Den ersten Zuwachs seit Spider-Man: Far From Home bekam das Marvel Cinematic Universe nicht im Kino, sondern in der Online-Videothek von Disney+. Dort starteten am 15. Januar 2021 die ersten beiden Episoden der Serie WandaVision. Im Zentrum der Geschichte steht die Love Story zwischen Wanda Maximoff (Elizabeth Olson) und Vision (Paul Bettany), die drei Jahre zuvor im Getöse von Avengers: Infinity War ziemlich untergegangen war.
Der Auftakt von WandaVision war nicht unbedingt das, was der action-verwöhnte Marvel-Fan erwartet hatte. Wanda alias Scarlet Witch und der Androide Vision alias J.A.R.V.I.S. agieren zunächst als Hauptdarsteller einer scheinbar in den 60er-Jahren gedrehten Serie. Passend dazu wurden die ersten beiden Episoden von WandaVision in Schwarzweiß, im Bildformat 4:3 und mit Lachern vom Band realisiert.
Der Serien-Auftakt ist eine liebenswerte Hommage an TV-Klassiker wie Verliebt in eine Hexe oder Bezaubernde Jeannie. Doch zugleich tauchen immer wieder leicht verstörende Fremdkörper in der nur scheinbar heilen Vorstadtwelt von Wanda und Vision auf. Diese Mischung aus Mystery und Sitcom lässt sich erfreulich viel Zeit, um eine ganz eigene Welt zu präsentieren. Zugleich mangelt es nicht an gelungenen Gags und Spannung. Es bleibt spannend wohin die Reise von Wanda und Vision geht.
Nach und nach wurde aber auch eine parallele Storyline gestartet, deren Breitwand-Optik sich stärker an den Marvel-Kinofilmen orientiert. Hier wird von Differenzen zwischen Militärs und Wissenschaftlern erzählt. Dabei es zu einer Wiederbegegnung mit der etwas verhuschten Doktorandin Darcy Lewis (Kat Dennings), die genau wie in den ersten beiden Thor-Filmen für schrägen Humor sorgt.
Noch einen Spoiler gefällig? Als Wandas Bruder Pietro alias Quicksilver ist diesmal nicht, wie in Avengers: Infinity War, Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass) zu sehen, sondern Evan Peters, der die Figur in den X-Men-Filmen der jetzt bei Disney eingemeindeten Konkurrenz-Firma Fox spielte.
Als der nicht mehr ganz junge New Yorker Joe Gardener fest als Aushilfelehrer angestellt werden soll, scheint sich sein Leben zum Besseren zu entwickeln. Doch am selben Tag bekommt Joe die Gelegenheit im angesagten Jazz-Club Half Note die legendäre Saxophonistin Dorothea Williams bei einem Auftritt am Piano zu begleiten. Für den begeisterten Jazzmusiker scheint ein Traum in Erfüllung zu gehen, doch dann fällt Joe in einen offenen Gully…
Er landet auf einem Fließband im Jenseits und soll ins Licht transportiert werden. Joe gelingt der Absprung ins Vorseits, wo neue Seelen ausgebildet werden, bevor man sie auf die Erde schickt. Joe wird Mentor der Rabauken-Seele 22, an der bereits Muhammad Ali und Mutter Theresa verzweifelt sind. Joe gelingt es tatsächlich auf die Erde zurückzukehren. Er steckt jedoch plötzlich im Körper einer Katze, während 22 versucht mit den Körperfunktionen von Joes schlaksigen Leib klarzukommen.
Auch nachdem Pixar fest zu Disney gehört, beschreitet das Animations-Studio immer wieder erstaunlich weit vom Mainstream entfernte Wege. Auch diesmal gibt es keine Prinzessin als Hauptfigur, sondern eine etwas rundliche männliche Person of Colour. Statt zuckriger Musical-Songs ist ein jazziger Soundtrack zu hören und trotz viel schreiend komischen Klamauk, ist der Film eine intelligente Reflexion über den Sinn des Lebens.
Wie schon bei ähnlich gelagerten Alles steht Kopf inszenierte wieder Pete Docter (Die Monster AG), der auch am Drehbuch mitschrieb. Während die New Yorker Szenerien fast schon fotorealistisch wirken, konnten sich die Animatoren im zwischen plüschig und kubistisch angesiedelten Jenseits richtig austoben.
Ob der erstaunlich erwachsene Film sein Publikum im Kino erreicht hätte, bleibt offen, denn Soul erlebte – Corona-bedingt – seine Weltpremiere am 25.12,2020 (ohne Aufpreis) auf Disney+. Als DVD- und Blu-ray erscheint der Film am 2. April.
In dem aus vielen Parallel-Universen bestehenden Marvel-Kosmos ist Earth-616 jene an unsere Erde erinnernde Welt, auf der die meisten hauseigenen Superhelden beheimatet sind. Eine achtteilige Doku-Reihe namens Marvels 616 ist auf Disney+ zu sehen und erzählt davon, wie viel Kreativität aufgebracht wird, um Tradition und Zeitgeist bei Marvel in Einklang zu bringen.
Dabei geht es bemerkenswerterweise überhaupt nicht um die omnipräsenten Filme des Marvel Cinematic Universe. Im Zentrum der Serie stehen nicht nur Profis, wie das weit entfernt voneinander an der Comic-Reihe Iron Man 2020 arbeitende Team des noch nach der klassischen Marvel-Methode textenden Autoren Dan Slott.
Gewürdigt werden auch Fans, die durch ihre mit viel Liebe und Aufwand produzierten Kostüme als Cosplayer oder in Schulaufführungen selbst zu Marvel-Charakteren werden.
Die Episode Schneller, höher, weiter erzählt davon, wie immer mehr Frauen durch ihre Arbeit an Serien wie Captain Marveloder Ms. Marveldie Comics auch für weibliche Leser interessant machen. Ein Beitrag über Action-Figuren stellt auch Mitchel Wu vor, dem durch das Hinzufügen von Unschärfen, sowie Rauch- oder Wasser-Effekten erstaunlich lebendige, aber oft auch sehr amüsante Fotos von kleinen Spielzeugen gelingen.
Sehr interessant ist Amazing Artisans, ein Bericht über die spanischen Zeichner Natacha Bustos (Moon Girl and Devil Dinosaur) und Javier Garrón (Miles Morales: Spider-Man), die von ihrer Heimat aus für Marvel arbeiten. Hier ist zu erfahren, wie die Künstler arbeiten und durch welche höchst unterschiedlichen Umstände sie ihre begehrten Jobs bei Marvel erhielten.
Recht amüsant ist eine Episode, die sich mit vergessenen Marvel-Figuren beschäftigt und die auch den nicht ganz ernst gemeinten Versuch dokumentiert, die tierischen Superhelden aus der 1990 nach nur vier Heften eingestellten Serie Brute Force zu revitalisieren.
Doch so richtig massenkompatibel ist das Team um den schwerbewaffneten Cyborg-Delfin Surfstreak und den Löwen auf Rädern Lionheart immer noch nicht…
Mein persönlicher Favorit der ersten Staffel dieser hoffentlich recht langlebigen Serie ist eine Episode über eine erstaunliche japanische TV-Serie mit Spider-Man.
Ein Jahr nachdem in den USA eine Realfilm-Reihe mit den Netzschwinger durchgefallen war, erhielt die Produktionsfirma Tōei 1978 die Erlaubnis ihre ganz eigene Version von Spider-Man zu realisieren.
Das Resultat lässt selbst die legendäre Pop-Art-Version von Batman mit Adam West bieder wirken. Das Kostüm und auch die zugehörigen Stunts in der japanischen Version können durchaus beeindrucken. Doch Spider-Man alias Takuya Yamashiro agiert in einer ungewohnten Umgebung voller durchgeknallter Schurken, wie Professor Monster und der aus Aliens mit Entenschnäbeln bestehenden Iron Cross Army oder einem riesigen Krabben-Dämonen.
Bemerkenswert ist auch, dass Spider-Man in Japan über das Raumschiff The Marveller verfügt, welches sich – lange vor den Transformers – in einen Roboter verwandeln kann. Die in Marvels 616 gezeigten Ausschnitte aus der immerhin aus 41 Episoden bestehenden Serie sind zum Schreien komisch, und eine synchronisierte Version wäre auf Disney+ garantiert ein Hit!
Der irische Autor Eoin Colfer schrieb eine offizielle Fortsetzung zu Douglas Adams‘ Kultreihe Per Anhalter durch die Galaxis und verfasste für Marvel Comics mit Iron Man. Sein größter Erfolg ist jedoch die aus acht Büchern bestehende Artemis-Fowl-Reihe, die in 44 Sprachen übersetzt wurde.
Die millionenfach verkauften Jugend-Romane erschienen zwischen 2001 und 2012. Daher verwundert, wie lange es gedauert hat, bis dieser potentielle “neue Harry Potter“ verfilmt wurde. Doch jetzt hat es Disney richtig krachen lassen, 125 Millionen Dollar investiert und Kenneth Branagh (Tenet) als Regisseur angeheuert.
Die Geschichte erzählt vom 12-jährigen Wunderknaben Artemis Fowl II, dessen Vater – ein meisterhafter Dieb und intimer Kenner der irischen Folklore – plötzlich verschwunden ist. Bei dem Versuch ihn zu finden, gerät Fowl Junior an eine mit Hightech-Waffen ausgerüstete Elfen-Polizei und eine weltweite Verschwörung…
Trotz moderaten Spieldauer von wenig mehr als 90 Minuten, Judi Dench und Colin Farrell in markanten Rollen, sowie teilweise beeindruckenden Bildern, hält sich der Unterhaltungswert des Films in Grenzen. In Sachen Spannung und Humor kann Fehlanzeige vermeldet werden. Ferdia Shaw als jugendlicher Klugscheißer im Men-in-Black-Anzug nervt in der Titelrolle bereits nach wenigen Minuten.
Daher ist es für den Film – bzw. das geplante Franchise – ein Segen, dass Artemis Fowl Corona-bedingt seine Premiere nicht im Kino, sondern auf Disney+ erlebte. Um der dortigen Kundschaft weitere exklusive Inhalte zu bescheren, könnte es – allen miesen Kritiken zum Trotz – zu weiteren preiswerter produzierten Begegnungen mit dem kleinen Nervbolzen kommen.
Eine der Hauptattraktionen von Disney+ ist zweifelsohne die Star-Wars-Serie The Mandalorian. Der Titelheld ist eine ähnliche Figur wie der beliebte Kopfgeldjäger Boba Fett. Doch der Mandalorianer ist ein Mann ohne Namen, aber nicht ohne Ehre. Nachdem er Grogu, ein fünfzigjähriges (!) Kind aufspürte, das derselben Gattung angehört, wie der Jedi Meister Yoda, beschließt der Mandalorianer das großäugige grüne Wesen in seine Obhut zu nehmen.
Der Mandalorian, der nie seinen Helm abnimmt (Judge Dredd lässt grüßen) und das niedliche Kind in seinem schwebenden “Kinderwagen“ sind ein unwiderstehliches Gespann, das an die Hauptfiguren aus Kazuo Koikes Manga-Serie Lone Wolf & Cub erinnert. Das Duo agiert in einer fünf Jahre nach den Ereignissen in Die Rückkehr der Jedi-Ritterangesiedelten Welt. Dabei wird recht häufig der Wüstenplanet Tatooine aufgesucht, wodurch es zu Begegnungen mit beliebten Charakteren wie den Jawas oder den Tusken-Banditen kommt.
Masterminds hinter dieser Serie sind Jon Favreau (Iron Man, The Junglebook) und Dave Filoni, der bereits etliche Star-Wars-Animationserien produzierte. Ihrem Team gelangen schillernde Charaktere und originelle Geschichten. Diese spielen swich zumeist auf vertraut anmutenden Terrain ab, das nach allen Regeln der Spezialeffekt-Kunst in Kino-Optik gezeigt wird.
Bemerkenswert ist auch, dass es Jon Favreau gelungen ist Werner Herzog für Rolle als undurchsichtiger Auftraggeber des Mandalorians zu verpflichten. Er ging sogar so weit Herzogs mit seiner in den USA sehr beliebten markant teutonischen Stimme als Sprecher für den Trailer einzusetzen. In der deutschen Fassung ist Herzog hingegen nicht zu hören, sondern er wird vom Theaterschauspieler Hubert Burczek synchronisiert. Darin ähnelt Herzog seinem “liebsten Feind“ Klaus Kinski, der ebenfalls selten ins Synchronstudio ging.
Für Star-Wars-Fans dürfte The Mandalorian eine einzige Freude sein. Mich haben die in der ersten und zweiten Staffel erzählten Stories mehr überzeugt als Episode I bis III, Rogue One, sowie Episode VIII bis IX zusammen. Ähnlich sehen es wohl auch die Verantwortlichen bei Disney, denn aktuell inszeniert Jon Favreau den Kinofilm The Mandalorian & Grogu!
NachLoki ist The Mandalorian die zweite Serie von Disney+, die für den heimischen Player veröffentlicht wird. Das limitierte optisch sehr hübsch aufgemachte Steelbook mit drei beigelegten Postkarten hat jedoch seinen Preis, denn es wird bisher nur als Kombi-Box mit zwei Blu-rays UND zwei 4K-UHD-Scheiben angeboten.
Auch das Bonusmaterial kann sich sehen lassen. Geboten werden zwei kurze aber informative Dokus: “Überleben des Imperiums (5:46 min) und “Das Versteck – Teil 1“ (10:35 min).
Mal wieder hat es einen Disney-Animations-Klassiker erwischt. Auch Susi und Strolch diente als Vorlage für eine Neuverfilmung mit einem auf “realistisch“ getrimmten Look . Das Resultat ist weniger gelungen als Tim Burtons respektvolle Dumbo-Hommage, jedoch – trotz computeranimierter Tiere – auch kein Spezialeffekt-Overkill wie Jon Favreaus Version von Der König der Löwen.
Für den 2019 entstandenen Film spricht, dass die Geschichte genau wie im Original Anfang des letzten Jahrhunderts spielt, was für nostalgischen Charme sorgt. Störend ist jedoch, dass ziemlich penetrant versucht wurde, es allen potentiellen Zuschauern recht zu machen.
So leben Herrchen (Thomas Mann) und Frauchen (Kiersey Nicole Clemons) der Cocker-Spaniel-Dame Susi – ich hoffe ich formulieren das jetzt halbwegs unbedenklich – in einer schwarz-weißen Mischehe. Dies erscheint wenig glaubhaft, angesichts ihres Wohnorts, einer hübschen Vorstadt-Villa im Süden der USA (Drehort war Savannah).
Dem Bestreben nicht anzuecken wurde auch der schöne Siamese Cat Song geopfert, der mit viel Fantasie als Rassismus interpretiert werden kann. Doch wenn F. Murray Abraham als italienischer Restaurant-Besitzer die Mördernummer Bella Notte schmettert, während er Susi und Strolch Spaghetti serviert, wird einiges an Flair aus dem Zeichentrick-Klassiker von 1955 in den Realfilm gerettet.
Recht achtbar ist auch Janelle Monáes neue Version von Peggy Lees Song He’s a Tramp. Es ist zu hoffen, dass diese für Disney+ gedrehte 60-Millionen-Dollar-Produktion den einen oder anderen Zuschauer dazu bringt, sich die sehr viel besser gelungene Zeichentrick-Vorlage anzusehen.
Nach Supergoof, Phantomias, Gundel Gaukeley, Gamma, Onkel Dagoberts Geldspeicher, Daisy Duck, Gustav Gans und Donalds „313“-Auto wird jetzt – wie zuvor schon Kater Karlo eine eher schurkische Figur zu einem von „Disney´s heimliche Helden„. Wie so viele Mitglieder des Entenuniversums ist auch die Figur des Klaas Klevers eine Erfindung des großen Carl Barks. Dieser ließ den mit Dagobert Duck um den Status des reichsten Mannes der Welt ringenden Tycoon 1961 in der in diesem Buch enthaltenen Geschichte Das Bootsrennen erstmals auftreten.
Die Übersetzerin Erika Fuchs nannte Onkel Dagoberts “Geschäftsfreund“ Emil Erpel, genau wie den Gründer von Entenhausen. Im Original hieß er jedoch – in Anspielung auf John D. Rockefeller – John D. Rockerduck und dieser Name führte dazu, dass Barks die Figur nur einmal einsetzte. Wolfgang J. Fuchs´ wieder sehr interessantem Vorwort ist zu entnehmen, dass 1961 Rockefellers Sohn Michael C. unter mysteriösen Umständen in Neuguinea verschwand, was – da dieses Ereignis Parallelen zu den Geschehnissen in seiner Comicstory Das Bootsrennen aufwies – dazu führte, dass Barks auf weitere Einsätze von Rockerduck/Klever/Erpel verzichtete. Doch bereits 1962 lebte die Figur in den italienischen Disney-Comics weiter.
Das Hardcoverbuch enthält neben der Barks-Story noch vier Beispiele von italienischen Comics mit Klass Klever, die zur Hälfte deutsche Erstveröffentlichungen sind. Abgesehen von der äußerst gelungenen letzten Geschichte aus der schwungvollen Feder von Danilo Barozzi sind diese Storys (obwohl sich hier Comickünstler wie Romano Scarpa oder Giorgio Cavazzano beteiligt waren) zeichnerisch eher unteres Mittelmaß. Leider handelt es sich hier um den Abschlussband der Reihe. Das ist sehr schade, denn es gäbe noch genug “Heimliche Helden“, man denke nur an die Panzerknacker, Kommissar Hunter, Dicky, Dacky und Ducky oder Helferlein…
In letzter Zeit war es nicht mehr unbedingt ein zusätzliches Gütesiegel, wenn einer der zahlreichen fast schon im Wochentakt in die Kinos kommenden Trickfilme aus dem Hause Pixar stammte. Umso überraschender ist es, dass in Anbetracht der nicht wirklich gelungenen Fortsetzungen von Cars und Die Monster AG, sich mit den Figuren aus Pixars ersten Langfilm Toy Story immer noch interessante Geschichten erzählen lassen.
Eine leider nur auf DVD vorliegende Zusammenstellung enthält zwei 22-minütige Kurzfilme mit Woody, Buz & Co, die ihre Premiere 2013 und 2014 auf dem US-Sender ABC erlebten.
Toy Story of Terror! ist eine durchaus gruselige Halloween-Episode, die stylisch mit einem liebevoll auf trashig getrimmten schwarzweißen Dracula-Film beginnt, den sich die Toys in einem unheimlichen Motel ansehen. Dort bricht dann tatsächlich der Terror aus, denn der Manager des zweifelhaften Hauses setzt seinen Leguan ein, um liegen gelassenes Spielzeug einzusammeln, damit er es im Internet versteigern kann. Woody kommt dort auch recht schnell für 2000,- Dollar unter dem Hammer. Als die restliche Toys versuchen zu verhindern, dass Woody an den Käufer ausgeliefert wird, erhalten sie Unterstützung von der zackig agierenden Action-Figur Combat Carl, die im Original von Carl Weathers alias Apollo Creed aus Rocky gesprochen wird. Als Bonus-Material zu diesem köstlichen Kurzfilm enthält die DVD neben einem 11-minütigen Making Of noch drei sehr witzige auf Nostalgie getrimmte gefakte Werbeclips zu den neu eingeführten Toys Combat Carl, Old Timer und Transitron.
Noch eine Spur gelungener ist der zweite Kurzfilm Toy Story that Time forgot (Deutscher Titel Toy Story – Mögen die Spiele beginnen). Hier wird erzählt, wie die kleine Bonnie mit ihren Toys kurz nach Weihnachten ihren Freund Mason besucht. Sie widmet sich sofort einem neuen Video Game und verfrachtet ihre Toys in Masons überdimensional großes Kinderzimmer. Dort entdecken Woody, Buzz & Co, dass sich bei Mason eine Unmenge von Figuren und Zubehör aus der Fantasy- und Saurier-Spielzeugreihe The Battlesaurs angesammelt hat. Die Begegnung mit den irgendwo zwischen John Carter vom Mars und Masters of the Universe angesiedelten pathetisch agierenden Action-Figuren amüsiert Woody und seine Freunde zunächst ein wenig. Doch als schließlich spürbar wird, dass Reptillus Maximus und seinen zu gefährlichen Ritualen neigenden Stammes-Genossen nicht bewusst ist, dass sie kein barbarisches Völkchen sondern Spielzeug sind, ist es plötzlich nicht mehr so lustig. Toy Story that Time forgot ist sehr spannend erzählt und es gibt ulkige Anspielungen, aber auch großartige Momente. Meisterhaft inszeniert ist etwa der Augenblick, wenn der sich pompös aufführende Fantasy-Krieger Repitillus Maximus plötzlich erkennen muss, dass er “nur“ eine Action-Figur aus einer Papp-Verpackung ist.
Einmal mehr wird hier unaufdringlich die der ganzen Toy Story-Reihe zugrunde liegende Botschaft vermittelt, dass Spielzeuge vielleicht so etwas wie ein eigenes Leben führen können, aber in erster Linie zum Spielen da sein sollten.
Abgerundet wird die DVD durch die drei 5- bis 7-minütigen Toy Story-Kurzfilme Hawaiian Vacation (2011), Small Fry (2011) und Partysaurus Rex (2012), die im Vorprogramm von Cars 2, Die Muppets und der 3D-Version von Findet Nemo zu sehen waren.
