), Jigsaw (3:34 min), Creating the Look (2:46 min)
Beim Betrachten von Jurassic World kam unweigerlich die Frage auf, warum erst zwei eher schwache Fortsetzungen zu Spielbergs Dino-Blockbuster auf die Zuschauer losgelassen wurden, bevor endlich ein wirklich interessantes Sequel folgte. Ähnlich sieht es bei Star Warsaus, denn spätestens jetzt muss sich George Lucas fragen lassen, ob es wirklich eine gute Idee war, gleich drei Prequels in die Kino zu bringen, in denen eigentlich nur erzählt wurde, warum Luke Skywalkers Papi zum Träger einer schwarzen Maske wurde.
Es ist nicht wirklich überraschend festzustellen, dass die weiteren Abenteuer von Luke, Han Solo und Prinzessin Leia eine sehr viel bessere Grundlage für einen neuen Star Wars-Film bilden. Die Handlung von Das Erwachen der Macht spielt 30 Jahre nach Die Rückkehr der Jedi Ritter. Mark Hamill, Harrison Ford und Carrie Fisher sind tatsächlich um 32 Jahre gealtert. Daher ist es sehr charmant, dabei zusehen, wie die nicht mehr ganz jungen Darsteller in ihren legendären Rollen auf die Leinwand zurückkehren.
Besonders viel Spaß macht dies beim mittlerweile 73-jährigen Harrison Ford, der bei seinen letzten Kino-Auftritten immer wie ein genervter alter Mann wirkte. Wenn Ford jedoch versucht mit seinem zerknautschten Gesicht, das selbe freche Han-Solo-Grinsen wie Anno 1977 zustande zu bringen, dann ist dies ein großer Moment, der durch die 3D-Fotographie noch gewinnt. Die alten Stars sind nicht wie befürchtet Nebenfiguren, sondern innerhalb der Geschichte genauso wichtig, wie die britischen Newcomer Daisy Ridley als schrott-sammelnde Hoffnungsträgerin Rey und John Boyega (Attack the Block) als ehemaliger Stormtrooper Finn, sowie BB-8, der neue Stern am Roboter-Himmel.
Die Spezialeffekte sind natürlich allererste Sahne, es ist aber auch zu spüren, dass viele der Bauten und außerirdischen Kreaturen vom Film-Team tatsächlich in Originalgröße zusammen gebastelt wurden. Das Drehbuch hat Regisseur J. J. Abrams gemeinsam mit Michael Arndt (Little Miss Sunshine) und George-Lucas-Urgestein Lawrence Kasdan (Das Imperium schlägt zurück, Jäger des verlorenen Schatzes) verfasst, und der Soundtrack stammt natürlich wieder von John Williams. Es gibt zwar viele Anspielungen auf die großen Momente der klassischen Trilogie (gemeint sind natürlich nicht Episode I bis III), doch meistens gelingt es einen neuen Blick auf die alten Geschichten zu werfen, ohne dass so radikal erneuert wurde, wie Abrams dies in seinen beiden nicht unumstrittenen Star Trek Kinofilmen machte.
Auch beim zweiten Sichten in Heimkino macht “Das Erwachen der Macht“ viel Spaß und das Bonusmaterial auf der Blu-ray kann sich ebenfalls sehen lassen. Etwas enttäuschend sind die sieben nicht verwendeten Szenen. Diese sind im Einzelnen zwar nicht uninteressant, haben jedoch insgesamt nur eine Länge von 4 Minuten und werden nur in mäßiger Bildqualität mit einkopierten Timecode präsentiert. Ganz hervorragend ist hingegen ein ausführlicher 69-minütiger ausführlicher Bericht über alle Aspekte der Produktion vom Making-Of-Papst Laurent Bouzereau!
Die Blu-ray enthält neben dem 138-minütigen Film auf einer zweiten Scheibe noch zusätzliche Szenen (4:15 min, wie alle übrigen Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln); Die Geheimnisse hinter “Das Erwachen der Macht“ (69:14 min); Drehbuchlesung der Schauspieler (4:01 min); Die Entwicklung von BB-8 (6:03 min); Kreaturen erschaffen (9:34 min); Der Lichtschwert-Kampf im Schnee (7:02 min); John Williams: Die siebte Sinfonie (6:57 min); ILM: Die visuelle Magie der Macht (7:55 min): UNICEF-Initiative „Force For Change“ (3:22 min)
Nachdem sein weiblicher Star in einen schweren Unfall verwickelt wurde, findet der Horror-Regisseur Marco für seine Opern-Inszenierung von Verdis Macbeth in der jungen Betty den perfekten Ersatz. Doch auf der Oper scheint ein Fluch zu lasten: Ein unheimlicher Killer macht Jagd auf die Beteiligten und zieht mit bestialischen Morden seine Kreise immer enger um das Objekt seiner Begierde: Die neue Diva der La Scala.
Opera (Terror in der Oper) von 1988 mag vielleicht nicht der spannendste Film des italienischen Horror-Experten Dario Argento sein, doch es ist wahrscheinlich sein blutigster und auch schönster. In Deutschland lief er jedoch nur auf Festivals im Kino. Für die Heimkino-Fassung wurde Opera gekürzt, aber dennoch indiziert. Überraschenderweise erschien 2015 eine neu geprüfte deutsche Fassung, die ungekürzt ist, aber dennoch ab 16 Jahren freigegeben wurde. Dies ist angesichts einiger wirklich ganz schön drastischer, wenn auch meisterlich inszenierter Momente, mehr als erstaunlich.
Koch Media präsentiert diese ungekürzte Fassung (in der zwangsläufig auch recht viele nicht synchronisierte Szene enthalten sind) in einem schönen Media-Book, das sowohl eine Blu-ray als auch 2 DVDs mit dem Film und viele Extras enthält. Sehr gelungen ist auch das reichhaltige Bonusmaterial, zu dem ein deutschsprachiger Audiokommentar von Kai Naumann und Marcus Stiglegger, dem Herausgeber des Buchs Dario Argento: Anatomie der Angst gehört.
Die Blu-ray von Koch Media enthält den Film in einer ungekürzten Version (107:19 min, wahlweise mit einem Audiokommentar von Marcus Stiglegger und Kai Naumann) sowie in der Exportfassung (95:36 min), Trailer aus Deutschland (1:47 min), Italien (1:25 min), USA (1:43 min) und einen internationalen englischsprachigen Trailer (1:44 min) sowie eine Galerie mit 35 Bildern. Auf den beiliegenden DVDs gibt es noch ein Interview mit Regisseur Dario Argento (22 min), „Wer hat das getan und wer bin ich?“ mit Autor Franco Ferrini (36 min), „Noten und Alpträume“ mit Komponistin Claudio Simonetti (30 min), „Die Rache der Krähen“ mit Animatronikkünstler Sergio Stivaletti (15 min), „Der Fluch von MacBeth“ mit Publizist Enrico Lucherini (14 min), „Mit offenen Augen“ mit Filmhistoriker Fabrizio Spurio (36 min), “Featurette „Terror im Kino“ Q&A-Runde zum Film mit Regisseur Dario Argento, Autor Franco Ferrini und Regisseur Lamberto Bava (25 min)
1943 in Weißrussland: Eine deutsche SS-Einheit besetzt ein Dorf. Der junge Soldat Franz verliebt sich in die sechzehnjährige Polina und auch seine Kameraden genießen das idyllische Dorfleben. Doch dann werden sie plötzlich von der Realität des Krieges eingeholt. Das ganze Dorf soll liquidiert werden. Franz erhält den Befehl, Polina zu erschießen. Er weigert sich und flieht mit ihr. Verfolgt von deutschen Soldaten und weißrussischen Partisanen kämpfen sie gemeinsam um ihr Überleben…
Adrian Topol, der kurz darauf im Semi-Werbefilm Snipers Valley – Mörderischer Frieden einen relativ zackigen Bundeswehrsoldaten verkörperte, überzeugt in dieser russischen Produktion als sensibler Soldat der Waffen-SS. Ihm zur Seite steht Svetlana Ivanova, die Polina so zupackend und selbstbewußt verkörpert, dass sofort klar wird warum sich Franz in sie verliebt.
Der Film, der zuvor unter dem Titel Franz + Polina vermarktet wurde, überrascht dadurch, dass hier weder das hohe Lied vom Großen Vaterländischen Krieg der Roten Armee gesungen wird, noch (alle) deutschen Soldaten als blindwütige Mörder darstellt werden. Gelegentlich fast poetisch erzählt Mikhail Segal in sanften Sepiatönen von den Schrecken des Krieges aber vor allem von der Wichtigkeit völkerübergreifender Freundschaft und Liebe.
Die DVD von Savoy Film enthält neben dem 97-minütigen Film noch ein Making Of (38:12 min, wahlweise mit deutschen Untertiteln) und einen Trailer (1:16 min)
Zunächst entsteht ein wenig der Eindruck die Produzenten von Mörderischer Frieden hätten ihre Darsteller zwangsverpflichtet, denn die Akteure in Uniform leiern ihre Texte arg lustlos herunter. Doch die Hauptdarsteller Adrian Topol, der kurz darauf in Liebe in den Wirren des Krieges einen in eine Russin verliebten Wehrmachts-Soldaten spielen sollte, und Max Riemelt (Der rote Kakadu) geben sich zum Glück deutlich mehr Mühe.
Sie spielen Tom und Charly, die 1999 bei der KFOR-Friedenstruppe im Kosovo stationiert sind. Die beiden befreundeten Bundeswehrsoldaten retten die Serbin Mirjana vor dem halbwüchsigen albanischen Heckenschützen Durcan. Während sich Charly zu Mirjana hingezogen fühlt, schwärmt diese eher für dessen Freund. Tom findet heraus, dass Mirjanas Vater für serbische Massaker an den Albanern verantwortlich war. Er versucht dem kleinen Durcan zu helfen und weitere Anschläge der Albaner zu vereiteln.
So selbstverständlich wie deutsche Auslandseinsätze sind Bundeswehrsoldaten im Kino noch lange nicht. Daher ist Snipers Valley – Mörderischer Frieden (der kurz nach der Militärklamotte Kein Bund fürs Leben im Kino startete) als erster Stoßtrupp zu verstehen und betritt eher vorsichtig das unbekannte Terrain. Es kann durchaus Entwarnung gegeben werden, denn ein Werbefilm für die Bundeswehr ist Mörderischer Frieden nicht. Im Gegensatz zu US-Militärspektakeln wird hier weniger mit technischen Geräten geprotzt, sondern relativ vielschichtig über den Sinn von Friedensmissionen reflektiert. Wenn künftige Bundeswehr-Filme mit ihrem Thema ähnlich behutsam umgehen braucht niemand bange zu sein, denn auf deutsche Varianten zu Top Gun kann hingegen getrost verzichtetet werden.
Nachdem die Star-Trek-Kinoauftritte meist wie galaktische Butterfahrten von vergreister Raumschiff-Besatzungen wirkten, überrascht J. J. Abrams (Lost, Mission: Impossible III, Star Wars – Das Erwachen der Macht) im elften Kinofilm mit einem ebenso radikalen wie traditionsbewussten Update des zuletzt etwas in Vergessenheit geratenen Science-Fiction-Mythos. Äußerst nah an der klassischen TV-Serie orientierte (aber nie angestaubt wirkende) Momente wechseln sich ab mit erschreckend drastischen Veränderungen im vertrauten Starfleet-Kosmos.
Das schlicht Star Trek genannte Werk beginnt konsequenterweise mit der dramatischen Geburt von James Tiberius Kirk, der mitten in einer galaktischen Schlacht zur Welt kommt. Der junge Kirk wird von Chris Pine äußert temperamentvoll und charismatisch als eine Mischung aus jugendlicher Rebell und Luke Skywalker gespielt, der genau wie Spock (Idealbesetzung: Heroes-Schurke Zachary Quinto) sofort begeistert ist von Uhura (sehr sexy: Zoe Saldana). Für einige komödiantische Glanzlichter sorgen Simon Pegg (Shaun of the Dead) als Scotty und Anton Yelchin, der als Pavel Andreievich Chevov mit Spracherkennungsprogrammen zu kämpfen hat.
Sehr viel mehr als einen Gastauftritt liefert Leonard Nimoy. Dieser scheitert als alter Spock bei dem Versuch den Planeten Romulus zu retten und löst dadurch den Zeitreise-Rachfeldzug des Romulaners Nero (Eric Bana) aus. Dies sorgt für allerlei tragische Verwicklungen aber auch dafür, dass der Mythos von Kirk, Spock und dem Raumschiff Enterprise auf eine aufregende Art noch einmal neu interpretiert werden kann.
Zwar scheint Sherlock Holmes in Kino, TV und Literatur auch 85 Jahre nach dem Tode seines Schöpfers Arthur Conan Doyle unsterblich zu sein, doch dieser Film versucht zu zeigen wie das Leben des Meisterdetektivs zu Ende gegangen sein könnte.
Wie bereits bei Conan Doyle hat sich der 93-jährige Mr. Holmes 1947 auf einem Landsitz in Sussex zurückgezogen um Bienen zu züchten. Zugleich denkt er aber auch über seine letzten Fälle nach. Er sinniert über einen von ihm zwar gelösten aber tragisch ausgehenden Fall, den er 1919 bearbeitete, nachdem Dr. Watson ihn verlassen hatte. Seine Gedanken kehren aber auch immer wieder zu einer Angelegenheit zurück, für die er kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs nach Japan reiste.
Holmes versucht seinen letzten Fall – ganz im Gegensatz zu den von Dr. Watson verfassten Phantastereien – so wahrheitsgemäß wie möglich zu Papier zu bringen. Dies will ihm nicht so recht gelingen, doch das Interesse dass Roger, der Sohn seiner Haushälterin, an seinem Text vitalisiert ihn.
Regisseur Bill Condon hatte bereits 1998 in Gods and Monstersmit Ian McKellen zusammengearbeitet. Damals spielte dieser den alternden an seinem Leben zweifelnden Regisseur James Whale, dem es nicht gelang an dem Erfolg seines legendären Frankenstein-Films mit Boris Karloff anknüpfen zu können. Als “Mr. Holmes“ spielt McKellen ebenfalls einen einst sehr erfolgreichen Menschen, der sich zurückgezogen hat. Doch zusätzlich wird ihm noch die Möglichkeit gegeben verschiedene Lebensphasen von Sherlock Holmes darzustellen und zu vermitteln warum er sich nicht mehr dem Lösen von Kriminalfällen widmen mochte.
Nicholas Rowe
Dabei kommt es zu einem köstlichen Moment, der allen Freunden des Meisterdetektivs viel Freude bereiten dürfte. Es wird gezeigt, wie sich McKellen als Mr. Holmes im Kino mit einer Mischung aus Amüsement und Ekel die nicht an der “Wirklichkeit“ orientierte Verfilmung eines seiner Fälle ansieht In diesen schwarzweißen Film im Film ist als Sherlock Holmes Nicholas Rowe zu sehen, der diese Rolle bereits 1985 in der Spielberg-Produktion Das Geheimnis des verborgenen Tempels spielte. Auch ansonsten gibt es allerlei kleine Anspielungen auf den Holmes-Mythos. In erster Linie jedoch handelt der Film von einem Menschen, der an seinem Lebensende über sein Tun aber auch sein Lassen nachdenkt und daraus ein paar durchaus logische Schlussfolgerungen zieht.
Eigentlich lernten sich Sherlock Holmes und Dr. John Watson erst 1881 kennen und bezogen als erwachsene Männer eine WG in der Baker Street 221B. Obwohl der Holmes-Schöpfer Sir Arthur Conan Doyle okkulten Dingen keineswegs abgeneigt war, findet sein Meisterdetektiv in allen Romanen und Kurzgeschichten immer eine natürliche und „logische“ Erklärung für scheinbar übernatürliche Sachverhalte.
Eine Flugmaschine lange vor den Gebrüdern Wright, eine riesige versteckte Pyramide mitten in London und Drogen, die tödliche Illusionen erzeugen hätte es bei ihm nicht gegeben. Doch abgesehen von diesen spannungserzeugenden Kleinigkeiten und davon, dass dieser 1985 entstandene Film unterstellt Holmes und Watson hätten sich bereits als Jugendliche in einem Elite-Internat mitten in London kennengelernt, dürfte dieser vergnüglich spannende Film auch Holmes-Puristen großen Spaß machen.
Genau wie für die zeitgleich entstandene Spielberg-Produktion Die Goonies stammt auch hier das Drehbuch von Chris Columbus. Dieser sollte später ins englische Internats-Milieu zurückkehren und als Regisseur der beiden ersten Harry Potter-Filme ähnliche Geschichten erzählen. Regisseur Barry Levinson hingegen wurde nach Das Geheimnis des verborgenen Tempels leider erwachsen und drehte fortan gehobene, gepflegte und meist etwas langweilige oscar-kompatible Kost wie Rain Man. Hauptdarsteller Nicholas Rowe sollte in Mr. Holmes noch einmal kurz als Meisterdetektiv zu sehen sein.
Nach knapp 40 Jahren liegt der Film endlich auf Blu-ray vor. Die Bildqualität ist großartig, auch das Steelbook sieht gut aus, doch Bonusmaterial gibt es leider keins.
