Nicolas Keramidas arbeitete neun Jahre für Disney in Frankreich an dort produzierten Animationsfilmen wie Tarzan oder Lilo & Stitch. Gemeinsam mit Cosey (Auf der Suche nach Peter Pan), Tébo und Régis Loisel wurde er ausgewählt, um Comic-Geschichten mit Micky Maus in deren individuellen Stilen zu zeichnen.
Im Vorwort zu Mickey’s Craziest Adventures behauptet der umtriebige Zeichner und Autoren Lewis Trondheim (Texas Cowboys) auf einem Flohmarkt gemeinsam mit Keramidas eine unvollständige Sammlung der von 1962 bis 1969 erschienenen Comic-Reihe Mickey’s Quest erworben zu haben.
In diesen Heften kam die Serie Mickey’s Craziest Adventures zum Abdruck, eine “wilde Verfolgungsjagd im Rhythmus von einer Seite pro Ausgabe“. Während Trondheim diese angebliche Serie angeblich ins Französische übersetzte, nutze Keramidas “all sein Talent, um ein Titelbild zu schaffen, das der grafischen Genialität der Innenseiten Rechenschaft trägt“.
Die Wahrheit ist wohl eher, dass Trondheim sich durch dieses Vorwort die Gelegenheit verschaffte – wegen etlicher angeblich fehlender Comic-Seiten (nur knapp die Hälfte der 82-seitigen Story kommt im Album zum Abdruck) – eine abenteuerlich wirre Geschichte mit Micky, Donald, Onkel Dagobert und dem ein Holzbein tragenden Kater Karlo zu erzählen. Keramidas setze das u. a. im Dschungel, Weltraum und Geldspeicher angesiedelte Crazy Adventure mit lockeren Strich, aber ohne Rücksicht auf den genormten Disney-Look, in Szene.
Das Resultat ist ein großer Spaß, der scheinbar ohne Sinn, aber doch mit Verstand und Liebe zum Trivialen entstanden ist.
Bereits drei Jahre nach dem der Disney-Zeichentrickfilm Die Schöne und das Biest 1991 zu einen großen Erfolg an der Kinokasse wurde, erlebte ein gleichnamiges Broadway-Musical seine Premiere. Dies geschah am Palast Theatre direkt am Broadway, unweit des Time Square, und war ein wichtiger Beitrag dazu, diese einst verrufene Gegend immer familienfreundlicher zu machen.
Das Musical wurde zu einem weltweiten Erfolg und lief in Deutschland in Stuttgart, Oberhausen und Berlin. Daher ist es kein Wunder, das nach dem Erfolg der auf Disney-Zeichenklassikern basierenden Realverfilmungen Maleficent – Die Dunkle Fee und Cinderella auch Die Schöne und das Biest noch einmal mit “richtigen“ Darstellern in Szene gesetzt wurde.
Für die Hauptrolle konnte Harry-Potter-Star Emma Watson gewonnen werden. Die Darstellerin versicherte glaubhaft, dass Belle ihre liebste Disney-Figur. Auf alle Fälle hat sie für die Rolle der “Schönen“ die richtige Ausstrahlung und Sangeskraft.
Versteckt unter einer nicht immer wirklich überzeugenden Maske ist der Brite aus Downton Abbey bekannte Brite Dan Stevens ein nur bedingt furchterregendes Biest.
Richtig Vollgas gibt Luke Evans (Immer Drama um Tamara) als Belles selbstsüchtiger Verehrer Gaston. Dessen von Josh Gad verkörperter Sidekick LeFou sorgte als erste offen schwule Figur in einem Disney-Film für einiges Aufsehen.
Für das in Haushaltsgeräte und Mobiliar verwandelte Personal des Schlosses konnten mit Emma Thompson als Teekanne Mrs. Potts, Ewan McGregor als Kerzenhalter Lumière und Ian McKellen als Standuhr Cogsworth prominente britische Darsteller gewonnen werden. Diese sind allerdings erst in den letzten Minuten nicht nur zu hören, sondern auch zu sehen.
Für den Soundtrack war wieder Alan Menken zuständig, der nicht auf sein für das Broadway-Musical neu komponiertes Material, wie den Song Human Again zurückgegriffen hatte. Er schrieb neue Lieder geschrieben, die jedoch nur recht kurz zu hören sind, doch Titel wie Days in the Sun oder How does a Moment last forever könnten durchaus Ohrwürmer werden.
Tricktechnisch kann der Film nur bedingt überzeugen und sieht oft kitschiger aus, als die Zeichentrick-Vorlage. Die Darsteller reißen jedoch einiges raus, was insbesondere für die menschlich sehr anrührenden Szenen mit Emma Watson und ihren von Kevin Kline verkörperten Vater Maurice sowie Luke Evans mitreißende Darbietung des Gassenhauers Gaston gilt.
1948 brachen drei mittlerweile legendäre Meister des frankobelgischen Comics zu einem erinnerungswürdigen Trip auf. Der seinerzeit durch seine Beiträge zur Traditionsserie Spirou bekannte Joseph Gillain alias Jijé (Jerry Spring) reiste mit seiner kompletten fünfköpfigen Familie und zwei seiner gelehrigsten Schüler durch die USA. Während der hochtalentierte André Franquin (Gaston) damals noch nach seinem Platz im Comic-Universum suchte, feierte Maurice de Bévère alias Morris bereits erste Erfolge mit seinem Cowboy Lucky Luke, der immer noch schneller als sein Schatten schießt.
Das Trio träumte davon dem provinziellen Belgien zu entfliehen und Karriere in Walt Disneys Trickfilm-Studios zu machen. Doch dort wurden 1948 wegen finanzieller Probleme keine neuen Zeichner eingestellt. Jijé & Co. ließen sich davon nicht unterkriegen, sondern setzten ihre Reise fort, zeichneten und schickten ihre Comic-Seiten nach Belgien. Morris traf schließlich in New York auf René Goscinny und dessen genialen Szenarios machten Lucky Luke zu dem Klassiker, der er heute noch ist. Doch das ist eine andere Geschichte, die der Comic Gringos Locos leider nicht erzählt.
Der Autor Yann und der Zeichner Olivier Schwartz gestalteten zuvor mit Spirou und Fantasio – Operation Fledermaus bereits ein charmant-nostalgisches Album. Auch diesmal sind der Hauptanreiz des Albums Schwartz’ lockere an den viel zu früh verstorbenen Yves Chaland erinnernde Zeichnungen, in denen immer wieder Anspielungen auf die Comic-Serien der Protagonisten zu finden sind. Yanns Geschichte reiht etwas planlos eine mehr oder weniger amüsante Episode an die nächste und zeigt wenig Sensibilität mit Themen wie Krieg oder Rassismus (der Ku-Klux-Klan ist bei ihm nur ein alberner Karnevalsverein).
Yanns ziemlich frei erfundene Darstellung der Reise zog auch viel Kritik auf sich. Die Tochter von Franquin und die Kinder von Jijé waren alles andere als amüsiert darüber, wie im Comic ihre Väter dargestellt wurden. Daher ist es durchaus angebracht (und für Comicfreunde hochinteressant), dass Benoit Gillian im umfangreichen Anhang des Albums dazu Stellung nimmt und seine Eindrücke der Reise schildert.
Wer es gerne noch etwas ausführlicher hat, dem sei die Vorzugs-Hardcoverausgabe vom Salleck Verlag empfohlen, die zusätzlich noch einen signierten Druck und 16 Seiten mit wunderschönen Zeichnungen, Skizzen und Scribbles enthält.
Ähnlich wie in “Das Film Buch” hat auch hier der Dorling Kindersley Verlag versucht, ein Thema so übersichtlich und interessant bebildert wie möglich aufzuarbeiten. Doch während es unmöglich ist, alle wichtigen Filme zwischen zwei Buchdeckeln aufzuarbeiten, sieht es im Genre Musical etwas anders aus.
Ein Musical, das nach seiner Premiere beim Publikum nicht ankommt, verschwindet schnell vom Spielplan, wird nicht in anderen Städten aufgeführt und natürlich auch nicht verfilmt. Von daher ist die Anzahl von immer wieder neu inszenierten Dauerbrennern natürlich übersichtlich.
Als erstes “richtiges“ Musical definiert das Buch die am 27. Dezember 1927 im New Yorker Ziegfeld Theater gestartete Bühnenshow “Show Boat“, die dreimal verfilmt und bis hinein in die 90er Jahre immer wieder neu inszeniert wurde. In diesem Musical wurden nicht nur zu Evergreens gewordene Songs wie “Ol‘ Man River“ geschmettert, sondern “Show Boat“ erzählte eine auch interessante dramatische Geschichte gezählt, in der es u. a. um eine “gemischtrassige“ Beziehungen ging. Wie brisant dies Thema war, zeigte sich daran, dass es sehr lange dauern sollte, bis schwarze Darsteller in den Hauptrollen “Show Boat“zu sehen waren.
Das Buch beschreibt chronologisch geordnet bis hinein in die Gegenwart die erfolg- und einflussreichsten Musicals wie “Porgy und Bess“, “The Wizard of Oz“, “Singin‘ in the Rain“, “My Fair Lady“, “West Side Story“, “Mary Poppins“, “Hair“, “The Rocky Horror Picture Show“, “Cats“, “Billy Elliot“, “Mathilda“, aber auch “Die Drei-Groschenoper“ findet Berücksichtigung.
Dabei geht es um Bühnen- wie auch um Film-Musicals. Ein Anhang bietet noch Kurzinfos zu weiteren Musicals. Besonders interessant sind die Doppelseiten auf denen die Strukturen einzelner Musicals übersichtlich dargestellt werden. Hier ist zu sehen, wie die Handlung verläuft und wann die einzelnen Songs zum Einsatz kommen.
Außerdem gibt es noch Biographien zu Persönlichkeiten wie George und Ira Gershwin, Fred Astaire, Irving Berlin, Cole Porter, Andrew Lloyd Webber, Julie Taymor oder Elton John. Leider sind die von mehreren Autoren verfassten Texte oft etwas trocken und nur selten so amüsant wie im Falle der Beschreibung von “Mamma Mia!“. Hier wird auch eine Kritik zum zugehörigen Film zitiert, in der es heißt, dass man: “so schnell nicht wieder hautnah erleben kann, wie erstklassige Schauspieler betrunken Karaoke singen.“
Für das Buch spricht auch, dass es für die deutsche Ausgabe noch ergänzt wurde. Aufnahme fanden hier auch einheimische Produktionen wie “Linie 1“ oder “Elisabeth“ und ein Anhang beschreibt deutsche Musicals wie “Heiße Ecke“, “Rocky“, “Hinterm Horizont“ oder den DDR-Erfolg “Mein Freund Bunbury“. Abschließend sei auch noch das thematisch passende schlichte aber ergreifende Glitzer-Cover erwähnt.
Auch der dreizehnte Band der seit 2005 alljährlich erscheinenden Reihe “Deutsche Comicforschung“ informiert über Gebiete, die in der Comic-Fachpresse und in Fachbüchern bisher gar nicht oder nur sehr unzureichend behandelt wurden. Im Vorwort macht sich Herausgeber Eckart Sackmann Sorgen um die Zukunft seiner Zunft, da Comics kaum noch gesammelt bzw. archiviert wird, weder von Privatpersonen noch von Institutionen.
Der erste Artikel des Buchs beschäftigt sich damit, wie im deutschen Sprachraum der Begriff “Comic“ vom “Schimpfwort zum Lehnwort“ wurde. Während in deutschen Zeitungsartikeln bereits in den 20er Jahren von amerikanischen Comics die Rede war, sollten hierzulande erst 1966 Hefte erscheinen, auf deren Titelbildern das Wort „Comic“ zu lesen war. Marvels Spider-Man erschien damals als “Die Spinne“ in der Reihe “Hit Comics“, zuvor wurden seltsame Wortschöpfungen wie “Bilderfolge“, “Bilderroman“, „“Bilderzeitung“, “Buch-Film“ oder “Chico-Chips“ auf den Covern von deutschen Comicheften zu lesen.
Die weiteren 11 Artikel des Buchs sind wieder chronologisch geordnet. Julian Auringer befasst sich mit “Rinaldo Rinaldini als Comic-Held“, Sackmann schreibt über den schwer zu beschreibenden “Verwandlungskünstler“ Lothar Meggendorfer, Helmuth Kronthaler über “antisemitische Bildergeschichten aus der Kaiserzeit“ und Sackmann wiederum über “Geschichten aus dem Zwergenland“ von Johannes Thiel, sowie über eine Nazi-Zeitung für die “Donau-Schwaben“ namens “Die Wespe“, die 1937 den US-Zeitungs-Strip “Tim Tyler’s Luck“ veröffentlichte. Kurios ist auch ein seltsamer „Mickey Mouse“-Strip von Gerhard Brinkmann, der 1942 im zum nationalsozialistischen Propagandablatt verkommenen Magazin “Kladderadatsch“ erschien und eher skurril als anti-amerikanisch geraten ist.
Ein bemerkenswerter Artikel beschäftig sich mit dem vor allem als “Fix & Foxi“-Zeichner bekannten Kurt Ludwig Schmidt alias KASCH über den bisher wenig bekannt war, zumal er auch als Becker-Kasch tätig war und vermutet wurde, es handele sich um zwei Personen. Doch nachdem Schmidts Tochter mit der Webseite Kaukapedia in Kontakt trat, ist sehr viel mehr bekannt. Ein reich bebilderter Text stellt Arbeiten aus allen Schaffensperioden von KASCH vor und informiert auch über seine Tätigkeiten als 3D-Zeichner u. a. für die Firma View Master, für die er Disney-Filme adaptierte.
Ein Kuriosum ist die Comic-Serie „Gaby, das Atommädchen“, die in der die friedliche Nutzung der Atomenergie propagierenden Zeitschrift ZB erschien. Überraschend ist, dass die CDU 1961 zur Wahl-Werbung ein Comicheft einsetzte. Darüber, dass in diesem komplett im Buch abgedruckten Heftchen „Die spannendste Geschichte unserer Zeit“ Konrad Adenauer neben Königin Elisabeth abgebildet wurde, ärgerte britische Zeitungen, was wiederum die CDU werbetechnisch freute.
Interessant ist auch ein Bericht, der aufzeigt in wie vielen Varianten die Comic-Geschichte “Asterix der Gallier“ in Deutschland veröffentlicht wurde.
Den Abschluss bildet ein Beitrag über die erste deutsche Veranstaltung für Comic-Freunde. Der 1. Deutsche Comic-Congress fand 1973 in Berlin statt und ein geteiltes Echo. Die sehr lückenhafte Rekonstruktion dieser Veranstaltung, zu der Hansrudi Wäscher eingeladen war, anreiste und nur von wenigen Besuchern erkannt wurde, liest sich spannend. Auch hier zeigt sich, wie wenig Informationen selbst über die sehr zeitnahe deutsche Comic-Geschichte vorliegen und wie wichtig die weitere Forschung ist.
Nachdem die USA 1941 in den Zweiten Weltkrieg zogen, machte auch Hollywood mobil. Besonders gut geeignet um die Bevölkerung in Kriegsstimmung zu versetzen waren Cartoons. Für zahlreiche von der Regierung finanzierte kurze Zeichentrickfilme waren Hitler, Mussolini und der japanische Kaiser jetzt dankbare Spottobjekte.
Die interessantesten Filme entstanden bei Disney. Dort wurde unter dem Titel „Victory through Airpower“ sogar ein abendfüllender Trickfilm produziert, der Werbung für die Bombardierung Deutschlands machte. Der schreiend komische Cartoon „Der Fuehrer’s Face“ mit Donald Duck gewann sogar einen Oscar. „Education for Death“ hingegen schildert sehr subtil, wie in Nazi-Deutschland junge Menschen von Propaganda verführt werden und ist einer der besten Zeichentrickfilme des Studios. Diese Disney-Cartoons sind in den USA unter dem Titel „On the Front Lines“ gesammelt auf DVD erschienen.
„Cartoons ziehen in den Krieg“ enthält eine hochinteressante 45-minütige TV-Dokumentation in der Trickfilmzeichner wie Chuck Jones zu Wort kommen. Garniert mit zahlreichen Ausschnitten wird ein aufschlussreicher Einblick in eine ungewöhnliche Art der psychologischen Kriegsführung geboten.
Die Extras der DVD umfassen sieben passend dazu ausgewählte Cartoons: „Jungle Drums“ (Superman), „Scrap Happy Daffy“ (Daffy Duck), „Secret Agent“ (Superman),“The Ducktators“ (Daffy Duck), „Confusions of a Nutzy Spy“ (Porky Pig), „Daffy the Commando“ (Daffy Duck) und „The Sprit of 43“ (Donald Duck), insgesamt 51:22 min, wahlweise mit deutschen Untertiteln.
Der am 10. Mai 2010 im Alter von 82 Jahren verstorbene Frank Frazetta dürfte hauptsächlich durch seine Titelbilder zu Tarzan– oder Conan-Romanen, seine Filmplakate und seine Fantasy-Gemälde bekannt sein. Diese brachte er meist vor düstererem Hintergrund mit relativ wenigen Pinselstrichen auf die Leinwand und ließ dadurch viel Raum für die Fantasie des Betrachters.
Während auf der Basis von Frazettas wohl bekanntestes Gemälde “Death Dealer“ gleich zwei Comic-Serien entstanden sind, ist fast völlig in Vergessenheit geraten, dass die Karriere des gefeierten Fantasy-Malers einst in der Comic-Branche startete. Frazetta arbeitete für die legendären EC-Comics, assistierte Dan Barry bei “Flash Gordon“ und Al Capp neun Jahre lang bei seinem Strip „Li’l Abner“.
Mit “White Indian“ veröffentlicht Salleck Publications Frazettas am längsten laufende eigene Comic-Serie. Von 1949 bis 1952 erschien die Reihe zunächst als Zweitstory im Western-Comicheft “Durango Kid“. In kurzen siebenseitigen Episoden wird vom jungen Dan Brand erzählt, einem “Salonlöwen im Philadelphia der Kolonialzeit“, dessen Verlobte von einem Nebenbuhler ermordet wird.
Während er den Mörder westwärts durch die Wildnis verfolgt, wird Brand zum “White Indian“ und kämpft mit seinem jungen indianischen Gefährten Tipi “gegen Banditen, Piraten, britische Soldaten und Verräter“.
Frazettas Zeichnungen sind hier natürlich noch nicht auf dem Niveau seines Spätwerks und die zugehörigen Stories meist etwas albern. Doch es ist zu begrüßen, dass diese klassischen Comics in einer schönen gebundenen Gesamtausgabe vorliegen. Besonders erfreulich ist, dass als Zugabe noch allerlei weitere oft reichlich seltsame Kurzcomics enthalten sind, die Frazetta zeitgleich gezeichnet hat.
Dabei handelt es sich um aufklärerische Kurzgeschichten, die vor Drogen warnen, um die Erlebnisse von heldenhaften Soldaten, Tipps für Ersthelfer, „Heroic True Life Stories“, Märchen im Disney-Stil und Hommagen an Hal Fosters “Prinz Eisenherz“.
Der Witwer Herr Pulle lebte mit seiner schönen Tochter Maria und ihrem Hund Bello Blue glücklich zusammen. Doch dann heiratet Herr Pulle eine bitterböse Frau, die eine noch eine hinterhältige Tochter namens Marie Lu hat. Eines Tages lernte Maria im Wald einen Jäger kennen, der ihr einen wunderschönen Zauberstein schenkte. Bald stellte sich heraus, dass der Jäger ein Prinz war, der Maria gerne zur Frau nähme. Doch ihre Stiefschwester versuchte, dies zu verhindern. Sie stiehlt den Zauberstein…
Obwohl dieser Film des “Fix & Foxi“-Schöpfers Rolf Kauka ein (wenn auch nicht allzu erfolgreicher) deutscher Trickfilmklassiker ist, war es unmöglich ihn in den Mediamärkten von München (dessen Vorort Grünwald immerhin Kaukas Wirkungsstätte war) käuflich zu erwerben. Doch zum Glück ist das Werk bei Amazon unter dem irreführenden Titel “Der Zauberstein“ problemlos zu erhalten. Rolf Kauka, der es ungern hörte wenn er mit Walt Disney verglichen wurde, versuchte 1973 zweifelsohne diesem auf dem Gebiet des abendfüllenden Trickfilms Konkurrenz zu machen.
Das Resultat ist inhaltlich eine wilde bis wirre Mischung aus deutschen Märchenmotiven (wobei Frau Holle sogar persönlich mitwirkt, während das blaue Hündchen Bello Blue auch als bester Freund von “Bussi Bär“ bekannt ist). Formal stiehlt „Maria d’Oro“ ziemlich dreist die Brunnenszene aus Disneys “Schneewittchen und die sieben Zwerge“, erinnert aber auch an das poppige Design von “Yellow Submarine“ und ziemlich oft an die “Signor Rossi“-Cartoon von Bruno Bozzetto, was nicht weiter verwundert, denn die Animation wurde in Italien durchgeführt.
Komplett nervig ist, das die Figuren (wenn sie nicht gerade singen) meist in (großteils auch noch recht mäßigen) Reimen sprechen, wie etwa: “Jetzt sitz ich in der Tinte, wie sag ich´s meinem Kinde?“ Doch für alle Freunde von “Fix & Foxi“ lohnt sich die Anschaffung der DVD (auch wenn es nicht immer leicht ist den nicht allzu langen Hauptfilm durchzustehen), denn im Bonusmaterial sind echte Kuriositäten enthalten.
Bonusmaterial der DVD: „Fix & Foxi“ Zeichentrickfilm „Sinfonie in Müll“ von 1973, der damals im Vorprogramm von „Maria d´Oro“ lief (11:37 min), ein „Isetta“-Zeichentrick-Werbespot, den Rolf Kauka 1957 für BMW produzierte (3:18 min), 12 Texttafel mit einer Kauka-Biografie, seltsamerweise noch einmal einen 2-minütigen Ausschnitt aus dem Hauptfilm
Mit dem nach offizieller Zählung 56. Animationsfilm Vaiana, der im Original den Titel Moana trägt, betritt Disney mit der polynesischen Inselwelt Neuland.
Doch zuvor gibt es noch einen Vorfilm zu bestaunen, der nicht nur technisch perfekt, sondern auch saukomisch ist. In seinem Regie-Debüt Herz oder Kopf: Inner Workings erzählt Leo Matsuda von einem Mann, in dessen Körper die als Trickfilmfiguren auftretenden inneren Organe darum kämpfen, ob die Vernunft oder die Spontanität die Oberhand gewinnen soll. Matsuda erscheint als Regisseur die ideale Wahl, denn er hat japanisch-brasilianische Wurzeln und beschreibt sich selbst als jemand, dessen Persönlichkeit zur einen Hälfte “ernst und organisiert“ ist, während die andere Hälfte sich “ständig amüsieren“ will. Nachdem bei Zoomania auf einen animierten Vorfilm verzichtet wurde, ist es sehr erfreulich, dass Disney dieser Tradition doch weiterverfolgt.
Auch der Hauptfilm ist glänzend animiert und die lichtdurchflutete Welt des Pazifiks wurde eindrucksvoll in sehr bunte Bilder umgesetzt. Hauptfigur ist die junge Insulanerin Vaiana, die wohlbehütet aufwächst, sich dennoch in ihrer traumhaft schönen Umgebung nicht ganz wohl fühlt. Im Gegensatz zu ihrer sesshaften Sippe zieht es sie in die Fremde. Als sie herausfindet, dass ihre Vorfahren einst ein fröhlich von Insel zu Insel segelndes Volk waren, gibt es für Vaiana kein Halten mehr. Sie bricht auf, findet den kuriosen Halbgott Maui und gemeinsam mit ihm heraus, warum ihr Volk nicht mehr so unternehmungslustig wie einst ist.
Obwohl es sich angeboten hätte, vermieden es die erfahrenen Disney-Regisseure Ron Clements und John Musker (Arielle, die Meerjungfrau, Aladdin, Küss den Frosch) aus Vaiana einen stylischen Film im Tiki-Look zu machen. Statt jenen in pseudo-polynesischen Bars der 50er Jahre vorherrschenden Stil, der auch die Disneyland-Attraktion Enchanted Tiki Room dominiert, noch einmal aufleben zu lassen, fanden sie vor Ort in Ozeanian einen gar nicht einmal so realitätsfernen Ansatz. Die Bewohner der Inselwelten waren vor 3.000 Jahren unternehmungslustige und kenntnisreiche Seefahrer, wurden jedoch urplötzlich für ein Jahrtausend zu Stuben- bzw. Insel-Hockern.
Diese interessante Thematik nutzt der Disney-Film als Hintergrund für eine Geschichte voller großer Momente und unerwarteter Gags. Die Hauptfiguren sind auch diesmal wieder grundsympathisch. Vaina dürfte sich erfolgreich bei den Disney Princesses einreihen, zumal sie rein äußerlich trotz ihres rebellischen Inneren oft ein wenig zu sehr wie ein exotisches Püppchen aussieht. Dies kann vom muskelbepackten Halbgott Maui wirklich nicht behauptet werden.
Auf seinem über und über mit Tätowierungen versehenden wuchtigen Körper gibt es auch eine sehr lebendige Mini-Version von ihm selbst, die mit den oft sehr egoistischen Entscheidungen des selbstherrlichen Muskelprotz selten einverstanden ist. Bei dieser Figur schimmert fast immer Dwayne Johnson alias The Rock durch, der Maui in der Originalfassung nicht nur seine Sprech- sondern auch seine Sing-Stimme leiht!
Die verschiedenen Missionen, die Vaiana und Maui zu bestehen haben, gipfeln manchmal in schillernd umgesetzte Musical-Nummern, was sich mal mehr und mal weniger ins Gesamtkonzept einfügt. Erneut gelang Disney mit Vaiana ein Film voller Herz, Abenteuerlust, unerwarteter Gags und mit ein paar Songs zu viel.
Neben dem 107-minütigen Hauptfilm (wahlweise mit einem optional deutsch untertitelten Audiokommentare der beiden Regisseure Ron Clements und John Musker) enthält die Blu-ray von Disney noch extrem viele interessante Extras: Kurzfilm “Herz oder Kopf“ (6:26 min mit Einführung: 0:48 min), Kurzfilm Angeln gehen“ mit Vaina und Maui (2:29 min), Das Erbe der Inseln – Making Of (31:13 min, wie alle übrigen Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), Was Sie nicht wussten… (4:00 min), Mode für die Inseln (5:13 min), Animationskünste (14:14 min), Die Musik (12:37 min), Zusätzlicher Song “Warrior Face“ (3:41 min, Bericht über versteckte Anspielungen auf andere Disney-Filme (2:52 min), Zusätzliche Szenen (25:56 min, mit Einführungen der Regisseure), Musik-Video “How far I’ll go“ von Alessia Cara (3:04 min), “How far I’ll go“ in aller Welt (2:44 min)
Nachdem bereits im selben Riesen-Format von 42 x 31 cm voluminöse Bildbände zu Stanley Kubrick, Charlie Chaplin und James Bond erschienen sind, erweitert der Taschen Verlag seine Archiv-Reihe um Bücher über Walt Disneys Animationsfilme. Im Zentrum des 620-seitigen ersten Bandes stehen jene Filme, die zu Disneys Lebzeiten entstanden sind.
Etwas kurz kommen dabei jene ersten Cartoons mit Micky, Donald und Goofy, die sicher noch in einem weiteren Band gewürdigt werden. Doch ansonsten wird ein ebenso umfassender wie auch überraschender Überblick über das Lebenswerk Walt Disneys geboten.
Das Buch hält sich nicht lange mit Disneys Herkunft und Privatleben auf. Stattdessen beschäftigt sich “The Disney Film Archive“ ausgiebig mit dem schöpferischen Prozess, der mit primitiven Kurzfilmen wie den Laugh-O-grams begann und spätesten ab Ende der 30er Jahre den Animationsfilm zur auch kommerziell erfolgreichen Kunstform machte. Disneys erster Langfilm “Schneewittchen und die sieben Zwerge“ wurde zu einem der größten Blockbuster seiner Zeit.
Dem Herausgeber Daniel Kothenschulte ist es wichtig nicht nur die Erfolgsgeschichte Walt Disneys zu dokumentieren. Er weist auch auf Filme hin, die im Schatten von kommerziellen Erfolgen wie “Peter Pan“, “Mary Poppins“ oder dem letzten noch von Walt Disney persönlich produzierten Animationsfilm “Das Dschungelbuch“ stehen. Im Vorwort widerspricht Kothenschulte energisch der allgemein herrschenden Auffassung Disney hätte zwischen “Bambi“ (1942) und “Cinderella“ (1950) nichts Bedeutendes produziert.
Um dieser These entgegen zu wirken, enthält das Buch ausführliche reich bebilderte Kapitel zu den Kurzfilm-Zusammenstellungen “Saludos Amigos“, “The Three Caballeros“, “Make Mine Music“, “Fun and Fancy Free“ (“Fröhlich, frei, Spaß dabei“), “Melody Time“ (“Musik, Tanz und Rhythmus“) und “The Adventures of Ichabod and Mr. Toad“, die zumeist nur unter Schwierigkeiten als Heimkino-Editionen aufzutreiben sind.
In diese Rubrik gehört auch der umstrittene doch tricktechnisch eindrucksvolle Misch-Film “Song of the South“ (“Onkel Remus‘ Wunderland“) von 1946, der auf einer Südstaaten-Plantage spielt und seit VHS-Zeiten auch in den USA nicht mehr erschienen ist. Mit diesem oft des Rassismus bezichtigten Films beschäftigt sich der Trickfilm-Papst Leonard Maltin in einem die Fakten sorgsam abwägenden Text.
Neben der exklusiven Bebilderung, auch zu den während des Zweiten Weltkriegs produzierten Propaganda-Filmen oder den in Zusammenarbeit mit Wernher von Braun entstandenen TV-Spezials über die Eroberung des Weltraums, sind es die von verschiedenen Trickfilm-Experten verfassten sehr aufschlussreichen (in einem Extraheft als deutsche Übersetzung beiliegen) Texte, die für dieses schöne Buch sprechen.
